中国戏曲经典（第5卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东教育出版社

作者:谭志湘 编

出品人:

页数:590

译者:

出版时间:2005-2

价格:33.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532826568

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梨园撷英：中国戏曲的璀璨群星（第十二卷） 聚焦二十世纪中叶的创新与传承 本书是“梨园撷英：中国戏曲的璀璨群星”丛书的第十二卷，着重梳理和深入剖析了二十世纪五六十年代至七十年代初期，中国戏曲艺术在特定历史背景下所经历的深刻变革、重要的流派发展以及一批具有里程碑意义的剧目创作。本卷秉持严谨的学术态度和对舞台艺术发自内心的敬重，力求还原一个立体、鲜活的时代侧影，探究传统艺术如何在时代洪流中寻求新的生命力与表达方式。 第一部分：时代背景与艺术思潮的交汇 (约 300 字) 本部分首先构建了二十世纪中叶（约1949年至1976年间）中国社会的宏大背景，分析了新中国成立后，戏曲艺术在国家文化建设中的定位与肩负的使命。重点探讨了“百花齐放、推陈出新”方针指导下，戏曲界内部关于“如何继承”与“如何创新”的激烈讨论与实践探索。我们详细考察了从“学古”到“演新”过程中，剧作家、导演与表演艺术家们在题材选择、表现手法、舞台美学等方面所进行的重大调整。这不仅仅是艺术形式的更迭，更是思想观念与审美趣味在特定意识形态框架下的深刻重塑。本卷力图揭示，在看似统一的时代叙事下，不同剧种的艺术家们是如何在坚守核心艺术规律的同时，探索与时代精神相契合的表达语言。 第二部分：昆曲的沉寂与复兴的微光 (约 400 字) 昆曲，作为中国戏曲的活化石，在这一特定历史时期经历了极其复杂的命运。本卷用相当篇幅探讨了昆曲在这一时期的生存状态。我们不仅记录了因演出环境和剧目审查等因素导致的昆曲在全国范围内的演出频率大幅下降，部分曲谱和科班教育一度面临断层的危机。但同时，我们也将笔触投向了那些在幕后默默守护的“守艺人”。 本章细致梳理了在特定时期内，依然有人们通过口传心授的方式，竭力保护和传习《牡丹亭》、《长生殿》等经典剧目的片段或精髓。我们聚焦于少数几个保留着较强昆曲传统（如苏昆、沪昆等流派）的地区，分析了当时文艺工作者在“整理传统”的名义下，对昆曲经典文本进行的“规范化”处理，这些处理既有保护的意义，也带来了某些程度上的僵化。通过对当时的演出记录、私人日记和口述历史的交叉比对，本部分力求展现昆曲在这段“寂静期”中所蕴含的韧性与对未来重光所做的微小却关键的准备。 第三部分：地方戏曲的革新与“革命样板戏”的兴起 (约 550 字) 本部分是本卷的核心内容之一，集中论述了地方戏曲（如京剧、评剧、越剧、川剧等）在革新浪潮中的巨大变化，尤其是以京剧为代表的“革命样板戏”的诞生与影响。 一、传统剧目的“再创作”： 我们考察了在政治气候影响下，大量传统剧目如何被要求进行“三贴近”（贴近生活、贴近现实、贴近工农兵）的改造。这包括对旧有剧本的删改、对表演程式的简化或强化，以及在舞美、音乐配器上引入更具现代感的元素。我们选取了几个具有代表性的传统剧目在这一时期的改编版本进行案例分析，探讨了改编的得失，即在增强主题鲜明性的同时，对原作复杂的人性刻画和音乐韵味造成的影响。 二、样板戏的体制化构建： 重点分析了“革命样板戏”的形成过程，包括其在剧本创作、音乐设计、声腔板式创新、武打场面设计以及“声、唱、做、舞”高度统一的表演体系建构上的突破。我们详细对比了早期版本与最终定本的差异，分析了以现代京剧为蓝本，如何将西方戏剧结构与中国传统戏曲程式熔铸一炉，形成一种全新的、具有强大宣传力和感染力的舞台范式。本部分不回避对样板戏在艺术表达上的局限性进行批判性审视，但更侧重于分析其在戏曲舞台技术和整体包装上的革命性贡献，这些贡献对后续的戏曲发展产生了深远的影响。 第四部分：剧种间的渗透与跨界融合 (约 250 字) 在这一时期，戏曲界内部的交流与相互借鉴达到了一个前所未有的高峰。本章关注不同剧种之间的艺术“借用”现象。例如，越剧如何在吸收了京剧板腔结构和武戏元素后，进一步强化了其叙事性；川剧的“变脸”等绝活如何在新的舞台语境下被重新运用；以及评剧等北方声腔剧种在音乐上如何吸收地方民歌与西洋和声的初级概念。这种交流促进了传统戏曲的“工艺”水平的整体提升，也标志着艺术家们不再固守单一剧种的藩篱，开始从更广阔的中国舞台艺术语汇中汲取营养。 总结： 《梨园撷英：中国戏曲的璀璨群星（第十二卷）》不仅是一部艺术史的记录，更是一份关于韧性、适应与创造力的田野考察报告。它为研究者提供了一个理解中国戏曲在剧烈社会转型期如何自我定位、自我革新，并最终为今天的“抢救性保护”和“创造性转化”奠定了历史基础的珍贵参考资料。本书的价值在于，它在梳理宏大历史叙事的同时，始终将目光聚焦于舞台上的每一个身段、每一声唱腔中所蕴含的复杂性与艺术家的真实心路。

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说实在话，我对戏曲研究类书籍通常抱有一种敬而远之的态度，总觉得那些大部头里充满了晦涩的术语和故纸堆里的考据，读起来费神又枯燥。然而，这本第五卷，居然让我有了一种“沉浸式阅读”的体验。它最绝妙之处在于，它不只关注“唱什么”，更侧重于“怎么活过来”。书里有一章专门探讨了不同地域的“堂会戏”文化对经典剧目表演风格的潜移默化影响。这太有意思了！它把戏曲从高高在上的艺术殿堂里拽了下来，放在了民间生活的烟火气里去审视。我记得其中提到了一出徽剧的片段，原以为是标准的悲剧处理，但作者通过对当时演出环境、观众反应的侧面烘托，揭示出那种看似哀婉的唱腔下，其实隐藏着老百姓对世事无常的一种豁达和自嘲。文字风格极其活泼，夹杂着不少带着戏班子特有俚语的描述，读起来一点也不觉累。仿佛是听一位经验老到的“老把式”在茶馆里，一边抖着扇子，一边给你掰扯他们当年闯江湖的那些门道。它让我意识到，戏曲的生命力，从来不是在博物馆里，而是在于它每一次被激活、被重新诠释的当下瞬间。

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这本书的叙事结构极其巧妙，它没有采用按朝代或剧种划分的传统编排方式，而是围绕着几个核心的“舞台意象”来展开，比如“月台上的等待”、“水战中的翻打”、“夫妻对唱中的误解”等等，以此串联起不同剧种的经典段落。这种主题式的组织，使得读者在阅读时能够进行跨剧种的横向比较，极大地拓宽了视野。比如，探讨“诀别”主题时，它能自然而然地将京剧的“哭板”和越剧的“哭腔”放在一起比较，分析它们在旋律处理、情感宣泄上的文化根源差异。我感受最深的是它对“虚实结合”美学的阐释。在描述一场戏的调度时，作者用了一种非常诗意的笔法，将舞台上可见的道具（如马鞭、旗帜）与演员内心构建的宏大场景（如千军万马、江河湖海）进行对照。这种描述，与其说是介绍戏曲，不如说是在引导读者进入一种特定的、高度依赖想象力的审美状态。它逼迫你放下现代娱乐的即时满足感，去重新学习如何“用心灵去看戏”。对于那些习惯了强视觉刺激的年轻观众来说，这本书或许会是打开传统审美的“钥匙”。

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这部《中国戏曲经典》系列，尤其是第五卷，我真的要好好说道说道。首先，从装帧设计上就透着一股子老派的雅致，拿到手里沉甸甸的，那种油墨的清香混合着纸张的微涩，一下子就能把你拉回到那个锣鼓铿锵、水袖翻飞的年代。我特意翻阅了其中的一些剧目介绍和舞台影像资料的文字描述，不得不说，选取的角度非常刁钻，避开了许多耳熟能详的“大路货”，而是深入到了一些地方戏曲中那些几近失传的“活化石”段落。比如，对某一个昆曲小令中旦角身段的细致拆解，那种慢动作般的文字描绘，简直比看视频还来得震撼。作者对传统戏曲的“程式化”美学有着深刻的理解，他没有简单地罗列剧情，而是着重分析了“扮相”、“念白”、“做功”这三者在特定剧目中如何达到一种至高的和谐境界。这已经不是简单的资料汇编了，更像是一篇篇充满热情的学术田野调查报告，让人由衷地赞叹，原来我们脚下的舞台艺术，蕴藏着如此深邃的文化密码。读完后，我再去听那些老唱片，耳朵里仿佛都多了几层听觉滤镜，能听出那些看似平淡的拖腔里头藏着的历史重量和演员一生的磨砺。这书，绝对是戏迷进阶的必备良器，而不是给初学者囫囵吞枣用的入门读物。

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这本书的价值，对于一个长期关注戏曲影像资料的人来说，简直是雪中送炭。我们现在看老电影、老录像，总有那么些关键的眼神、微妙的手势，因为年代久远或者技术限制，看得一知半解。而这第五卷，就像一个高倍显微镜，把那些转瞬即逝的“神韵”给捕捉了下来，并用文字进行了解剖。我特别喜欢它对“眼神功”的论述，它不像教科书那样枯燥地定义，而是列举了多个不同流派的代表演员在扮演同一角色时，眼神处理上的细微差异。比如，当表现“思念”这一主题时，有的是“望穿秋水，心系故园”，有的是“低眉顺目，内敛克制”。这种对比分析，极大地丰富了我对“表演层次”的理解。更难能可贵的是，作者在分析这些表演细节时，引用的参考文献极其丰富，从早期的民间笔记到近代的剧评，构建了一个坚实的学术支撑，但呈现方式却丝毫不生硬。它成功地架起了学院派研究与民间艺术实践之间的桥梁，让那些高深的理论变得可触摸、可感知。读完后，我立刻找了几个老录像重温，果然，原本模糊不清的情绪，一下子就清晰起来了。

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我必须得说，这本书的选材眼光非常独到，它避免了对那些已经被过度解读的“镇箱宝”剧目的重复论述，反而把笔墨集中在那些在历史长河中相对低调，但艺术价值极高的作品上。这第五卷，更像是一部“民间宝藏挖掘录”。它花了大量篇幅去介绍一些地方声腔，比如川剧的“变脸”技术背后的戏曲哲学，以及闽剧在特定唱腔中对地方方言韵味的极致运用。这些内容在主流的戏曲读物中是很难深入看到的。更重要的是，作者在记录这些地方性艺术时，表现出了一种近乎虔诚的尊重，没有用一种“宏大叙事”的视角去评判它们的高低，而是纯粹地记录和赞美其独特的美感。文字的魅力在于，它在描绘这些地方剧种时，仿佛能让你闻到当地特有的湿热空气，听到那种带着泥土芬芳的腔调。它不仅是对“经典”的梳理，更像是一份抢救性的文化田野记录，提醒着我们，中国戏曲的丰沛生命力，恰恰隐藏在那些不起眼的角落里。读完后，我立刻着手去寻找那些提到剧目的原版录音，那种带着历史回响的感动，是单纯阅读文字无法完全替代的，而这本书正是点燃了这种探索欲。

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剧本词典

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