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出版者:第1版 (2005年2月1日)

作者:张强|主编

出品人:

页数:178 页

译者:

出版时间:2005年2月1日

价格:25.00元

装帧:平装

isbn号码:9787540113636

丛书系列:

图书标签:

• Y-艺术
• 中国画
• 人物画
• 绘画技法
• 艺术史
• 美术理论
• 传统绘画
• 绘画教学
• 艺术作品
• 中国艺术
• 绘画

《西方现代艺术思潮及其流变：从印象派到抽象表现主义》 内容简介 本书是一部深入剖析十九世纪中叶至二十世纪中叶西方艺术领域重大变革与思想转向的学术专著。全书以清晰的脉络和翔实的史料，系统梳理了自印象派兴起以来，一系列革命性艺术运动的发生背景、核心理念、关键人物及其对后世产生的深远影响。 第一部分：现代的黎明——印象派与后印象派的视觉革命 本书首先聚焦于印象派的诞生。详细探讨了其如何挣脱传统学院派的束缚，将关注点从历史叙事和神话主题转向对光影、色彩的即时捕捉和对日常生活的描绘。重点分析了莫奈、雷诺阿等艺术家如何通过松散的笔触和对户外写生的执着，记录转瞬即逝的视觉经验。 随后，深入剖析了后印象派对印象主义局限性的反思与超越。塞尚对形体结构和空间几何的探索，被视为架设通往立体主义的桥梁。梵高对内在情感的强烈表达，预示了表现主义的张力。高更则通过对异域色彩和象征意义的运用，开辟了形式主义与原始主义的先河。本部分力求揭示，正是这些探索，奠定了现代艺术摆脱再现性束缚的基石。 第二部分：形式的解放——野兽派、立体主义与未来主义的结构解构 进入二十世纪初期，艺术的探索转向了对形式本身的极致挖掘。马蒂斯领导的野兽派，以其大胆、非自然的色彩运用，宣告了色彩可以脱离对客观事物的模仿，成为独立的表现媒介。 立体主义的出现，被视为现代艺术史上最剧烈的认知革命之一。本书详尽剖析了毕加索和布拉克的“分析立体主义”如何彻底瓦解了文艺复兴以来的单点透视法，将多重视角、时间维度融入同一二维平面。随后对“综合立体主义”中拼贴等手法的引入，讨论了艺术材料与现实物体的边界如何被模糊化。 同时，意大利未来主义的激进立场——对速度、机械、暴力和现代性的狂热赞颂——也被置于审视之下。考察了其如何将时间性、运动感纳入静止的画面，以及这种对现代性乌托邦的盲目信仰如何最终被战争的残酷所映照。 第三部分：情感的喷发——表现主义的内在景观 本部分着重探讨了德语区“桥社”和“蓝骑士”等表现主义群体的形成及其对人类精神困境的深刻关注。与印象派的客观观察相对，表现主义的核心在于艺术家的主观情感投射。 德国表现主义者，如基希纳、席勒，以扭曲的造型、尖锐的线条和压抑的色调，揭示了工业化都市化进程中个体所遭受的异化、焦虑与道德沉沦。而“蓝骑士”的康定斯基和马尔克，则在对色彩和线条的纯粹化探索中，试图探寻超越物质世界的精神本质，这为后来的纯粹抽象艺术提供了重要的哲学预设。 第四部分：反叛与精神的回归——达达主义与超现实主义 第一次世界大战的浩劫，使得理性主义和既有文化价值遭受毁灭性打击，催生了以反逻辑、反美学为特征的达达主义。本书细致分析了杜尚的现成品（Readymades）如何挑战了“艺术品”的定义，将观念置于技艺之上，引发了关于艺术本质的深刻哲学追问。 紧接着，超现实主义在弗洛伊德精神分析理论的指导下，将目光投向潜意识、梦境和非理性领域。布勒东的宣言，以及达利、马格利特等艺术家如何运用惊人的象征符号和精确的写实手法描绘“超现实”的并置，探讨了人类心智中被压抑的欲望和荒谬的逻辑。 第五部分：回归媒介本质——从至上主义到抽象表现主义的终结 本书的收官部分转向了对绘画媒介自身属性的极限探索。在俄国，马列维奇的“至上主义”以《白底上的白方块》等作品，宣告了艺术的“零度”，试图将绘画简化到最纯粹的几何形式和精神性体验。 最后，聚焦于二战后艺术中心转移至纽约，抽象表现主义的崛起。本书详细区分了杰克逊·波洛克的“行动绘画”中对身体性、偶然性的强调，以及马克·罗斯科的“色域绘画”中对崇高感和冥想空间的构建。探讨了这些艺术家如何通过对画布和颜料的直接处理，试图表达普世的、非叙事性的精神体验，标志着西方现代艺术一场宏大而复杂探索的阶段性完成。 特色与价值 本书的价值在于，它不仅仅是简单地罗列艺术家的生平和作品，而是致力于挖掘每一场艺术运动背后的社会结构、哲学思潮以及技术进步的相互作用。通过对关键文献的引用和艺术史核心概念的辨析，为读者提供了一个理解西方艺术从再现到表现，再到纯粹形式与精神探索的完整认知框架。其详实的论证和严谨的结构，旨在提升读者对现代艺术复杂性的鉴赏深度与理解力。

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这本书的学术深度令人敬畏，但其行文风格却保持了一种罕见的谦逊和克制。作者似乎总是在引导我们自己去发现问题，而非直接给出唯一的标准答案。例如，在探讨不同流派在处理人物动态时的差异时，他并未简单地褒贬某一方的优劣，而是细致地分析了每种处理方式背后所承载的文化心理和审美取向。这种开放式的探讨，极大地激发了读者的批判性思维和自主探索的欲望。我惊喜地发现，书中的许多论点，即便是初次接触中国画的门外汉，也能凭借其清晰的逻辑链条和恰当的比喻而理解，这在同类题材的专业书籍中是相当难得的。它成功地架设了一座从专业研究到大众普及的桥梁，确保了知识的有效传递，而非仅仅停留在圈子内部的自说自话。

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阅读此书的体验，更像是一场漫长而宁静的禅修之旅。它不仅仅是一部关于“画什么”的指南，更是一部关于“如何看”的哲学著作。作者对“人”——作为描绘对象的终极核心——的关注，贯穿始终。他强调，人物画的精髓不在于肌肉骨骼的精准复刻，而在于捕捉那一瞬间的生命律动和思想光芒。书中对古代画家在摹古与创新之间的微妙平衡的分析尤为精妙，揭示了真正的艺术传承并非简单的复制粘贴，而是在继承基础上的精神升华与时代烙印的注入。合上书卷时，我感到内心的喧嚣被沉淀了下来，对笔墨的敬畏之心油然而生。这本书具有长久的生命力，它提供的知识体系能够支撑起未来数年的个人艺术探索，其价值远超购书本身的付出。

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对于长期在西方油画体系中摸索的画者来说，这本书简直是拨云见日般的存在。它没有回避东西方艺术观念上的根本差异，反而坦然地将中国人物画置于其独特的文化语境中进行审视，从而揭示了其独立于他者体系的价值体系。作者对于“气”、“骨”、“神”的论述，虽然在传统画论中屡见不鲜，但其在现代语境下的重新定位，使得我们得以跳出传统复古的窠臼，去思考如何在当代都市生活和个体经验中，重构中国人物画的当代性。我个人非常受启发于其中关于“写意精神”在当代肖像创作中应用的章节，它提示我们，真正的“写”并非草率，而是对对象本质的精准提炼与情感投射，是心手相应、一气呵成的境界。这本书的论述带着一种跨越世纪的对话感，既是对传统的致敬，更是对未来的期许，非常值得反复研读，每次都会有新的体悟。

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这部新近出版的艺术理论专著，以其恢弘的视野和对传统笔墨精神的深刻洞察力，无疑为当代中国画坛注入了一股强劲的清流。作者的叙述逻辑严密，从早期的线条勾勒到宋元以降的写意与工笔的辩证统一，层层递进，将数千年的艺术演变梳理得井井有条，令人叹为观止。尤其值得称道的是，书中对“气韵生动”这一核心美学范畴的重新阐释，不再是停留在概念的堆砌，而是结合了具体的绘画案例，辅以作者多年积累的实践经验，深入剖析了如何通过笔意的提炼和结构的把握来实现精神的传达。阅读过程中，我仿佛跟随一位技艺精湛的良师益友，穿梭于历代名家的画廊之中，每一次驻足都伴随着对造型规律、人物性格捕捉和情景交融的全新理解。对于那些渴望超越单纯技能层面，追求艺术灵魂升华的研习者而言，这本书无疑是打开新世界的一把钥匙，它提供的不仅是知识，更是一种看待和创作中国人物画的全新哲学体系。它的文字力量，如同饱满的墨色，厚重而富有张力。

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这本书的装帧设计本身就透露出一种古朴典雅的气质，与它所探讨的主题相得益彰。纸张的选择偏向于略带纹理的米白色，使得即便是严肃的学术论述读起来也丝毫没有枯燥感。我特别欣赏作者在行文中不时穿插的那些对于具体作品的微观分析，那些对于“点睛”之笔的捕捉，细致到连衣纹的走向、眼神的聚焦，都与其所处的时代背景和人物内心活动紧密关联起来。这种将宏大历史脉络与微小细节完美结合的叙事手法，极大地增强了文本的可读性和实践指导意义。读罢全书，我深感中国人物画的魅力，远不止于形似，而在于那份难以言喻的生命力与人文关怀。这本书没有过多地进行空泛的理论说教，而是采取了一种“以技论道，以史证今”的务实路径，让读者在跟随作者的思辨旅程中，自然而然地领悟到国画艺术的深邃内涵和时代价值。

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偏理论，书内干货多，参考资料翔实，个人觉得入门看也不会太艰深晦涩。Anyway，为准备essay看过的书中对郎世宁的作品分析最理论化最有干货的。

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教科书式叙述…结构还行 纸质渣 配图小的让人想撕书= =科普用

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教科书式叙述…结构还行 纸质渣 配图小的让人想撕书= =科普用

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偏理论，书内干货多，参考资料翔实，个人觉得入门看也不会太艰深晦涩。Anyway，为准备essay看过的书中对郎世宁的作品分析最理论化最有干货的。

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教科书式叙述…结构还行 纸质渣 配图小的让人想撕书= =科普用