第二届当代中国山水画油画风景展作品集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广西美术

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页数:0

译者:

出版时间:2005-7-1

价格:26.00

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isbn号码:9787806746660

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• 山水画
• 油画
• 风景画
• 当代艺术
• 中国画
• 绘画作品集
• 艺术展览
• 艺术设计
• 文化艺术
• 艺术出版

翠嶂叠嶂：当代写意山水画的时代回响 （一）时代背景与艺术嬗变：笔墨在现代语境中的重塑 自二十世纪初“西风东渐”以来，中国传统绘画，尤其是作为“文人画”核心的写意山水画，便踏上了一条充满张力与探索的现代转型之路。它不再仅仅是士大夫精神的寄托或对自然哲思的隐秘表达，而是必须直面工业化、城市化进程带来的社会巨变，以及西方现代主义艺术思潮的猛烈冲击。 本书并非聚焦于某一特定展览的作品集，而是深入剖析了自上世纪八十年代改革开放初期至今，当代中国写意山水画领域所经历的、深刻而复杂的美学转向与文化重塑。我们关注的，是一群富有远见的艺术家如何将传统笔墨的精髓与现代人的精神困境、当代景观的视觉经验相结合，从而使“山水”这一母题获得了新的时代意义。 （二）笔墨的语言学转向：从“意境”到“在场” 传统山水画强调“可游、可居、可观”的理想空间，其核心在于营造一种超脱尘世的“意境”。然而，在当代语境下，许多杰出画家开始质疑这种超脱的有效性。他们开始将笔墨语言从古典的规范中解放出来，使其更具表现力和即时性。 1. 物质性的回归： 这一时期的山水画愈发强调水、墨、纸张本身的物理特性。墨色的浓淡干湿不再仅仅是描绘物象的手段，而成为了情感宣泄和观念表达的直接载体。我们看到，一些作品中，墨的“黑”被拉伸、被泼洒，其物质的重量感与覆盖力，仿佛是在重述现代文明对自然环境的挤压与侵蚀。这是一种对“物性”的回归，是笔墨作为一种独立艺术语言的觉醒。 2. 线条的自由化与结构重构： 古人讲究“骨法用笔”，线条承载着生命力和结构逻辑。但在新的探索中，许多画家借鉴了西方抽象表现主义和东方书法中的“飞白”技法，使线条变得更加自由、率性甚至带有破坏性。那些标志性的皴法，如披麻皴、斧劈皴，被解构、重组，不再是对特定山体的模仿，而成为了构建画面张力与节奏感的抽象符号。这种结构重构，体现了艺术家对传统范式的批判性继承。 （三）景观的当代性：被技术和记忆重塑的山川 当代山水画家的“观山”视角已然不同于古人“行万里路”的漫游体验。他们的“山水”，往往是混合了真实考察、摄影图像、媒体信息乃至集体记忆的复合景观。 1. 工业景观的纳入： 随着城市化进程的加速，高速公路、电力塔、桥梁、矿区等现代元素开始悄然或直接地进入山水构图中。艺术家们并未简单地排斥这些“不入画”的现代符号，而是试图探究它们与亘古不变的自然基底之间产生的张力与对话。山不再是纯粹的“青绿”，它可能被雾霾的灰色笼罩，被人工照明的冷光照射，这使得“山水”主题从“寄情山水”转向了对“人与环境关系”的深刻反思。 2. 记忆与神思的投射： 一些更偏向于“写意”的探索者，将“山水”视为一种内在的心灵地图。他们描绘的风景，可能是对逝去故乡的追忆，是对童年记忆中某一片云雾的捕捉，甚至是社会变迁带来的精神漂泊感的具象化。这种山水，不再是对客观实在的再现，而是主体意识对外部世界的投射与重构，更接近于一种“心象风景”。 （四）媒介的跨界与观念的深化 当代艺术的开放性也深刻影响了山水画的实践。许多成熟的山水画家开始尝试打破材料的界限，探索新的媒介带来的可能性。 1. 大型化与装置性： 部分作品尺寸的急剧扩大，使其不再是挂在墙上的观赏物，而成为了具有空间侵入感的“场域”。巨大的水墨画墙，模仿了传统巨制山水的崇高感，但在视觉冲击力上更贴近当代观众对“宏大叙事”的审美需求。同时，也有艺术家将水墨材料引入装置艺术，使山水从平面走向立体，增强了观众的身体参与感。 2. 色彩的哲学运用： 传统写意山水以墨为主，设色极为节制。而当代探索则大胆地引入了西方现代主义的色彩理论。强烈的对比色、非自然的色块填充，或是对传统赭石、花青的极端运用，使得色彩不再是单纯的描绘工具，而成为了传达情绪和哲学思辨的媒介。例如，用极度饱和的蓝或红来表现“气”或“势”，挑战着传统水墨的审美规范。 本书力图呈现的，正是在这一波澜壮阔的艺术浪潮中，中国山水画如何成功地完成了从“古典精神的维护者”到“当代文化景观的记录者与批判者”的角色转换。它展示了传统笔墨如何在新的时代语境下，被赋予了前所未有的活力与深刻的时代内涵。

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这本书的价值远超一本简单的展览图录，它更像是一份时代精神的切片报告。通过这些作品，我看到了不同地域、不同年龄段的画家们，如何在全球化的浪潮中，试图重新定义和表达“中国山水”的内核。有趣的是，尽管媒介是油画，但其中依然流淌着中国传统水墨的韵味，那种对气韵生动的追求，并没有被西方的具象写实完全覆盖，反而形成了一种耐人寻味的“中西合璧”。这种融合不是简单的堆砌，而是在深层结构上的对话与重塑。我尤其喜欢那些带有强烈个人情绪的作品，它们不再是客观的风景描绘，而是画家内心世界的投射，山川湖海成了情绪的载体。对于研究当代艺术思潮的爱好者来说，这本书提供了一个非常直接的文本，去观察和分析“本土性”在当代语境下的坚守与演变。

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坦白说，我最开始是抱着一种挑剔的心态来翻阅的，毕竟“山水”与“油画”的结合，常常容易落入窠臼，要么油画味太重而失了魂魄，要么为了迎合传统而显得拘谨。但这本书展现出的多样性和创造力，着实让我感到惊喜。它不是一个风格的展览，而是一个多元宇宙的入口。有些作品采用了近乎表现主义的笔触，大胆泼洒，充满了力量感；而另一些则回归到古典的层次感，细致入微，近乎于对自然规律的哲学思辨。这种跨度极大地丰富了读者的体验，确保了即便是对油画不甚了解的普通爱好者，也能找到一两幅能够“击中”自己的画面。这种包容性和探索精神，正是第二届当代艺术展应该具备的姿态，它提供了一个开放的平台，让传统主题焕发出新的生命力。

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阅读这本画集的过程，我体会到了一种奇特的时空错位感。那些笔触厚重的山峦，那些层层叠叠的墨与色的交织，仿佛能将我瞬间拉回到某个遥远的、充满灵气的山谷之中，暂时隔绝了都市的喧嚣与琐碎。这种“逃离”感，是任何纯粹的风景摄影或写实油画都难以给予的深度体验。这本书不仅仅是视觉的享受，更是一种精神上的“在场”。它提醒着我们，在快速变迁的现代社会里，对自然、对永恒主题的追问从未停止，只是换了一种更坚韧的材料——油彩——来承载这份古老的东方情怀。它让我产生了一种强烈的冲动，希望去实地探访那些画家们描绘过的地方，用自己的脚步去印证画中那份磅礴的生命力。这是一本值得收藏，并且会随着时间沉淀而愈发珍贵的艺术文献。

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这本书的排版设计简直是一场视觉盛宴，体现了出版方对艺术的尊重和对读者的用心。每一幅作品都被给予了足够的空间，四周留白得恰到好处，让画作本身得以“呼吸”，不至于被其他内容所干扰。这种克制而高级的美学处理，与画作本身那种磅礴的气势形成了奇妙的平衡。我注意到印刷质量极高，色彩还原度非常准确，特别是那些需要精细过渡的冷暖色调，过渡得自然平滑，几乎没有出现肉眼可见的色阶断层。这对于油画作品集来说至关重要，毕竟油彩的厚度和肌理感是其魅力的一部分，而高精度印刷在很大程度上捕捉住了这种三维的视觉效果。对于我这种喜欢将画册铺开，细细端详的读者来说，这种装帧和印刷质量带来的沉浸感是无价的。它不仅仅是作品的记录，更像是艺术家在画布上留下的痕迹的数字化转译，达到了一个相当高的水准。

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拿到这本书，首先映入眼帘的是那厚重的装帧，一种仪式感油然而生。我原以为这只是众多艺术画册中的一本，但翻开扉页后，才意识到自己低估了它的分量。那些色彩的碰撞、光影的流转，以及画家们笔触下对自然的独特理解，简直让人沉醉。特别是那些对山体结构和云雾变幻的描绘，细腻入微，仿佛能感受到空气中湿润的水汽和拂过脸颊的清风。虽然我不是科班出身，对油画技法的专业术语知之甚少，但那种扑面而来的艺术张力是无法掩饰的。我特别欣赏其中几幅作品对“虚实”的处理，近景的清晰与远景的朦胧形成了强烈的对比，引导着观者的目光在画面中游走探索。每一次翻页，都像是一次精神的洗礼，让我对“山水”二字有了全新的认识——它不再仅仅是地理概念，而是一种哲学思考和情感寄托的载物。这本画集无疑为当代中国山水画在油画媒介上的探索提供了一个极佳的样本库，值得反复摩挲品味。

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