花田错 菊坛经典 绝版……(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787799212401

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《梨园旧梦：京剧艺术的流变与传承》 本书旨在深入探讨京剧艺术自其诞生以来，在不同历史时期所经历的兴衰荣辱、艺术风格的演变，以及在当代社会中如何寻求创新与发展的复杂历程。我们试图以一种审视历史、关照现实的视角，描摹出京剧这一国粹在时间长河中留下的深刻印记。 第一章：徽班进京与京剧的胚胎期（1790-1840） 本章聚焦于京剧艺术的源头活水。1790年，为庆祝乾隆皇帝八旬寿辰，以“四喜”、“三庆”等为代表的徽班艺人粉墨登场于北京的舞台，这被公认为京剧艺术的肇始之年。然而，此时的“京剧”远未成熟，它是一个融合了徽调、汉调乃至昆曲、秦腔等多种声腔元素的大熔炉。我们详细考证了徽班初入京城时所面临的文化适应与博弈，分析了徽调在与当地市民审美趣味接触后，如何开始进行自身的“本土化”改造。 重点分析了早期角色的程式化雏形，以及在民间剧场中，徽班如何通过增减剧目、调整唱腔的腔调以迎合北方观众的口味。这一阶段的艺术特点是粗犷有力，注重武戏和场面调度，色彩相对单一，但奠定了京剧“板式结构”的初步框架。我们通过梳理清代内务府档案以及当时的士大夫笔记，力求还原那个舞台上声腔初试啼声的鲜活场景。 第二章：四大徽班的融合与程长庚的奠基（1840-1870） 随着时间的推移，徽调与其他声腔的相互渗透日益加深，尤其是在与汉调的交融中，形成了奠定京剧基础的“老生腔”的雏形。本章的核心人物是程长庚。程氏被誉为京剧的开山祖师，他的贡献在于实现了“集大成”的艺术整合。 我们详细分析了程长庚如何系统地吸纳了昆曲的唱法、汉调的韵味，并将其融入徽调的基础之上，创造出一种更为典雅、更具叙事性和抒情性的“皮黄腔”。书中不仅探讨了他在《德胜门》、《中秋演义》等经典剧目中的创新实践，更重要的是，剖析了他是如何将戏班的管理模式、舞台调度进行标准化，为后来的京剧流派奠定了坚实的体系。这一时期的京剧开始摆脱纯粹的娱乐色彩，逐渐具备了文人雅士所推崇的审美价值。 第三章：京剧的黄金时代——“四大名旦”的崛起与流派纷呈（1880-1937） 十九世纪末至二十世纪初，京剧迎来了其历史上最辉煌的“黄金时代”。随着改良思潮的涌入，以及照相技术的出现，使得艺术家的形象和表演细节得以流传。本章将重点剖析“四大名旦”——梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生——对京剧艺术的划时代贡献。 梅派艺术的典雅、圆润与中和之美；程派艺术的低回婉转与悲剧色彩；尚派艺术的刚健婀娜与高亢明亮；荀派艺术的灵巧娇俏与生活气息，构成了京剧旦角艺术的四座丰碑。我们不仅仅是罗列他们的代表作，而是深入解析他们各自如何从程式中突破，如何通过对嗓音、身段、乃至服装、化妆的革新，构建出独具个性的艺术体系。 同时，本章也关注了“老生”（如杨小楼、余叔岩）和“小生”（如姜妙香）的流派发展，探讨了不同行当之间如何相互影响，共同将京剧的舞台表演推向了程式化与写意化相统一的巅峰。这一时期的京剧，是传统艺术与现代审美冲突、融合的集中体现。 第四章：战火与流散中的坚守与创新（1937-1950） 抗日战争和随后的内战时期，对京剧艺术的传承造成了巨大冲击。许多名家被迫南迁或隐退。本章探讨了在民族危亡之际，艺术家们如何“以戏救国”或在困境中坚守舞台。 在上海、重庆等地，京剧仍然保持着一定的活力，一些艺术家开始尝试将京剧与新兴的社会思潮相结合，创作了一些带有时代烙印的新编历史剧。例如，如何将现代的叙事结构融入传统的板式结构中，如何处理旧有的“忠孝节义”主题与新的民族精神的对接。 此外，我们还关注了“新京剧”的早期尝试，这些尝试预示着新中国成立后，京剧将面临的全面改革。这一时期的艺术特点是，虽然在技术上仍保持着传统的高度，但在主题思想和舞台呈现上，已然萌生了向现代化转型的需求。 第五章：新中国成立后的“革命”与现代化改造（1950-1980） 中华人民共和国成立后，京剧作为“国粹”被提升到了前所未有的地位，同时也面临着“为人民服务”的政治要求。本章详细梳理了建国后对京剧进行的系统性改革，特别是“新编历史剧”的创作高潮，如《沙家浜》、《智取威虎山》等。 我们着重分析了周信芳倡导的“麒派艺术”如何与新的现实主义表演风格相结合，以及如何对传统剧目进行“剔除糟粕、保留精华”的整理工作。这一时期的整理工作极大地规范了传统剧目的表演规范，使之更易于被不熟悉传统文化的观众群体接受。然而，我们也必须审视，在高度集中的艺术管理体制下，京剧的自发生长性是否受到了抑制，地方流派的个性化发展是否因此受到限制。 第六章：改革开放后的探索与国际视野（1980至今） 随着改革开放的深入，京剧艺术迎来了对历史的重新审视和对未来的大胆探索。本章探讨了在市场经济条件下，京剧如何应对电视、电影等新媒体的冲击。 我们分析了“京剧现代化”的几种主要路径：一是回归传统，强调对老腔老调和“绝版剧目”的抢救性挖掘与传承；二是在舞台美术、灯光、服装上引入现代技术，增强舞台的视觉冲击力；三是尝试跨界合作，例如与西方歌剧、音乐剧的元素进行融合，试图拓宽京剧的国际传播路径。 最终，本章总结了当代京剧所面临的困境——人才断层、观众老龄化——以及在国家大力扶持下，通过数字化记录、戏曲学院的培养体系改革，京剧艺术正在努力寻找新的生命力的过程。本书期望为读者提供一个全面而深入的框架，理解京剧这部活态的文化遗产是如何在历史的洪流中不断自我塑造、延续其不朽魅力的。

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这套碟片带给我的触动，更多的是一种文化上的“失落感”和“追忆”。在这个快速消费的时代，大家都在追求新鲜、刺激和快餐式的娱乐，但像《花田错》这种需要静下心来细品的艺术，似乎越来越少见了。它就像一个时间胶囊，把上个世纪中叶京剧艺术最鼎盛时期的某一个侧面给完完整整地封存了起来。我注意到，在某些段落里，灯光和布景都显得相当朴素，完全没有现在舞台上那些炫目的高科技辅助，这反而迫使演员必须依靠扎实的唱念做打来支撑全场。那种纯粹的、以功力取胜的表演方式，现在听起来反而更具震撼力。我把其中一些精彩的片段反复看了很多遍，尤其是那些需要展现复杂心理活动的场景，演员的“做戏”痕迹很淡，感觉就是角色本身在说话、在流泪、在呐喊。收藏这套VCD，与其说是看戏，不如说是在向那段辉煌的艺术岁月致敬。

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与其他流水线生产出来的戏曲录像相比，这套“菊坛经典”的价值在于它的稀有性和历史文献性。首先，它收录的可能是一些现在舞台上已经很少上演的，或者即便是上演了，演员的演绎方式也已经发生微妙变化的“老路子”。我记得其中有一段武戏的设计，动作的幅度、角度和节奏感，明显带着一股子老武生的刚猛劲儿，没有过多的现代杂技化处理，更注重武功的功架和美感。光是看演员如何处理那些大开大合的亮相，就足以让人叹为观止。而且，VCD的播放体验本身也很有仪式感，需要用老式的播放机，慢慢地等待光盘读取，这种等待的过程，其实也是心灵沉淀的过程，强迫你放下手机，把注意力集中到方寸的屏幕上。每一次播放，都像是一次私人博物馆的导览，带你近距离观察那些快要失传的舞台细节。

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说实话，我一开始对VCD格式有点抗拒，总觉得这都什么年代了，画质能好到哪里去？但当我真正坐下来看的时候，发现它最打动人的地方，根本就不在于画面的清晰度，而在于那份“活态传承”的生命力。你看那些身段设计，每一个亮相的定格，都带着一股子老派的架势，既有程式化的美感，又不失演员个人的理解和发挥。尤其是对一些关键唱段的处理，乐池里的乐队配合得天衣无缝，二胡的拉腔恰到好处地烘托着主角的心绪，鼓板的轻重缓急，更是将戏曲的精髓——“一板一眼”体现得淋漓尽致。我特别留意了其中几位老艺术家的对手戏，那种默契简直是神乎其技，一个眼神就能领会对方下一句的腔调和力度，没有长时间的舞台磨合，是绝对达不到这种境界的。对我这个业余票友来说，能近距离观摩到这种级别的演出，简直是太幸运了，它让我对“火候”这个概念有了更深层次的理解，不是靠嗓门大就能撑起场面的，全靠的是内功和对人物的洞察力。

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这套“花田错 菊坛经典 绝版……(VCD)”的碟片，我可是费了好大劲才淘到手的，当年刚出来的时候就听说它在戏曲界是个重量级的作品，尤其对于痴迷于京剧艺术的老戏迷来说，简直就是一座移动的宝库。拿到手的时候，那种怀旧感一下子就上来了，虽然画质比不上现在的蓝光高清，但那种老录音、老舞台的韵味，是新片怎么也模仿不来的。我最欣赏的是它对传统韵味的保留，每一个眼神、每一个水袖的起落，都凝聚着老一辈艺术家的心血和功力。特别是那几出重头戏的演出，演员的台步走得稳健有力，唱腔更是字正腔圆，高低起伏之间，情感表达得淋漓尽致，让人听了忍不住会跟着角儿的心绪起伏。我记得有一次，我特地关了灯，就着台灯的光芒，像看老电影一样慢慢品味，那种专注度，仿佛自己也置身于百年前的戏园子里，耳边听着咿咿呀呀的锣鼓点，那份沉浸式的体验，简直是现代娱乐无法比拟的享受。对于想了解经典京剧表演风格的年轻一代来说，这套碟片绝对是最好的“教科书”之一，它记录了一个时代的艺术风貌，珍贵得很。

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我必须说，即便是以今天的眼光来看待，这套VCD所呈现的“花田错”依然是教科书级别的范本。最让我感到震撼的是对情绪层次的处理，它不是一味地“煽情”，而是层层递进，从最初的隐忍到中段的爆发，再到尾声的释然或悲怆，每一步都走得非常精准，让你感到人物的命运是自然而然地推演出来的，而不是被编剧强行安排好的。那种精妙的唱腔处理，尤其是气口和换气的技巧，简直是声乐艺术的典范。有时候我甚至会尝试跟着哼唱几句，但很快就会发现，没有那种深厚的功底，光是模仿旋律是万万不行的，因为真正的艺术魅力在于内在的气韵和气息的流动，这是光靠听觉捕捉很难完全领悟的。这套碟片，与其说是娱乐产品，不如说是一件值得反复研磨的艺术品，它教会了我，真正的经典，是经得起时间考验的。

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