女子十二乐坊2005丝绸之旅音乐C pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版时间:1900-01-01

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isbn号码:9787799617671

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• 女子十二乐坊
• 丝绸之路
• 中国风
• 古典音乐
• 器乐
• 2005
• 音乐专辑
• 新世纪音乐
• 世界音乐
• 民族音乐

《盛唐气象：敦煌壁画中的音乐图景》 内容提要： 本书是一部深度剖析唐代敦煌石窟壁画中音乐元素的学术专著。它超越了传统对壁画艺术的单纯审美解读，将目光聚焦于壁画中所描绘的乐器、乐舞场景、乐工形象及其背后的社会、宗教、文化意涵。全书以严谨的考据和细致的图像分析为基础，旨在重建一个鲜活、立体的盛唐丝路音乐生态图景。 本书共分为六章，系统梳理了从初唐到晚唐，敦煌壁画中音乐主题的演变轨迹，并结合出土文献与同期乐律学资料，对壁画中的复杂音乐现象进行了多维度的解读。 第一章：丝路东端的和声——敦煌音乐的地理与宗教背景 本章首先探讨了敦煌作为丝绸之路咽喉之地，在音乐文化交流中的枢纽地位。敦煌地处中原、西域、天竺文化的交汇点，其宗教（佛教为主）的传播天然携带了大量的音乐元素。我们将分析佛教赞颂、变文、梵呗等宗教仪式音乐如何通过壁画形式被固定下来。重点考察了早期壁画中“供养乐舞”与“经变故事”中对丝路各国音乐的描摹，辨析了犍陀罗、龟兹、疏勒等地音乐风格对中原音乐体系的渗透与影响。本章还对敦煌出土的文书，如《敦煌曲谱》等非壁画资料进行了交叉印证，勾勒出壁画所反映的音乐现实的广阔背景。 第二章：壁画中的乐器谱系考辨 本章是本书的核心考证部分，详细梳理和辨识了敦煌壁画中出现的几乎所有乐器，并尝试将其与现存实物或文献记载进行精确对应。 弦乐器的演变： 重点分析了琵琶（横抱与竖抱的差异）、箜篌（卧式与立式的更迭）、筝、古筝以及可能存在的更早期的“曲项琵琶”等。通过对比不同时期的乐器形制，揭示了唐代乐器本土化与创新的过程。例如，对“抱杆琵琶”与“梨形琵琶”的形制差异及其在不同乐舞场景中的应用进行了详细的图谱对比分析。 管乐器的气韵： 考察了筚篥、筚篥（或称觱篥）、箫、篪、排箫等。特别关注了壁画中对乐器口型和手指按孔的细节描绘，用以推测其发声方式和音域范围。对唐代盛行的“苏莫遮”等曲牌可能使用的管乐配置进行了复原性探讨。 击乐器的节奏骨架： 辨识了方响、羯鼓、鼓板、钹等打击乐器，分析它们在烘托气氛、确立节拍中的作用。对羯鼓在唐玄宗时期重要性的壁画表现形式进行了专门论述。 第三章：乐舞场景的类型学分析与时空定位 本章将壁画中的乐舞场景进行分类，并结合其所描绘的宗教故事或世俗生活场景，探讨音乐在不同语境下的功能。 供养乐舞： 分析了大量佛前供养乐舞的描绘，探讨其仪轨性和程式化特点，以及这些程式如何服务于“功德圆满”的宗教目的。 经变故事乐舞： 聚焦于《维摩诘所说经变》、《法华经变》等大型壁画中的乐舞场面，研究叙事性音乐如何推动故事情节。例如，对“散花伎乐”中乐工的着装、阵型与乐器组合的细致解读。 世俗宴乐与宫廷气象： 尽管敦煌宗教主题占主导，但仍有少量世俗宴饮场景的描绘。本章探讨了这些场景中乐舞的世俗化趋势，以及它们与长安、洛阳宫廷乐舞的可能联系。重点研究了“力士伎乐图”等罕见题材，推测其所反映的唐代“胡旋舞”等流行乐舞的影子。 第四章：乐工群像与社会身份探微 壁画中的乐工并非面目模糊的背景人物，他们是特定历史时期音乐家的缩影。本章着重分析乐工的形象特征，探讨其社会地位。 性别与职业： 分析了壁画中女性乐工（伎乐天、舞女）和男性乐工（乐师、乐工）的比例与分布。探讨了唐代“乐部”制度下，乐工的身份是乐户、奴婢，还是享有一定声望的乐师。 胡汉服饰的融合： 通过对乐工服饰的细致描绘，观察西域服饰（如窄袖、靴子）与中原服饰在乐工群体中的融合程度，以此反证丝路音乐交流的深度。 “乐部”的组织结构： 尝试根据壁画中乐手排列的疏密、使用的乐器组合，推测其背后可能遵循的唐代燕乐或清乐的组织结构。 第五章：乐律与图像的互证：唐代音乐理论的视觉呈现 本章尝试从音乐理论的角度，解读图像信息。 “合乐”的视觉表达： 分析壁画中不同乐器组群之间的布局关系，探讨其是否暗示了不同“部”（如雅乐、燕乐、胡部）的划分，以及不同“调”的配器原则。 舞谱的痕迹： 探讨部分描绘舞蹈动作的壁画，是否隐含了当时的舞谱或舞姿口诀的视觉化记录，尤其是在描述如“踏歌”等民间或仪式性舞蹈时。 第六章：唐音的遗响——壁画音乐对后世的影响 本章将目光投向敦煌壁画音乐图景对后世中原音乐文化的影响，探讨其在宋、元、明清音乐史研究中的参照价值，论证敦煌壁画作为“凝固的音乐史料”的不可替代性。 本书力求以详实的图像资料为基础，构建一个有血有肉、充满时代气息的盛唐丝路音乐世界，为中外音乐史、美术史、敦煌学研究者提供坚实的图像参考和深入的理论探讨。全书配有大量高清壁画局部高清图例，并附有乐器形制演变对比图表，确保学术严谨性与视觉可读性的统一。

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这本书简直是音乐的饕餮盛宴！从翻开第一页开始，我就被那种恢弘的气势和细腻的情感深深吸引住了。它不仅仅记录了一些乐章的演奏，更像是一部流动的历史画卷，将丝绸之路上那些古老的文明和神秘的传说娓娓道来。作者在描述乐曲时，那种文字的色彩感和画面感极强，仿佛能闻到异域香料的气息，看到驼队在夕阳下拉长的影子。特别是对于那些传统乐器的音色描摹，简直达到了出神入化的地步，我甚至能“听”到古筝的清脆、琵琶的激昂，以及二胡那悠远绵长的叹息。这本书的结构编排也十分巧妙，它不像一般的乐评那样枯燥，而是巧妙地将音乐赏析、文化溯源和演奏家的心路历程融合在一起，读起来一点都不费力，反而越陷越深。我特别欣赏其中对于音乐创新与传承之间辩证关系的探讨，那些观点独到且深刻，让我对“女子十二乐坊”这个名字有了更深层次的理解，她们不仅仅是演奏家，更是东西方文化交流的使者。这本书的装帧设计也体现了其高水准，每一页的留白和插图都恰到好处，让人在阅读之余也能得到视觉上的享受。

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如果要用一个词来形容这本书带给我的感受，那就是“冲击”。它用一种近乎先锋派的视角，解构了我们对传统民族音乐的固有认知。这本书的论述角度非常新颖，它侧重于分析“女子十二乐坊”如何在全球化的浪潮中，为古老的中国乐器找到了一条新的生存之道，一种既能保持其民族身份，又能与西方流行音乐体系对话的可能性。书中对于不同文化背景下的音乐接受度差异的分析，尤其深刻，它探讨了声音的“普适性”与“独特性”之间的张力。这本书的文字风格非常现代，用词精准有力，逻辑性极强，读起来就像是在看一篇高水平的文化研究论文，但其内容和案例的鲜活性，又确保了它不会显得过于学术化。它成功地架起了一座桥梁，连接了古典的深沉和现代的活力，对于所有关注文化产业发展和音乐创新的人来说，这本书都是一本不可多得的参考资料。

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坦白说，我对这种带有浓厚商业包装色彩的音乐团体总是抱持一丝警惕，总觉得少了那么点“野性”和“纯粹”。但这本书彻底扭转了我的看法。它以一种近乎田野调查的严谨态度，揭示了“女子十二乐坊”背后所付出的专业努力和对音乐本体的尊重。最让我震撼的是，书中对音乐制作过程的细节描述，那种对声音处理的精益求精，对录音棚环境的苛刻要求，都展现了世界一流制作的水准。它不是简单地把古典乐器搬到现代舞台上，而是进行了一次彻底的“音乐结构重塑”。书中穿插的一些乐谱片段分析，虽然我看不懂所有的标记，但通过作者的讲解，我大致能领会到节奏和和声是如何被大胆地调整，以适应更广阔的国际听众。这本书的文字风格是极其冷静和客观的，它用事实说话，而不是空泛的赞美，这种专业的态度让我对这本书的权威性深信不疑。

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这本书的阅读体验是极其独特的，它更像是一本“旅行日记”而非“音乐评论集”。作者似乎带着我们穿越了无数时空隧道，从敦煌的壁画到巴蜀的歌谣，每一个音符的背后都有一个地理坐标和一段历史秘闻。我特别喜欢书中那种充满诗意的比喻，比如形容某个旋律像“月光下流淌的玉带”，或者某段合奏是“群星在寂静夜空中闪烁”。这种浪漫的表达方式，让即便是对传统音乐不太了解的读者，也能迅速建立起情感连接。而且，这本书的排版设计非常注重阅读节奏感，长短句交错，段落疏密有致，读起来有种抑扬顿挫的韵律感，仿佛在听一场精心编排的交响乐，让人在不知不觉中就被带入了那个充满异域风情的音乐世界。它成功地将一种相对严肃的文化产品，用最平易近人也最富有感染力的方式呈现了出来。

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拿到这本书时，我原本只是抱着随便翻阅的心态，毕竟我对纯音乐理论涉猎不深。然而，这本书的叙事方式完全颠覆了我的预期。它没有使用晦涩难懂的术语，而是用一种非常接地气，甚至带点江湖气息的笔调，将那些复杂的音乐结构和文化背景进行了“翻译”。读起来就像是听一位经验丰富的老乐师在茶馆里，一边慢悠悠地品茶，一边跟你分享他闯荡江湖的见闻。书里对几位核心乐手个人经历的侧写，尤其引人入胜，那些为了一个音准反复练习到深夜的场景，那些跨越文化隔阂寻求灵感的瞬间，都让人感受到艺术背后的巨大付出和执着。我印象最深的是其中关于“融合”的章节，作者没有简单地赞美，而是冷静地分析了在现代化改编过程中，如何保留民族音乐的“魂”而不流于表面的“形”，这种深度思考，使得这本书的价值远远超出了普通音乐鉴赏指南的范畴。它更像是一本关于坚持、关于美学选择的“心灵指南”。

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