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出版时间:1900-01-01

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isbn号码:9787799307657

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电影史上的光影与旋律：一部穿越时空的音乐之旅 导读： 电影艺术的魅力，一半源于视觉的震撼，另一半则深植于听觉的共鸣。音乐，作为电影的灵魂伴侣，不仅烘托情绪，更构建起叙事的骨架，成为角色情感最直接的表达。本书将带领读者潜入电影音乐的浩瀚星河，从早期默片的简单配乐，到后浪潮的电子合成，再到当代管弦乐的史诗回归，深入剖析那些塑造了我们集体记忆的经典旋律及其背后的故事。 --- 第一章：序曲：默片时代的声响实验与早期配乐哲学（1900s – 1927） 在有声电影出现之前，电影院里的光影交错并非寂静无声。本章将聚焦于默片时代，探索早期电影配乐的诞生与发展。 1.1 现场演奏的即兴艺术： 探讨“钢琴伴奏师”和“管风琴师”在影院中的核心地位。他们如何根据银幕上的情节进行即兴创作？分析早期乐谱库（如Erno Rapee的《Motion Picture Moods for Pianists and Organists》）的建立，这标志着电影配乐从纯粹的即兴向标准化、类型化的初步尝试。 1.2 场景情绪的符号学： 考察当时配乐对特定情景（如追逐、浪漫、悲剧）所采用的音乐母题。例如，在表现“邪恶”时，往往会使用不和谐音程或特定调性。我们将通过分析《党同伐异》（The Birth of a Nation, 1915）和卓别林（Chaplin）早期作品的配乐，来理解这种初步的情感语言是如何构建的。 1.3 跨界影响与早期配器法： 默片时期的配乐深受欧洲古典音乐传统的影响。本章还将涉及早期配乐师如何尝试将歌剧和交响乐的结构融入到电影叙事中，为日后的“大片配乐”奠定理论基础。 --- 第二章：有声时代的黎明与好莱坞的黄金配方（1927 – 1950s） 随着《爵士乐之王》（The Jazz Singer, 1927）的问世，电影工业迎来了彻底的革命。音乐不再是附属品，而是叙事的核心驱动力。 2.1 歌舞片的热潮与技术挑战： 探讨有声技术对电影制作的初期影响，尤其是对歌舞片（Musicals）的推动。分析伯斯汀（Irving Berlin）、格什温（George Gershwin）等音乐大师如何将百老汇的成熟体系移植到银幕上。 2.2 奠基者：马克斯·施特劳斯与“主题驱动”叙事： 重点分析作曲家马克斯·施特劳斯（Max Steiner）在《金刚》（King Kong, 1933）和《乱世佳人》（Gone with the Wind, 1939）中的贡献。施特劳斯确立了“列车式”配乐风格——几乎为每一秒画面都配上音乐，并首次系统性地运用“主导动机”（Leitmotif）来代表角色和概念。 2.3 埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德：管弦乐的史诗化： 深入研究科恩戈尔德（Erich Wolfgang Korngold）在《侠盗罗宾汉》（The Adventures of Robin Hood, 1938）中展现的磅礴管弦乐风格。他的配乐融合了浪漫主义晚期（如理查·施特劳斯）的宏大音响，为日后冒险、史诗题材的电影配乐设定了难以超越的标杆。 --- 第三章：现代主义的低语与新浪潮的自由探索（1950s – 1970s） 二战后，好莱坞和欧洲电影开始反思过度浪漫化的配乐传统，寻求更贴近人物内心和现实主义的听觉表达。 3.1 爵士乐的入侵：从城市到内心： 考察爵士乐在50年代电影配乐中的崛起。以亚历山大·诺斯基（Alex North）和尤其是埃尔默·伯恩斯坦（Elmer Bernstein）为代表，他们将布鲁斯、比波普和冷爵士的即兴、疏离感融入到对社会边缘人物的刻画中。重点分析伯恩斯坦为奥托·普雷明格的《黄金右臂》（The Man with the Golden Arm, 1955）创作的先锋性配乐。 3.2 伯纳德·赫尔曼：心理悬疑与非传统配器： 赫尔曼（Bernard Herrmann）是现代电影配乐的巨匠。本章将聚焦于他与希区柯克（Hitchcock）的合作。分析《惊魂记》（Psycho, 1960）中仅用弦乐团演奏的极简主义尖叫，以及《迷魂记》（Vertigo, 1958）中对复杂乐器编制的精妙运用，展示音乐如何直接成为角色精神状态的映射。 3.3 欧洲的实验：氛围与噪音的边界： 探讨欧洲电影（如法国新浪潮、意大利先锋派）如何挑战传统叙事音乐，使用环境音、电子音效和极简主义手法来表达疏离和反叛。 --- 第四章：从合成器到交响乐：约翰·威廉姆斯时代的复兴（1970s – 1990s） 70年代初的电影配乐一度陷入低谷，依赖流行歌曲和廉价的合成器音色。然而，一批新生代作曲家，在传统学院派训练的根基上，重新点燃了宏大交响乐的火焰。 4.1 斯皮尔伯格与威廉姆斯的“新古典主义”： 深入解析约翰·威廉姆斯（John Williams）如何通过《大白鲨》（Jaws, 1975）、《星球大战》（Star Wars, 1977）和《E.T. 外星人》（E.T. the Extra-Terrestrial, 1982）将瓦格纳、霍尔斯特和科恩戈尔德的浪漫主义传统重新带回主流。分析威廉姆斯对“主导动机”的精细化运用，以及他如何为现代科幻/奇幻电影构建了新的听觉神话体系。 4.2 电子乐的幽灵与类型片的融合： 在古典复兴的同时，电子合成器也找到了属于自己的领地。重点分析范吉利斯（Vangelis）为《银翼杀手》（Blade Runner, 1982）创作的忧郁、反乌托邦的合成器氛围，以及塔克·查彭（Tangerine Dream）在惊悚片中的贡献，探讨技术如何服务于未来主义的美学。 4.3 汉斯·季默的崛起与“节奏驱动”配乐： 考察汉斯·季默（Hans Zimmer）在80年代末开始形成的独特风格，他强调节奏、电子音色与管弦乐的融合，预示着21世纪动作片配乐的新方向。 --- 第五章：数字时代的混音室：流派的解构与重塑（2000s 至今） 进入新千年，随着数字音频工作站（DAW）的普及，配乐的制作流程、音色选择和音乐语言变得空前多样化。 5.1 季默学派的扩散与“史诗低音”： 详述汉斯·季默及其团队（Remote Control Productions）如何主导了超级英雄电影和动作大片的听觉景观。分析其标志性的“混合音景”——将延迟、失真、重低音与传统管弦乐混编，创造出极具冲击力的听觉体验。 5.2 独立电影与极简主义的回潮： 对比大片的轰鸣，探讨独立电影和艺术电影中音乐的“退场”艺术。分析如乔纳森·格雷泽的电影中，音乐如何被降级为环境音的一部分，或使用极端稀疏的乐句来增强心理压力。 5.3 互动叙事与声音设计的主导权： 探讨电子游戏配乐对电影配乐的反哺，尤其是在构建“持续性氛围”和“动态音乐系统”方面的创新。讨论当代配乐家如何模糊“音乐”与“声音设计”的界限，使听众难以分辨旋律的起止，从而实现更深层次的情感沉浸。 --- 结语：永恒的旋律与未来的回响 本书最后将总结电影音乐的核心功能——它是一种文化记忆的储存器，一种情感的加速器。回顾过去一个世纪，无论技术如何变革，真正伟大的电影音乐总能超越画面，成为独立于电影之外的艺术品。未来的电影配乐将如何在人工智能辅助创作、沉浸式音频技术（如杜比全景声）的推动下，继续演化，值得我们拭目以待。

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这部厚重的影音史诗，简直是为我这种骨灰级影迷量身定做的。我拿到手的时候，光是翻阅目录就已经感到心跳加速了。它没有过多地纠缠于技术细节或者那些陈腐的背景故事，而是像一位资深老友，带着你深入到那些光影交错的瞬间，去感受旋律如何塑造了我们的集体记忆。比如说，书中对某个特定年代好莱坞大片配乐的分析，那种对管弦乐编排层次的细致描摹，简直让我仿佛又回到了电影院里，跟着画面一起屏住呼吸。作者显然不是一个简单的资料搬运工，他/她对音乐的情感共鸣是如此强烈，以至于文字读起来都带着一种强烈的感染力，仿佛能听到那些熟悉的音符在脑海中回响。尤其让我惊喜的是，它似乎还收录了一些罕见的幕后轶事，那些关于作曲家如何在巨大压力下找到灵感的片段，读起来比正片还要精彩。这本书的排版和插图也很有品味，不愧是“典藏”级别，每一次翻阅都是一种视觉和精神上的享受，让人忍不住想要马上重温那些经典片段，去验证书中所述的每一个论断。

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我购买这本书的初衷是想找一些相对“冷门”的国际电影音乐资料，因为我实在对那些被翻烂了的经典曲目已经有些审美疲劳了。令我惊喜的是，它确实在很大程度上满足了我的这个期待。书中花了相当大的篇幅去探讨那些非英语系国家，尤其是亚洲和南美洲电影配乐的独特风貌。作者的资料搜集能力令人叹为观止，很多信息我从未在其他任何中文或英文的影音著作中读到过。它的叙事节奏非常像一部纪录片，在广阔的地域间跳跃，时而聚焦于某个民族乐器的运用，时而分析当地的文化背景如何影响了作曲家的创作取向。文字风格朴实而有力，没有过多的煽情，而是用铁一般的事实和精准的文化对比来支撑论点，读起来让人感到充实且专业。这本书拓宽了我对“电影音乐”这个概念的地理和文化边界，让我意识到它的丰富性和多样性远超想象，绝对是拓宽视野的必备良书。

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这本书给我的感觉非常奇特，它更像是一本装帧精美的“情绪指南”，而不是一本纯粹的影评工具书。我试着用它来寻找一些特定情绪的音乐触发点，比如“如何用音乐表达那种无望却又带有一丝微光的绝境感”，结果发现书中给出的案例分析精准得令人发指。它没有罗列大量的曲目清单，而是聚焦于“动机”（Motif）的构建和发展。作者似乎对潜意识层面的审美非常敏感，能够捕捉到声音是如何绕过理性思维，直接击中我们内心最柔软的部分。阅读体验是极其流畅的，文字像水银泻地一般，没有丝毫的拖沓或冗余。我甚至觉得，光是阅读这本书中对某些配乐场景的文字描述，就已经足够治愈了。它让我意识到，一部伟大的电影配乐，其成功绝非偶然，而是严谨的结构和非凡的直觉共同作用的结果。这本书让我在看待任何影视作品时，都多了一层对“声音设计”的敬意。

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这本书的装帧和纸张质量给我留下了极佳的第一印象，拿在手上沉甸甸的，很有收藏价值。从内容上看，它最吸引我的是关于“先锋派”和“实验性”电影配乐的探讨。很多书都避开这些难以被大众接受的领域，但这本书却大胆地深入挖掘了那些挑战传统听觉习惯的作品。作者似乎对二十世纪后半叶的音乐思潮有着深刻的理解，他/她能够清晰地梳理出那些看似混乱、噪音化的音乐元素背后所蕴含的哲学思考和时代焦虑。文字结构非常清晰，即便是对于那些复杂的十二音体系或随机音乐理论，作者也能用清晰的比喻进行阐释，极大地降低了理解门槛。我特别喜欢其中几篇对特定导演和作曲家“合作破裂”原因的分析，这些侧面描写为我们理解艺术创作中的人际关系提供了有趣的视角。它不仅仅是在评价音乐，更是在探讨艺术共谋与个体创造力的复杂博弈，非常值得反复研读，每次都有新的体会。

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说实话，我原本以为这又是一本“老生常谈”的电影音乐评论集，毕竟市面上类似的书籍已经不少了。然而，这本书的切入角度非常犀利和独特。它没有试图面面俱到地涵盖所有类型片，而是选择了几个极具代表性的电影类型进行深度剖析，这种“少而精”的做法反而显得更有力度。我特别欣赏其中关于欧洲艺术电影音乐如何挣脱好莱坞叙事传统的束缚那几章。作者的语言风格非常老练，夹杂着一些晦涩但精准的音乐学术语，读起来需要一定的专注度，但一旦理解了，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它不是那种让你轻松阅读的“快餐读物”，更像是一本需要搭配一杯浓缩咖啡，在安静的午后细细品味的学术散文。它迫使你去思考：音乐在叙事中究竟扮演的是辅助角色，还是拥有独立的主导权？对于那些自诩为“内行”的影迷来说，这本书提供了一个绝佳的反思平台，让你对那些习以为常的配乐产生全新的敬畏之心。

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