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出版者:Beijing Publishing House

作者:本社

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-12

价格:1280.0

装帧:Hardcover

isbn号码:9787200029086

丛书系列:

图书标签:

• 京剧
• 梅兰芳
• 戏曲
• 艺术
• 文化
• 历史
• 人物传记
• 表演艺术
• 中国传统文化
• 大师

《梨园旧梦：京剧名伶的流金岁月》 一、引子：光影交错间的梨园风华 本书并非聚焦于任何一位特定的京剧表演艺术家，而是以一个宏大而细腻的视角，重构了二十世纪上半叶，乃至更早，中国京剧艺术从兴盛到变革的广阔历史画卷。它是一部关于“群体记忆”的史诗，描绘了梨园行内无数艺人如何以一腔热血和毕生技艺，将“国粹”推向艺术巅峰的历程。全书以时间为轴，串联起不同地域、不同流派、不同身份的戏班、伶人与观众之间的复杂关系，探讨了传统艺术在社会转型期的挣扎、坚守与新生。 二、舞台上下：流光溢彩与幕后百态 1. 剧目的诞生与传承：剧本的“活化石” 本书细致考证了大量经典剧目——如《霸王别姬》的早期版本、《贵妃醉酒》的唱腔演变、《搜孤救孤》的情感递进——是如何在历代名家的打磨下，逐渐定型并臻于化境的。我们不谈论某位大师的独创，而是聚焦于一个剧目从民间传说、地方戏曲到最终成为京剧经典的全过程。书中描绘了编剧、武术指导、音乐操琴师之间如何协同合作，将文字转化为舞台上的气韵生动。例如，某一著名武戏中的一个翻打动作，其在不同班社间的细微差异，反映了不同流派对力度、美感理解的侧重点。 2. “行规”与“江湖”：伶人的生存哲学 京剧行的规矩森严，本书将深入揭示这些“行规”背后的社会逻辑。从“拜师学艺”的仪式感，到“搭班演出”的利益分配，再到“走穴串场”的江湖规矩，无不体现了特定历史时期底层艺术工作者的生存智慧。书中刻画了那些在舞台下默默无闻的配角、武行、甚至道具师的工作日常。他们的收入微薄，却对艺术抱持着近乎宗教般的虔诚。例如，一个老化妆师如何凭借经验调配出最符合角色年龄和身份的油彩，以及这种技艺的口耳相传与失传风险。 3. 场馆的变迁：从茶园到现代化剧院 本书追踪了中国主要城市（如北京、上海、天津）传统戏园子的变迁史。茶园、会馆、改良剧场，每一个演出场所都有其独特的观众构成和审美偏好。在豪华的包厢里，权贵们如何品评艺术；在拥挤的楼座上，平民百姓如何为一曲高腔而热泪盈眶。这种空间的变化，直接影响了舞台的布景、灯光的使用，以及演员的表演风格——是从内敛到外放的适应过程。 三、艺术思潮的交锋：革新与坚守的时代张力 二十世纪的中国经历了翻天覆地的变革，京剧艺术也无法置身事外。本书着重探讨了艺术思潮的碰撞，而不是聚焦于某一个艺术家的个人选择。 1. 传统美学的坚守者 在追求“新戏新编”的浪潮中，总有一批老一辈的艺术家，他们以近乎固执的姿态，维护着传统唱腔的腔圆韵足、手眼身法的规范性。书中通过对比不同时期对同一经典唱段录音的分析，展现了这种“原教旨主义”式的坚守如何为后世留下了宝贵的艺术样本。他们对传统板式、口型、气息的执着，构成了京剧艺术的“基因库”。 2. 舞台美学的探索者 同时，一批富有远见的革新者开始尝试将西方戏剧的写实手法、舞台调度融入京剧。他们探索如何通过灯光设计来营造情绪，如何调整舞台走位以适应更大的剧场空间。书中分析了这些“改良”尝试在当时引发的巨大争议——是“玷污国粹”还是“艺术新生”？这种张力正是推动京剧艺术向前发展的重要动力。 3. 音乐的融合与创新 京剧乐队的配置并非一成不变。本书探讨了二胡、京胡的音色如何被细致地“驯化”以服务于特定的角色情感，以及对西乐乐器（如小提琴、大提琴）的有限引入在特定历史阶段起到的实验作用。音乐的革新，往往是舞台整体革新的先声。 四、艺术的生命力：观众与时代的共振 京剧的生命力在于它与时代的紧密联系。本书的后半部分转向对观众群体的考察。 1. 观众的审美教育 京剧的“懂行”与“外行”之间的界限是流动的。书中描述了如何通过报纸评论、街头巷议，以及戏园子里的“板眼相公”的即时反应，来塑造和引导大众的审美趣味。观众的每一次叫好、拍案，都是对台上艺术家的直接反馈和“再创作”。 2. 历史风云中的艺术表达 在战争与社会动荡时期，京剧如何成为一种特殊的文化符号？有些剧目被赋予了强烈的时代隐喻，演员们在演出中如何巧妙地利用程式化的表演来表达对时局的复杂情感，这是一种无声的抗争与寄托。艺人们的“出走”与“坚守”，他们的每一次登台，都折射出那个时代知识分子和艺术家群体的集体命运。 五、结语：散落的星辰与永恒的舞台 《梨园旧梦》最终呈现的是一个“群像”，一群充满激情与矛盾的艺术家，他们共同铸就了京剧艺术的辉煌。它旨在让读者理解，那些被后世奉为圭臬的表演，并非凭空出现，而是无数次磨合、争执、模仿与超越的集体劳动成果。书中的每一笔描绘，都力求还原出艺术在泥土中生根、在烟火中绽放的真实温度。它是一曲献给所有致力于保留和发展中国传统舞台艺术的幕后英雄和台前偶像的赞歌。

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说实话，我一开始对这种题材的书是有些抗拒的，总觉得会很沉闷。然而，这本书的文风却出乎意料地轻快又不失厚重。作者的语言驾驭能力极其老道，他擅长使用一些充满画面感的比喻和精炼的句子来推动情节发展，使得原本可能晦涩难懂的专业内容，变得易于消化。比如他对某个特定“亮相”动作的描述，竟然能让我产生一种身临其境的紧迫感。更妙的是，书中穿插了一些私人化的札记和信件片段，这些第一手资料像是一扇扇小窗，让我们得以窥见人物内心最柔软、最真实的一面，完全颠覆了舞台上的完美形象。这种平衡感把握得非常好——既有对艺术高度的赞美，又有对个体生命挣扎的细腻关怀。它不是那种严肃到让人喘不过气的学术著作，而是充满人情味的故事讲述，即使对京剧一窍不通的读者，也能被其讲述的魅力深深吸引，绝对是老少咸宜的佳作。

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读完这本书，我最大的感受是作者对那个时代社会风貌的把握精准得令人心惊。它不仅仅是一本关于艺术家的传记，更是一部侧写近现代中国社会变迁的百科全书。从市井百态到庙堂之高，再到国际舞台的交锋，每一个场景的切换都自然流畅，毫无违和感。书中对当时文人雅士、军阀政客与梨园伶人的复杂互动描写得入木三分，充满了戏剧张力。你从中能看到艺术如何成为时代精神的载体，又如何被时代洪流所裹挟。作者的叙事节奏掌控得极好，时而慷慨激昂，时而低回婉转，仿佛就是在跟随一位经验老到的说书人听故事。我特别留意到那些关于同行之间竞争与扶持的片段，那些人性中的光辉与阴暗，都被坦诚地展现出来，让人物形象立体得像站在眼前。这本书的价值在于它提供了多维度的解读视角，它让你明白，站在聚光灯下的“角儿”，其人生轨迹是如何与家国命运紧密相连的，读来令人深思，久久不能释怀。

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我必须承认，这本书的学术严谨度远超我的预期。尽管它的阅读体验流畅如小说，但其背后庞大的资料搜集和考证工作量是显而易见的。作者显然查阅了大量的档案、报纸和回忆录，并且对历史细节的核对达到了吹毛求疵的地步，这极大地增强了文本的可信度。更令人称道的是，作者没有将自己置于一个高高在上的评判者位置，而是以一种近乎同行的尊重和理解来审视和记录一切。书中对于艺术流派间的细微差别，对于不同剧目在不同年代的演出效果差异，都有着专业且精准的分析，这使得这本书不仅适合普通爱好者，更对专业戏曲研究者具有极高的参考价值。它不仅仅是回忆，更像是一部用艺术史学的严谨态度书写而成的、充满人情温度的英雄赞歌，让人在合上书卷后，仍能感受到那份历史的厚重感和艺术的永恒魅力。

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这部作品简直是一场视觉与听觉的盛宴，仿佛能让人穿越时空，亲临那个梨园鼎盛的年代。作者的笔触极其细腻，对舞台上每一个眼神的流转，指尖的微颤，乃至水袖翻飞的轨迹都捕捉得丝丝入扣。我尤其欣赏他对京剧艺术本体的深刻理解和尊重，书中对“做”、“念”、“唱”、“打”的每一个环节都有着旁人难以企及的洞察力。阅读时，我仿佛能闻到那浓郁的油彩味，听到那悠扬婉转的唱腔在耳边回荡。它不是枯燥的艺术评论，而是一部充满生命力的艺术史诗。那些对服装色彩、脸谱勾勒的描摹，简直就是一幅幅精美的工笔画，让人在文字中感受到了无与伦比的美学震撼。特别是对幕后准备工作的细致描述，揭示了艺术家们台前光鲜亮丽背后付出的巨大心血和近乎苛刻的自我要求，让人由衷地肃然起敬。这本书让我对传统艺术的敬畏之心油然而生，它成功地将一种高度程式化的艺术形式，用如此鲜活和富有感染力的方式呈现给了现代读者，功力非凡。

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这本书的结构布局堪称一绝，它没有采用传统的流水账式编年体，而是巧妙地运用了主题式的章节划分，每一部分都像一颗精心打磨的宝石，散发着独特的光芒。我特别欣赏作者在处理历史脉络时所展现出的那种“跳跃感”，他总能在最恰当的时机插入一段轶事或一个关键的转折点，使得叙事张力始终维持在一个较高的水平线上。阅读过程中，我发现自己不断地被引导去思考“传承”与“创新”这对永恒的命题。书中对不同时期艺术理念碰撞的描绘，比如传统派与革新派之间的论战，清晰地勾勒出一种艺术如何在时代压力下寻求自我革新的艰难路径。这种对复杂思想流派的梳理，清晰有力，逻辑严密，却又不失文学作品应有的韵味。它不仅记录了一个艺术家的成就，更是为后世研究者留下了一份关于艺术生命力如何抵抗时间侵蚀的宝贵案例研究报告。

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