中国评剧音配像马寡妇开店(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787883096320

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梨园遗韵：津味儿的吆喝与故事 图书名称：《津门曲艺新探：从撂地到舞台的艺术流变》 作者： 王立新 著 出版社： 天津人民美术出版社 出版日期： 2023年10月 定价： 88.00 元 --- 内容简介 本书是作者王立新先生历时十年，深入天津曲艺界一线，对津门传统与新兴曲艺形式进行田野调查与深度梳理的学术力作。全书共分六个主要篇章，以宏大的历史视野和细腻的文本分析相结合，构建了一幅生动、立体、富有生活气息的天津曲艺发展全景图。 第一部分：码头文化的孕育——清末民初的“撂地”风貌 本章聚焦于近代天津，这座因漕运而兴的北方枢纽，如何成为曲艺的温床。作者从社会经济结构入手，探讨了码头工人、行栈伙计等底层劳动者对大众娱乐的迫切需求，以及这种需求如何催生了早期的“撂地”演出形态。 重点剖析了“太平歌词”的起源与早期腔调的地域特色。不同于官方舞台的精致，《太平歌词》在海河两岸的茶馆、酒肆中自由生长，其语言粗粝、情节市井、讽刺辛辣，是研究近代天津社会心态的活化石。书中收录了多份罕见的早期手抄本残页考证，比对了不同版本之间的俚语和韵脚差异，揭示了口头艺术在记录过程中天然的动态演变性。 此外，本章还详细梳理了“莲花落”在津地的演变路径。从最初的化缘说唱，到后来融入评书、大鼓等元素的半说半唱形式，作者通过对早期艺人“艺名”与“艺号”的考证，勾勒出天津曲艺艺人社群的早期组织结构和行规。 第二部分：鼓书的黄金时代——“弦子书”与“竹板书”的并峙 进入民国时期，随着剧场和专业曲苑的出现，天津的曲艺艺术迎来了第一个“黄金时代”。本书着重分析了“天津大鼓”的成熟与鼎盛。 作者将天津大鼓分为两大流派进行对比研究：以某某先生为代表的“弦子书”流派，其特点在于弓弦的细腻处理和腔调的婉转悠扬，多擅长演绎缠绵悱恻的才子佳人故事；以及以“板儿”为主导的“竹板书”流派，其表演风格更注重节奏的顿挫有力，常以表现侠义公案或民间讽刺题材见长。 本书最精彩的部分之一，是对“武大郎卖烧饼”这一经典题材在不同鼓书艺人手中的改编进行文本分析。通过对三位不同时代、不同流派的代表性段落的对照解读，展现了同一故事内核如何根据时代语境、观众口味和艺人个人风格，在唱腔、板式、道白甚至道具运用上的巨大差异。这种差异性研究，直观地体现了口头艺术的生命力。 第三部分：戏剧曲艺的交融与互鉴——评剧的“津味儿”溯源 本章探讨了京剧以外的地方声腔，尤其是评剧在天津的发展轨迹。天津作为早期京剧码头的重要辐射地，其民众对戏曲的接受度和评判标准极高，这直接塑造了评剧在天津的独特面貌。 书中详细分析了早期评剧从河北民间小调向成熟舞台艺术过渡的关键时期。评剧的唱腔结构、服装设计、舞台调度，无不带有浓厚的津味儿影响。例如，评剧早期的道白，常常夹杂着大量地道的津沽方言词汇，这种“泥土气”是其区别于其他剧种的重要特征。 作者通过对比早期评剧剧本与后期根据广播、电影改编的文本，梳理了传统故事在“现代化”过程中的文学损益。重点考察了传统戏目如《杜十娘》《杨乃武与小白菜》等在天津舞台上的演绎特点，论述了早期评剧艺人如何巧妙地在保持传统叙事的基础上，融入观众所熟悉的市井生活场景和幽默桥段，以增强亲切感。 第四部分：广播的介入与曲艺的“录音时代” 二十世纪中叶后，广播的普及对曲艺的传播产生了革命性的影响。本章重点研究了录音技术对曲艺文本和表演规范化的影响。 在录音技术出现之前，曲艺的艺术形态具有极强的即兴性和现场性，一个段子可能有上百种版本。一旦进入录音棚，为了追求清晰度和发行标准，艺人不得不开始“定本”。本书通过对同一段传统书目在不同年代录音版本的声谱分析，量化了这种“规范化”对艺术表达自由度的影响。 此外，本章还讨论了电视和录像技术的早期应用对曲艺舞台的影响。它一方面为曲艺提供了更广阔的传播渠道，另一方面也带来了视觉冲击与表演程式的冲突。作者认为，在这一阶段，曲艺的“精气神”的传承面临着巨大挑战，如何将舞台上的“神采”转化为二维媒介上的“神韵”，成为老一辈艺人亟需解决的问题。 第五部分：曲艺的地域特色——“吆喝”与“叫卖”的声学考古 这一章节回归到天津曲艺最基础的元素：语言和声音。作者运用声学分析技术，对不同曲种的“头腔音高”、“韵尾处理”以及“歇腔的运用”进行了技术性描摹。 特别是对天津特有的“板眼控制”进行了深入的探讨。天津曲艺强调“稳、准、脆”，这不仅仅是技术要求，更是一种文化偏好——反映了天津人对效率和清晰度的追求。本书通过分析老艺人录音中对“咝音”和“颤音”的控制，揭示了这种艺术技巧背后所承载的地域性格。 “吆喝”作为曲艺的母体之一，在本章被赋予了专门的篇幅。作者收集了大量关于老天津城内各行业（如磨刀的、修脚的、卖冰糖葫芦的）的经典吆喝声，并将其与太平歌谣的起腔进行对比，论证了市井叫卖声是如何被提炼、美化并最终融入到专业的曲艺腔调中的。 第六部分：当代传承与创新：新一代的探索 本书最后一部分关注当代天津曲艺的发展困境与新生力量。作者认为，当代曲艺的挑战在于如何在继承传统“津味儿”的同时，避免陷入对经典作品的简单重复。 书中对几位在全国范围内取得显著成就的青年曲艺工作者进行了个案研究。他们的创新方向主要体现在：一是题材的拓宽，将当代社会热点、网络文化纳入表演范畴；二是形式的杂糅，尝试将电子音乐、现代舞蹈元素融入传统板式中。 作者持审慎乐观的态度，强调曲艺的生命力源于其扎根于天津市民生活的“烟火气”。真正的创新，不是抛弃传统韵味，而是在新的时代语境下，用传统技艺讲述新的故事，保持那份独有的、发自肺腑的“哏儿”。 --- 本书特色： 田野视角： 作者长期驻扎天津，大量一手访谈资料和珍贵录音片段的文字转录。 跨学科分析： 结合了社会学、语言学和声学分析方法，对曲艺艺术进行多维度解构。 文献考证严谨： 附录包含大量鲜为人知的早期演出时间表和艺人谱系图。 语言生动： 虽然是学术著作，但作者的文字充满对天津文化的热爱，读来毫不晦涩。 适用读者： 曲艺爱好者、戏曲研究者、社会文化史学者、天津地方文化研究者。

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说实话，我当初买这个VCD，更多是冲着“时代记忆”去的。现在这流媒体时代，想找点原汁原味的“老物件”太难了。这个《中国评剧音配像马寡妇开店》VCD，它承载的不仅仅是一出戏，更是一种工艺和一种审美取向的变迁。首先，从音质上来说，虽然是VCD时代的技术限制，但比起现在那些过度修饰的数字录音，它保留了舞台现场特有的那种“空气感”，有一种难得的真实。其次是画面的调度，现在的戏曲拍摄往往追求高清和特写，但这老版本的镜头语言相对朴实，更注重全景展现演员的走位和舞台空间的调度，这对于理解传统戏曲的舞台调度逻辑非常关键。我反复看了几遍，特别是马寡妇和掌柜之间那几场对手戏，那种火花四射的“掐”劲儿，完全是通过肢体语言和极简的布景烘托出来的，没有多余的炫技，纯粹是表演的功力在支撑。这份朴素的力量，在新作品里是很难再寻觅的。

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从艺术史的角度来看待这部《马寡妇开店》VCD，它无疑是评剧发展史上的一个重要坐标。它定格了一个特定流派、特定几代演员的表演标准。我注意到，虽然剧目是经典的，但在这个音配像的版本中，对一些程式化的动作进行了一定的“现代化”处理，使其更适应VCD这种中等清晰度的介质传播。例如，一些需要远距离观看的亮相动作，被巧妙地通过特写镜头和更夸张的面部表情来弥补了空间感上的缺失。这表明，即便是传承经典，创作者们也在思考如何让“老东西”在新的媒介环境下焕发生机，而不是僵硬地复刻。对于研究中国戏曲影像化过程的人来说，这个VCD的制作思路本身就是一个值得深入分析的案例，它反映了那个时代在技术与艺术之间做出的取舍与平衡，值得反复品味。

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翻开碟盒，那股子老VCD特有的塑料气味，一下子就把我拉回了上世纪九十年代末，那种抱着录像机或者VCD机，对文化生活极度渴望的年代。这部戏的选材本身就非常接地气，《马寡妇开店》讲的无非是市井中的一桩买卖纠纷，充满了生活化的智慧和市井的幽默。在那个时期，评剧艺术的传播非常依赖这类“物美价廉”的音像制品，它让不懂戏的普通老百姓也能通过这种视听结合的方式，领略评剧的魅力。我印象最深的是其中几次高潮处的群像戏，虽然布景看起来略显简陋，但演员的走位和配合的默契程度极高，体现出那个年代艺术团体强大的集体凝聚力和舞台掌控力。观看体验虽然比不上蓝光高清，但它带来的情感共鸣，却是任何高清晰度都无法替代的，这是一种对“稀缺”和“质朴”的怀念。

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这部戏曲影像资料的收藏价值实在太高了！光是能把马寡妇开店这个经典段子用VCD的形式保存下来，就值得戏迷们热泪盈眶。我记得小时候第一次在舞台上看到这段，那种热闹劲儿、那种市井烟火气，简直是扑面而来。评剧的唱腔本就带着一股子北方特有的醇厚和质朴，再加上“音配像”这种形式，把演员的精湛表演和原声的魅力完美地结合在一起，看得人是心服口服。特别是对研究评剧表演艺术的学者来说，这简直是一手难得的活材料。我特别关注了不同演员对马寡妇这个角色的诠释，虽然我看到的这个版本是特定时期的定格，但其中的身段、眼神里的那股子泼辣劲儿，以及面对复杂局面时的那份精明算计，都处理得入木三分。光是光碟的封套设计，那种老式的油墨印刷感，就已经把我瞬间拉回了那个年代，让人感慨万千，收藏界的大佬们可得赶紧入手，这可不是一般的VCD能比的。

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作为一名业余的评剧爱好者，我对这个版本“音配像”的平衡度非常感兴趣。评剧的特点在于其板式结构和道白韵味，而“音配像”很容易出现“画不对嘴型”或者“声音盖过表演”的问题。然而，在这套VCD里，我感觉制作方下了大功夫去协调两者。听起来，那唱腔的饱满度和人物的情绪是完全匹配的，演员的嘴型虽然不是每一秒都完美同步，但其神态的转换却紧跟唱段的起承转合。尤其是表现马寡妇精明算计、略带委屈的那些唱段时，唱腔里的那种“哭腔”和眼神里的那份“硬气”形成了绝妙的反差，让人听了心里直犯嘀咕：这女人到底是有多难啊，但也确实是厉害。这种艺术处理，其实比很多只追求完美同步的现代录制要耐人寻味得多，它留下了“表演”的痕迹，而不是冰冷的录音文件。

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