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isbn号码:9787884131570

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《古韵新声：中国戏曲流派发展史》 内容简介 本书深入剖析了中国戏曲自萌芽至鼎盛时期各个主要流派的形成、演变及其艺术成就。它不仅是一部戏曲史的梳理，更是一部中华美学精神在舞台上不断迭代与升华的生动记录。全书以时间为轴线，以地域和剧种为经纬，力求呈现一幅宏大而细腻的中国戏曲全景图。 第一部分：戏曲的源起与雏形（宋元时期） 本部分追溯了中国戏曲最早的形态，从唐代的参军戏、宋代的杂剧和南戏的出现讲起。重点阐述了宋代“瓦舍勾栏”这一市民娱乐中心的兴起，如何为后世戏曲的成熟提供了土壤。我们详细分析了南戏在艺术表现上的初步成熟，其口语化、生活化的特点，以及早期戏班的组织形式和演出生态。探讨了元代“杂剧”作为第一个成熟剧种的标志性意义，分析了关汉卿、王实甫等大家在剧本创作上对人物塑造和矛盾冲突构建的贡献。特别对“四折一楔子”的结构进行了细致的文本分析，力求还原元曲在舞台上的强大生命力。 第二部分：南戏的拓展与昆曲的诞生（明清前期） 随着经济重心的南移，南戏的影响力日益扩大，并逐渐分化出不同的地域风格。本书将大量笔墨聚焦于昆山的汤显祖及其“临川四梦”，探讨了昆曲如何吸收了南戏的精髓，并通过对音乐、唱腔和舞蹈动作的精致化处理，达到了“集大成”的艺术高度。 详细介绍了昆曲“水磨腔”的音乐特点，即其细腻婉转、节奏舒缓的艺术追求，以及对表演者“唱、念、做、打”四功的极高要求。通过对《牡丹亭》、《紫钗记》等经典剧目的深度解读，阐释了昆曲所体现的明代文人士大夫阶层对生命、爱情与理想的哲学思考。同时，也客观分析了昆曲在走向精致化过程中，逐渐脱离市井大众，为后来的剧种竞争埋下的伏笔。 第三部分：地方戏的崛起与竞争（清代中后期） 清代是中国戏曲流派纷呈、群雄逐鹿的黄金时代。本书核心内容集中于“花部乱弹”的勃兴及其对“雅部”昆曲的冲击。 徽班进京与京剧的形成： 详细梳理了“四喜”、“和春”、“德和”、“中和”四大徽班进京的历史脉络，以及徽剧如何与汉调、昆腔、秦腔等多种声腔进行融合，最终在北京的文化土壤上孕育出京剧这一影响力最大的剧种。重点剖析了京剧“京味儿”的形成过程，即如何将文武场的乐队配置规范化，如何确立了以“板式”为核心的唱腔体系。 地方戏的争鸣： 除了京剧，本书还对当时其他重要的区域性剧种进行了详细的个案研究： 秦腔的粗犷与写意： 分析了秦腔作为西北代表剧种的粗犷美学，以及其在舞台上“以气势取胜”的表演特点，特别是对“马派”表演艺术的早期影响。 川剧的绝活与变脸： 探讨了川剧在市井文化中发展出的高度程式化的技巧，如“吐火”、“变脸”、“滚灯”等，展示了戏曲表演中世俗娱乐性与高难度技艺的结合。 粤剧的南腔北调： 考察了粤剧在岭南地区的独特发展，如何吸收了当地的民间音乐和语言韵味，形成了其独特的唱腔风格。 第四部分：清末民初的艺术革新与流派纷呈 进入十九世纪末二十世纪初，随着社会变革的加剧，各剧种内部的艺术探索进入了“流派化”的精耕细作阶段。 京剧流派的成熟： 重点分析了“程派”、“荀派”、“尚派”等重要流派的形成： 程砚秋（程派）： 探讨其唱腔中深沉、委婉的“抑扬顿挫”，如何以强烈的悲剧美学来表达对社会的不满与抗争。 荀慧生（荀派）： 分析其以水袖、身段为核心的“花旦”艺术，如何将女性的柔美与泼辣气质融合，创造出具有清新气息的舞台形象。 尚小云（尚派）： 侧重于其“以高腔见长”的特点，刚劲挺拔的台风如何适应时代对女性角色的新要求。 地方戏的再发展： 考察了豫剧、越剧等后来居上剧种的早期发展轨迹，它们如何在大众传媒尚未完全普及的年代，通过口口相传和民间艺人的奔走，完成了艺术规范的初步建立。 第五部分：理论总结与美学概括 全书最后一部分对中国戏曲的共同美学特征进行了理论性总结。包括：程式化的表演体系、虚拟空间的运用、“虚拟性”与“写实性”的辩证关系、以及“情景交融”的舞台意境追求。本书致力于揭示这些流派在各自的艺术道路上，如何共同维护和发展了中华民族独特的美学表达体系，并为后世的舞台艺术留下了宝贵的遗产。 本书适合戏曲爱好者、舞台艺术研究者以及对中国传统文化感兴趣的广大读者。它避免了枯燥的年代罗列，力求以鲜活的剧目案例和生动的流派人物事迹，带领读者走进中国戏曲跌宕起伏的艺术殿堂。

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坦白讲，我是在一个连贯的周末下午一口气读完这本书的。我通常对这种文化类书籍的阅读速度很慢，需要查阅大量的背景资料。但这本书的叙事节奏感极强，那种仿佛舞台幕布不断拉开、又合上的韵律感贯穿始终。它不是那种按部就班的历史梳理，而是充满了故事性和戏剧张力。作者擅长使用大量的“场景重现”手法，比如他对某个著名艺术家在特定历史时期，于特定剧场后台与对手或知音的对话描写，细节丰富到让人怀疑作者是不是在场亲历。那种对人物性格细微之处的刻画，比如对某个“角儿”在表演间隙如何抽烟、如何与搭档眼神交流的描摹，远胜过很多严肃传记。对我这个不太熟悉京剧历史脉络的普通读者来说，这本书的优点在于，它将那些高深莫测的艺术技巧，通过极为生活化、甚至略带八卦的笔触展现出来，让你感觉京剧名家们不是高高在上的神祇，而是有血有肉、有爱恨情仇的鲜活个体。这种“去神化”的过程，反而让我对京剧产生了更亲近、更强烈的好奇心。读到后半段，甚至有些意犹未尽，仿佛看完了一部极其精彩的长篇小说。

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如果说有什么可以稍微挑剔的地方，那就是书中对某些现代京剧团体的批评，显得略微严苛了一些。但话又说回来，一个真正热爱传统艺术的人，对“亵渎”的容忍度自然会更低。这本书的后记部分写得特别真诚，作者坦言自己写作此书的初衷，并非是为了给京剧“唱赞歌”，而是为了记录下那些在时代洪流中挣扎、坚守，甚至被误解的艺术家们真实的状态。这种带着复杂情感的叙事，使得全书的基调显得非常厚重且有温度。它不回避矛盾，不粉饰太平，对于京剧在市场化进程中出现的一些“媚俗”现象，作者的笔锋是毫不留情的。这种直言不讳，反倒增加了书籍的可信度和力量感。读完后，我对自己过去对传统艺术的许多刻板印象都被彻底打破了。这本书不是提供了一个简单的答案，而是在提出一个更宏大、更急迫的问题：在技术爆炸的时代，我们该如何珍视和传承那些需要时间、需要心力才能领会的“慢艺术”？这本书，绝对是近年来我读到的，关于某一特定艺术门类最深入、最富激情，也最具思考深度的作品之一。强烈推荐给所有对中国文化遗产抱有好奇心的人。

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这本书，说实话，我拿到手的时候，心里是有点打鼓的。封面设计得挺现代，那种简约中透着一股子力量感，但“京剧”这两个字，总让人联想到老气横秋的舞台和咿呀学语的唱腔。我本以为这会是一本晦涩难懂的学术著作，罗列着各个流派的程式和历史沿革，翻了几页后才发现，我完全想错了。作者的笔触极其灵动，他没有把自己放在一个高高在上的研究者位置上，反而是像一个资深戏迷，带着我们钻进了京剧那光怪陆离的后台和台前。尤其是对旦角“亮相”那一瞬间的心理捕捉，简直神了，那种眼神的定格、气息的凝聚，被描绘得如同慢镜头回放，让你仿佛能闻到舞台上那股特有的泔水味和浓重的油彩味。他花了大量的篇幅去解析“武打”的设计哲学，不是简单的招式罗列，而是将其视为一种高度提炼的肢体语言，如何用一个翻身、一个踢腿来表达角色的内心挣扎和命运的突变。阅读过程中，我时不时会停下来，闭上眼睛，脑海里自动浮现出程砚秋的婉转、梅兰芳的雍容，那种跨越时代的审美冲击力，这本书成功地将现代读者的视角与传统艺术的精髓进行了无缝对接，读完后，我感觉对京剧的理解，不再是停留在听戏的层面，而是进入了“理解其骨架”的阶段。那种细腻入微的观察和充满热情的阐述，实在令人佩服得五体投地。

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这本书的排版和装帧设计也很有意思，内页偶尔出现的几张老照片，处理得非常考究，那种泛黄的色调和模糊的边缘，恰到好处地营造了一种怀旧的氛围，但又没有让整体的阅读体验变得沉重。内容上，我最欣赏作者对于“跨界影响”的论述。他花了相当大的篇幅探讨了京剧的元素是如何潜移默化地渗入到当代电影美术、甚至平面设计中的。这突破了传统戏曲评论只关注“戏本身”的局限。比如，他将某位现代舞者的肢体控制，与传统武生的“猴戏”身段进行对比，分析了两者在“爆发力”与“控制力”之间的微妙平衡点。这种跨学科的对话，让这本书的受众群瞬间扩大了。我以前看相关书籍，总觉得是给行家准备的，但这本书的视野非常开阔，它能让一个电影发烧友、一个设计爱好者，甚至是一个纯粹的文学读者，都能从中找到共鸣点。它巧妙地搭建了一座桥梁，让原本看似遥远的传统艺术，以一种现代人能够理解和欣赏的方式，重新进入我们的视野。阅读过程是充满启发的，它让你意识到，优秀的艺术形式，其内核是相通的，区别只在于外在的“包装”和“载体”。

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我向来是个挑剔的读者，尤其对那些试图“翻新”传统的作品抱持警惕，总觉得很容易流于表面化的哗众取宠。《现代京剧 OK》这本书，却以一种近乎挑衅的姿态，直面了京剧在当代语境下的生存困境与创新可能。它不像是一本教科书，更像是一场酣畅淋漓的辩论会。作者似乎对每一位被提及的京剧名家都抱有一种敬畏，但这种敬畏并未成为束缚他批判性思维的枷锁。我尤其欣赏其中关于“声腔现代化”那几章的探讨，他没有简单地肯定或否定那些引入美声唱法、借鉴摇滚乐节奏的尝试，而是深入分析了这种“杂糅”背后的文化动因和市场压力。书中引用的不少案例，比如某部新编历史剧在服装灯光上如何颠覆了传统审美，但其核心的叙事结构却又顽固地坚守着古典的章法，这种矛盾性被作者剖析得淋漓尽致。阅读体验是极其刺激的，它迫使你不断审视自己对“传统美学”的预设。我发现自己多次被书中那些犀利的句子噎住，不得不停下来思考，作者提出的那个“如何在一个高速运转的数字化时代，保持一门慢节奏艺术的尊严”的问题，至今无解，却被他提到了一个极高的理论高度。这本书绝不是读完就扔的书，它像一个思想的引爆点，让你对周遭的一切艺术现象都有了更深一层的探究欲。

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