龚老师教画画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:浙江古籍出版社

作者:龚建林 编

出品人:

页数:79

译者:

出版时间:2005-4

价格:14.50元

装帧:简裝本

isbn号码:9787807150145

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 儿童画
• 美术
• 绘画教程
• 绘画技巧
• 龚老师
• 少儿绘画
• 基础绘画
• 绘画入门
• 艺术

瀚海拾贝：中国古代文学的广阔天地 书名：瀚海拾贝：中国古代文学的广阔天地 作者： [此处留空，或填写一位虚构的、具有深厚学术背景的古代文学研究者姓名] 出版社： [此处留空，或填写一家专注于传统文化和人文学科的权威出版社名称] --- 内容提要 《瀚海拾贝：中国古代文学的广阔天地》并非一本狭隘的断代史或流派专著，而是一次对中华文明数千年文学遗产进行深度、广阔巡礼的宏大叙事。本书旨在为读者勾勒出一幅动态、立体且充满生命力的古代文学图景，从先秦的质朴浑厚，到魏晋的清峻玄远，再到唐宋的鼎盛辉煌，直至明清小说的世俗百态，力求展现文学作为民族精神载体的演变轨迹与不朽魅力。 本书摒弃了传统教材的刻板梳理，而是以“文化脉络的穿插”和“经典文本的精妙解读”为核心。我们聚焦于文学现象背后的社会结构、哲学思潮与审美转向，探究文学是如何回应时代、塑造国民性，并最终实现超越时空的永恒价值。 全书结构宏大而不失细腻，内容涵盖了文学的四大主要形态——诗歌、散文、小说、戏剧——的起源、发展与巅峰形态的深入剖析。我们不仅关注“是什么”，更深入探究“为什么”和“如何成为”。 --- 第一部分：源头活水——先秦至两汉的奠基与勃发 第一章：诗三百与礼乐文明的共鸣 本章深入探讨《诗经》的现实主义精神与民歌传统。我们不将《诗经》视为孤立的文本，而是将其置于周代宗法制度与“礼乐教化”的宏大背景下考察。重点分析“风、雅、颂”的功用差异，并解析其语言的质朴与情感的真挚如何奠定了中国诗歌的最初范式。同时，将比兴手法视为一种早期的审美建构。 第二章：诸子争鸣中的散文气象 春秋战国时期，是中国思想史上最活跃的“舌尖上的时代”。本章侧重于纵横捭阖的政治散文与追求哲理深度的说理散文的对比。重点研习《论语》、《孟子》的对话艺术与逻辑建构，《庄子》的汪洋恣肆与寓言思维，以及《史记》中“寓言于史”的叙事技巧。我们将“史汉合流”视为中国文学史上第一次宏伟的散文实践。 第三章：汉赋的恢弘与乐府的民间回响 汉代文学的特征是“大”与“工”。本章首先解析汉赋如何从楚辞的浪漫继承中脱胎，演变为宫廷文化的审美象征，分析赋的铺陈夸饰、辞藻的华美与结构上的“铺叙成文”特点。随后，笔锋转向乐府民歌。通过对《孔雀东南飞》、《上邪》等篇目的细致审视，揭示汉代底层民众的情感世界与对帝国宏大叙事的对冲与补充。 --- 第二部分：魏晋风度与唐诗的巅峰 第四章：玄学清谈与文学的个体觉醒 魏晋南北朝是文学史上一次重大的“转向”：从关注集体伦理转向关注个体生命体验。本章深入剖析曹魏“建安风骨”中蕴含的慷慨悲凉，以及“竹林七贤”对生命本真与自然哲学的追求。重点探讨玄学如何渗透入山水诗的创作，使诗歌从咏物写志转为体悟“空”与“有”的辩证关系。 第五章：陶渊明：田园诗的定型与精神的归隐 陶渊明被视为古代隐逸文学的集大成者。本章分析其诗歌语言的平淡自然，如何达到“清水出芙蓉，天然去雕饰”的境界。探讨其“不为五斗米折腰”背后的士人价值选择，以及他所构建的理想田园世界，对后世文人的精神产生了何种持久的影响。 第六章：盛唐气象：从边塞到田园的交响 唐诗是中国古典诗歌的最高峰，本章以“气象”为核心，将唐诗划分为几大精神板块。首先是边塞诗派（高适、岑参）对家国情怀与大漠雄奇景观的捕捉；其次是盛唐山水田园诗（王维、孟浩然）如何通过禅意与画境，实现诗与画的融合；最后，着重剖析李白与杜甫这两座高峰，分别代表了浪漫主义的极致自由与现实主义的深沉关怀。 第七章：中晚唐的转向与格律的完善 本章探讨安史之乱后，唐诗从开阔走向内敛与精微的过程。重点分析韩愈、柳宗元的古文运动对散文复兴的贡献，以及白居易的新乐府运动对社会现实的深刻介入。最后，聚焦于晚唐的唯美主义（李商隐、杜牧），分析其意境的朦胧、用典的精妙与格律的成熟。 --- 第三部分：宋代的审美转向与世俗的勃兴 第八章：宋词：从宴饮之音到心学微言 宋词是抒情文学的另一个高峰，本书将宋词的发展视为审美趣味由“雄浑”转向“清隽”、“婉约”的体现。本章详细梳理了柳永的市井情调、苏轼的旷达豪迈（开创豪放一派的革命性意义）、李清照的凄婉与学养，以及辛弃疾的以文为词的创新。探讨宋词的“叠字”与“铺叙”如何更细腻地捕捉转瞬即逝的情感体验。 第九章：宋代散文的成熟与“唐宋八大家”的重估 宋代是散文的“黄金时代”。本章不局限于八大家罗列，而是分析欧阳修倡导的“文以载道”与“平易近人”的理念如何影响了文风。重点解析苏轼在政治失意中达到的“随性而发”的散文境界，以及曾巩、王安石在议论中的严谨性。 第十章：宋学对文学的渗透与理性的张力 本章探究程朱理学对文学创作思维的影响，尤其是对“格物致知”的追求如何间接促使宋代笔记小说和文化随笔的繁荣。我们检视文学如何在这种强调秩序与内省的时代背景下，寻求表现上的突破与创新。 --- 第四部分：明清的世情、传奇与大众的崛起 第十一章：话本、戏曲与世俗生活的登场 明清是叙事文学和舞台艺术的爆发期。本章首先追溯宋元话本的源流，分析它们为后世白话长篇小说奠定了基础。随后，深入解析元明杂剧与清代传奇（如《牡丹亭》）中爱情主题的解放与社会批判的力度，探讨戏曲如何成为最贴近大众的文学形式。 第十二章：章回体小说的巅峰：人性的百科全书 本章聚焦于《三国演义》、《水浒传》、《西游记》和《红楼梦》这“四大奇书”的结构艺术与思想深度。 《三国》：解读其对历史叙事、英雄群像塑造与“权谋美学”的构建。 《水浒》：分析其对“忠义”观念的复杂阐释，以及对底层反抗精神的肯定。 《西游》：将其视为一部融合了宗教隐喻、神魔想象与民间智慧的“心猿意马”的寓言。 《红楼梦》：将其提升至家族兴衰史、女性悲剧史与哲学探索的高度，重点分析其白话语言的炉火纯青与悲剧意识的深刻性。 第十三章：清代文人小说与文学的自我反思 本章探讨清代在章回体成熟后，文人小说（如《聊斋志异》）如何以“志怪”的外衣，探讨人情世故与道德困境，以及“小说批评”在清代（如金圣叹评点）的兴起，标志着古代文学批评思想的成熟与对文学本体价值的自觉认识。 --- 结语：古典精神的当代回响 全书最后将目光投向对古代文学遗产的继承与挑战。我们总结了中国古代文学在抒情、叙事、审美上的独特贡献，并探讨在现代性冲击下，这些古典精神如何仍旧滋养着当代的文化想象与艺术表达。本书期望读者能将古代文学视为一部活着的历史，而非尘封的故纸堆，从中汲取民族智慧与不竭的生命力。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处在于它对“个人风格”的强调。许多教程都试图将读者塑造成特定画派的模仿者，但这本书却一直在鼓励你“找到你自己的声音”。它鼓励我们在模仿基础之上，大胆地进行“故意破坏”——比如用刮擦的方式来处理纹理，或者用非传统的工具来上色。这对我这个习惯于循规蹈矩的人来说，是一次解放。它把绘画从一个“技术活”提升到了“表达自我”的层面。我特别喜欢它关于“光影表现力”的那一部分，它没有停留在“亮部、暗部、反光”的简单划分，而是深入探讨了“氛围光”和“情绪光”的概念。通过不同的色温和光线角度，如何营造出忧郁、喜悦或是神秘的氛围。我照着书中的练习，试着用暖光来描绘一个简单的室内场景，最终的效果比我以往刻意追求的写实感更具感染力。这种对情感表达的重视，让学习绘画的过程充满了哲学思辨的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻被它那种充满活力和生命力的叙事风格所吸引。它不像传统的教程那样板着脸孔灌输知识点，反而更像是一场充满激情的艺术冒险的邀请函。作者似乎深谙如何点燃读者的创作欲望，文笔中洋溢着对线条和色彩的无限热爱。我特别欣赏它在讲解过程中穿插的那些关于“艺术思维”的探讨。它不仅仅教你“怎么画”，更重要的是引导你思考“为什么这样画”。比如，在描绘动态场景时，书中强调了捕捉“瞬间的能量”而非精确的形体结构，这种理念的转变对我冲击很大。我过去总是试图用尺子去丈量世界，结果画出来的东西僵硬无比，而这本书教会我放松下来，用眼睛去感受事物的流动性。纸张的质量也值得称赞，它能很好地承载不同的媒介，即使用水彩晕染也不会太容易洇开，这为练习不同肌理提供了便利。整本书的编排逻辑是跳跃性的，它会突然从一个基础的阴影练习，跳转到对名家作品的速写解析，这种不拘一格反而激发了我的好奇心，让我忍不住想去探索作者所指的每一个“灵感火花”。

评分☆☆☆☆☆

这本绘画入门指南简直是为我这种毫无基础的“手残党”量身定做的！我一直梦想着能拿起画笔，哪怕只是画个简单的速写，但每次翻开那些高深的艺术理论书籍，都感觉像在啃一本天书。这本书的切入点非常亲民，它没有一上来就拽着你讨论透视的复杂公式或者光影的微妙变化，而是从最基础的“握笔的正确姿势”和“如何观察一个简单的圆形”开始。作者的语言就像一位和蔼可亲的邻家大哥在手把手教你，耐心得让人感动。记得有一章专门讲了如何用最简单的几何图形搭建出复杂物体的骨架，我照着试，竟然奇迹般地画出了一个看起来不那么歪斜的苹果！最让我惊喜的是，它提供了一系列“微小胜利”的练习，每完成一个小目标，都会给人带来巨大的成就感，这极大地鼓励了我这个容易半途而废的初学者。书中的配图清晰明了，步骤拆解得极其细致，即便是色彩的搭配，也给出了非常实用的“安全色组”建议，让我不再为选色而头疼。可以说，这本书成功地降低了艺术创作的门槛，让我真正体会到了“人人都能画”的乐趣，而不是仅仅停留在“我想画”的阶段。对于那些被传统美术教育吓退的朋友，我强烈推荐从这里开始你们的艺术旅程。

评分☆☆☆☆☆

对我而言，这本书最宝贵的价值在于它提供了一套完整的“自我修正系统”。很多时候，我们画完一张画，自己却看不出哪里出了问题，或者不知道如何改进。这本书的最后一章专门介绍了一种“互评与自查清单”。这个清单非常实用，它列出了一系列自我提问，比如“你的焦点是否明确？”“线条是否表达了物体的重量？”等等。我不再盲目地重画，而是拿着这份清单去审视自己的作品，很快就能定位到核心问题所在。此外，书中还提供了一些有趣的“跨界练习”，比如要求我们用音乐的节奏来控制笔触的长短，或者用诗歌的意境来选择色彩。这种将绘画与其他艺术形式结合的尝试，极大地拓宽了我的创作边界，让我不再将绘画视为一个孤立的技能。总而言之，这是一本不只是教你工具和技巧的书，它更像是一位艺术路上的导师，在你迷茫时指引方向，在你气馁时给予鼓励，让人读完后信心倍增，迫不及待想拿起画笔去实践。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我之前买过好几本号称“零基础”的绘画教材，它们要么是内容过于空泛，要么是进度快得让人喘不过气。然而，这本让我感到非常踏实。它的深度和广度掌握得恰到好处。尤其是在“构图”这一章节的处理上，作者没有采用枯燥的黄金分割理论轰炸，而是通过分析大量优秀的风景画和静物摄影作品，直观地展示了如何利用视觉引导线和留白来平衡画面。我尝试着按照书中的方法，重新审视我过去画的几张作品，发现原来只是因为把主体放得太居中，画面才会显得沉闷。更棒的是，书中似乎非常注重材料的“可获得性”，它推荐的工具都是日常就能买到的平价用品，没有强迫读者去购买昂贵的工作室级别的设备，这极大地降低了我的心理负担。此外，它还非常细致地讨论了“挫败感管理”，作者坦诚地分享了自己早期的失败经历，让我意识到，即便是大师也会有画得不顺心的时候，这种真实感比任何完美的范例都要有力量。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆