4509-96201-2 THE 3 TENORS IN CONCERT 1994(DVD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版时间:1900-01-01

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isbn号码:9787450996206

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• 古典音乐
• 歌剧
• 三位男高音
• 演唱会
• 1994
• DVD
• 音乐
• 帕瓦罗蒂
• 多明戈
• 科雷利

好的，以下是一部与“4509-96201-2 THE 3 TENORS IN CONCERT 1994(DVD)”无关的图书简介，字数约为1500字。 --- 《古韵新声：二十世纪中叶中国音乐的变革与传承》 作者： 张立民 出版社： 华夏文化出版社 出版年份： 2023年 ISBN： 978-7-5080-9876-5 --- 内容提要： 《古韵新声：二十世纪中叶中国音乐的变革与传承》并非一本专注于特定音乐会录像或流行文化的著作，而是一部深入剖析二十世纪中期（约1945年至1978年间）中国音乐领域在社会剧变背景下所经历的复杂转型、思想碰撞与艺术实践的学术专著。本书摒弃了对单一事件的叙述，转而聚焦于宏观历史语境下，传统音乐、西方古典音乐体系以及新兴的民族音乐创作之间相互渗透、冲突与融合的动态过程。 本书的核心论点在于，这一特定历史阶段的中国音乐，是一场在政治理想、民族觉醒与艺术本体论三重驱动下的深刻“重构”。作者张立民教授以其深厚的音乐学和历史学功底，钩沉索隐，通过档案文献、未发表乐谱、私人日记以及当时的报刊评论，构建了一个立体而精微的研究图景。全书共分为七个主要章节，层层递进，揭示了中国音乐在寻求“民族性”与“时代性”统一道路上的艰辛探索。 第一部分：战后格局与引介浪潮 (1945-1952) 本书开篇追溯了抗日战争胜利后，中国音乐界在接收和重建过程中的复杂心态。这一时期，上海、北平等地的音乐活动迅速恢复，但同时也面临着新的选择：是回归传统文人音乐的精致化，还是全面拥抱苏俄模式的“为人民服务”的音乐创作理念？ 本部分详细考察了西方古典音乐（尤其是浪漫主义晚期和早期现代主义）在知识分子群体中的再度流行，以及与此形成鲜明对比的，各地民间音乐资源被集中挖掘和整理的“抢救式”工作。作者特别关注了早期音乐学院教育体系的重塑，探讨了如何将传统的“工尺谱”教学体系与五线谱的系统化训练进行融合或替代，这一过程对后来数代音乐家的思维模式产生了深远影响。 第二部分：民族音乐的“国家化”塑造 (1953-1957) 随着国家建设的全面展开，音乐被赋予了更明确的社会功能。这一时期的核心议题是如何将地域性极强的民间音乐（如戏曲、说唱、秧歌等）提炼、升华，使其成为具有全国共识的“新民族音乐”。 张教授以大量的案例分析了“集体创作”模式的兴起，探讨了作曲家如何学习和运用民间音乐的调式、节奏和结构，并将其嫁接到交响乐、歌剧、大型合唱等西方体裁中。他细致地辨析了“模仿”与“创新”之间的界限，指出在这一阶段，许多被视为经典的“民族风格”作品，实际上是高度结构化和概念化的产物。书中对早期几部重要的民族管弦乐作品的配器技术和和声处理进行了深入的技术剖析，展示了当时音乐家如何在“新”与“旧”之间走钢丝。 第三部分：宏大叙事与音乐的“典范化” (1958-1965) 本书的第三部分着重分析了“大跃进”与“社会主义建设高潮”时期，音乐创作如何服务于宏伟的时代主题。音乐作品的体量和情感表达被推向极致，追求“史诗性”和“英雄气概”。 作者详尽回顾了这一时期大型声乐套曲和器乐作品的创作过程，重点分析了“主旋律”是如何被确立和维护的。这里不仅涉及美学选择，更涉及到政治干预对音乐家个人风格的压制。同时，本书也关注了在官方叙事之外，一些音乐家如何通过更为内敛的艺术手法，试图保留个人情感的表达空间，尽管这种努力往往是微弱和隐晦的。对当时音乐理论刊物中关于“如何处理复杂的西方对位法与中国五声调式”的争论，提供了宝贵的文献支持。 第四部分：文艺的静默与学术的蛰伏 (1966-1971) 这一部分聚焦于文化运动对音乐生态造成的巨大冲击。作者并未简单地罗列禁演曲目，而是深入探讨了音乐机构的解体对音乐人才培养链条的断裂性影响。 本书通过口述历史片段，还原了音乐家在特定时期的生活状态，以及他们如何通过私下演奏、记忆整理等方式，维持对音乐本体的忠诚。同时，作者也分析了在这一“静默期”内，少数被允许创作的“革命样板戏”的音乐结构是如何继承与变异了传统戏曲的表演体系，以及这种“高度集中化”的艺术形式对未来音乐创作思维的影响。 第五部分：拨乱反正与学术的重启 (1972-1978) 随着历史的转折，音乐界迎来了重建的曙光。本书详细描绘了这一时期音乐生活恢复的缓慢而艰难的过程，以及人们对被压抑多年的艺术需求的爆发。 重点关注了大量被禁演的西方古典乐谱的重新发掘和演奏，以及老一辈音乐家重新站上讲台所带来的学术震动。张教授认为，这次“重启”不仅是作品的恢复，更是对音乐本体论的一次再确认——即音乐作为一种独立于政治宣传的审美实践的价值被重新确立。书中对比了1976年前后，钢琴协奏曲与民乐合奏在曲目选择和演奏风格上的微妙变化，展示了思想松动对艺术表现力的解放作用。 结语：流动的遗产 《古韵新声》的结论部分，总结了这一时期“变革与传承”的辩证关系。它指出，二十世纪中叶的中国音乐，虽然经历了剧烈的外部干预，但其艺术生命力恰恰体现在这种“在夹缝中求生存”的创造性转化。今天的中国音乐，无论是体制内的创作还是先锋实验，都无法绕开那个复杂年代留下的结构性遗产——无论是对民族元素的系统化理解，还是对西方音乐语汇的吸收深度。 本书以其严谨的史料考证、细腻的音乐分析和深刻的历史洞察力，为研究当代中国音乐史的学者、音乐教育者以及对中国近现代文化史感兴趣的读者，提供了一部不可或缺的深度参考读物。它不是关于某场著名演出的记录，而是关于一个伟大民族艺术在特定历史洪流中自我塑造的心路历程。

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坦白讲，我对于古典音乐的鉴赏水平或许算不上专业，但当我第一次看到这三人同台献艺的画面时，那种扑面而来的巨星气场，是任何文字都难以描述的。 他们的肢体语言，即便隔着屏幕，也透露出一种久经沙场的自信与优雅。 尤其是卡雷拉斯，他虽然身形相对内敛，但每当他开口，眼神中的那股深情与专注，总能轻易地将听众带入咏叹调的悲喜之中。 还有他们三人之间那些不经意的互动——一个会意的微笑，一次默契的点头，甚至仅仅是眼神的交汇，都充满了老友间的理解与尊重，这比任何精心编排的环节都要动人。 这种“非表演性”的真实感，极大地拉升了这部作品的价值，它记录下的，是三位人类顶尖艺术家的巅峰状态，以及他们之间深厚的友谊基础，这让观看过程充满了人文的温度。

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从一个纯粹的“现场体验复刻”角度来看，这部DVD的价值简直是无可估量。 它不仅仅是一张影碟，它更像是一个时间胶囊，锁住了九十年代中期古典乐坛的黄金时刻。 每一个音阶的颤音、每一次歌唱时的面部肌肉的细微抽动，都被镜头精准捕捉。 与现在许多过度修饰的演唱会录像不同，这里保留了极大的“原味”。 你能清晰地感觉到录制场地的自然混响，这种真实感是后期棚录无法替代的。 此外，我个人对现场管弦乐队的特写镜头非常满意，指挥棒挥舞的力度，弦乐组弓弦摩擦的瞬间，都展现了幕后团队的精湛技艺。 观看结束后，我花了很长时间静坐，试图让那份震撼感慢慢沉淀下来，这种级别的艺术作品，值得反复品味，每一次重温，都能发现新的层次和理解。

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这部记录片（如果可以这么称呼它的话）的史诗感是毋庸置疑的，但更让我印象深刻的是，它成功地将“高雅艺术”的门槛降低到了一个可以亲近的程度。 那些曲目选择，绝非是只有专业人士才能理解的晦涩之作，它们是流行与古典完美结合的典范。 即使是对歌剧知之甚少的观众，也能立即被《拉美与玛格丽特》中那种热烈奔放的情绪所感染。 影片的后期制作在色彩饱和度和清晰度上做了极好的平衡，既保留了现场的氛围感，又确保了细节的锐利。 我个人的小偏好是，每次他们三人一起走向舞台中央鞠躬致谢的那个瞬间，那种如释重负却又带着巨大满足感的表情，总能让我这个屏幕前的观众也跟着激动起来，这才是艺术带来的最纯粹的共振。

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说实话，选择观看这场演出，很大程度上是出于一种“朝圣”的心态。 毕竟，要在有生之年见证三位“天王”同时在巅峰期合作的机会，是何其渺茫。 影片的剪辑节奏把握得相当到位，它没有过度沉溺于观众席的热烈反应（虽然那部分也足够震撼），而是将大部分篇幅留给了舞台中央的艺术呈现。 这种克制反而更显功力。 导演似乎很清楚，最好的“特效”就是这三张脸孔和他们手中流淌出的音乐。 观看过程中，我反复思考一个问题：是什么样的魔力，让这三位在各自领域都已登峰造极的艺术家，愿意放下身段，彼此融合？ 答案似乎就藏在那些宏大咏叹调中对“爱”与“命运”的诠释里，他们用声音描绘出的画卷，远比任何宏伟建筑都要来得更具永恒性。

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这部影片的音效处理简直是鬼斧神工，每一个音符的细节都被捕捉得纤毫毕现，高音的穿透力与低音的浑厚感形成了完美的张力，让人仿佛置身于那个万人瞩目的金色大厅。 导演对舞台布景和灯光的运用也极其考究，光影的流转精准地烘托了歌剧的恢弘气势，特别是当三位巨星站位发生变化时，光束的聚焦与散开，都像是在无声地讲述着音乐的情感起伏。 我记得有一次，帕瓦罗蒂的一个长音结束，紧接着多明戈和卡雷拉斯的合唱瞬间接上，那种气流的衔接之自然，让人起鸡皮疙瘩。 我特别留意了他们演唱《今夜无人入睡》时的那个段落，彼时彼刻，三把风格迥异的嗓音，竟然能交织成一股无可匹敌的力量，不是简单的叠加，而是深层次的化学反应。 这不仅仅是一场音乐会，它更像是一次声学上的奇迹展示，那些微妙的呼吸声、舞台上的微小动作，都被清晰地记录下来，这对于任何追求极致听觉体验的影音发烧友来说，都是一场不容错过的盛宴。

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