电影大放送 印度电影 母亲(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广州音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:12.0

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isbn号码:9787885130671

丛书系列:

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• 印度电影
• VCD
• 家庭伦理
• 剧情片
• 母亲
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• 光盘
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• 经典电影
• 海外电影

电影大放送：世界经典名片撷英 卷首语：光影的魔力，流淌的时代精神 电影，作为二十世纪最伟大的艺术形式之一，以其独特的视听语言和深刻的人文关怀，构建了一个个平行于现实、却又映照着现实的奇妙世界。本套《电影大放送》系列旨在精选世界影史上那些里程碑式的作品，从不同文化、不同地域的视角，展现电影艺术的广博与深邃。我们聚焦于那些不仅在技术上实现突破，更在叙事、表演和思想内涵上达到巅峰的经典之作。本卷精选的影片，跨越了默片时代的磅礴气势到彩色电影的细腻描摹，涵盖了从社会写实到浪漫主义的诸多流派，为读者提供一个全面而深入的电影文化之旅。 --- 第一辑：新浪潮的冲击与反思——欧洲先锋电影的力量 本辑聚焦于二战后欧洲电影的革新浪潮，特别是法国新浪潮（Nouvelle Vague）对传统电影语言的颠覆与重塑。这些作品不再满足于宏大叙事的完美构建，转而关注个体在现代社会中的疏离、焦虑与对既有道德规范的反叛。 1. 《精疲力尽》（À bout de souffle）：自由剪辑的宣言 这部作品以其标志性的跳切（Jump Cut）和手持摄影，彻底打破了传统好莱坞式的流畅叙事。它捕捉了战后一代的游牧气质和对既定规则的蔑视。影片的故事情节看似松散，实则精准地刻画了主人公米歇尔在巴黎街头游荡、犯罪、追寻短暂自由的过程。摄影机仿佛一个不知疲倦的旁观者，记录着每一次心跳加速的瞬间。影片探讨了美国文化对欧洲青年的影响，以及在消费主义和冷漠社会中，个体如何试图“活出风格”的困境。其非线性叙事和对传统人物弧光的拒绝，使其成为现代主义电影的教科书。 2. 《四百击》（Les Quatre Cents Coups）：成长的疼痛与制度的束缚 特吕弗的半自传体色彩浓厚的这部作品，以一种极为细腻和富有同情心的笔触，描绘了少年安托万在家庭缺爱、学校高压体制下的挣扎。影片的结尾，安托万奔跑在海边，定格的瞬间，眼神中充满了迷茫、渴望和一丝坚韧。这种开放式的结局，是对传统电影“圆满解决”的挑战，也是对那个时代教育和社会环境对青少年心灵压迫的有力控诉。摄影师亨利·德卡埃运用了对比鲜明的黑白影调，将巴黎的冷峻与安托万内心的火热情感巧妙地融合。 3. 《八部半》（8½）：艺术家的自我剖析与创作焦虑 费里尼的这部作品是关于“创作本身”的电影，是对艺术家内在世界的深度挖掘。它模糊了现实、回忆与幻想的界限，展现了导演圭多在灵感枯竭、婚姻危机和公众期待中的精神迷宫。影片充满了超现实主义的场景，马戏团、梦境、与现实人物的对话交织在一起，构成了一部关于“不知道如何继续”的深刻自白。这部电影对后世的电影制作人产生了巨大影响，它证明了电影不必遵循单一的线性逻辑，而可以成为一种纯粹的意识流表达工具。 --- 第二辑：现实的阴影与人性的拷问——东欧及意大利的社会批判 本辑的作品更多地关注宏大社会结构下小人物的命运，以及体制对个体生存空间的挤压。叙事风格更加写实、冷峻，往往带有强烈的政治隐喻或深刻的人文关怀。 1. 《偷自行车的人》（Ladri di biciclette）：贫困的尊严与道德困境 德·西卡的新现实主义的代表作，以其几乎纪录片式的影像风格，讲述了二战后罗马一个失业工人为工作寻找自行车的悲惨一天。影片的伟大之处在于，它没有将人物塑造成道德楷模，而是展现了在极端贫困下，人性的脆弱与道德的模糊地带。当父亲最终选择偷窃一辆自行车时，观众感受到的不是简单的谴责，而是对社会结构性不公的无力感。影片的结尾，父子相视无言，自行车的远去象征着希望的破灭和尊严的消逝。 2. 《棋盘上的舞者》（Tánc a Föld felett）：体制下的扭曲与反抗 匈牙利电影的杰出代表，这部影片深刻地批判了僵化的社会体制如何扼杀个体的自由意志和自然情感。故事以一个发生在集体农庄或工厂背景下的爱情悲剧为主线，通过对人物日常行为的细致观察，揭示了体制化生活对人际关系和情感表达的异化作用。影片的节奏缓慢而沉重，色彩运用克制，营造出一种压抑的氛围，突出个体在庞大机器面前的渺小与无助。 3. 《柳巷芳草》（Le Salaire de la Peur）：悬疑背后的生存哲学 法国冒险惊悚片的典范，但其内核远超类型片的范畴。影片讲述了四个亡命之徒为了高额报酬，冒险运输高爆炸药的故事。每一次颠簸、每一次熄火的边缘都可能引发毁灭性的爆炸。这部电影探讨了在绝境中，金钱对人类生命价值的重估，以及在极度紧张的环境下，人与人之间那种脆弱而又致命的依赖关系。它用高度的戏剧冲突，展现了生存的残酷与人性的幽微。 --- 第三辑：叙事传统的回归与重构——好莱坞黄金时代的余晖与新秩序的建立 本辑梳理了在经典叙事体系中，那些通过精湛的导演技巧和演员表演，实现了艺术高度的作品。这些影片巩固了好莱坞的工业体系，同时也展现了其内部的张力与创新。 1. 《日落大道》（Sunset Boulevard）：好莱坞的鬼魅挽歌 比利·怀尔德的黑色经典，以一种尖酸刻薄又充满悲悯的笔触，解剖了造星工业的虚妄与无情。影片以一个死者的视角讲述故事，这种叙事手法本身就充满了反讽。诺玛·戴森这个角色，是所有被时间遗忘的名角的缩影——活在过去的辉煌幻梦中，对外界的冷酷现实充耳不闻。摄影用光影对比强烈的方式，突显了贝弗利山庄的奢靡与人物内心的空洞。影片对名利场的批判，至今仍振聋发聩。 2. 《暴风雨》（The Magnificent Seven）：西部精神的现代诠释 翻拍自黑泽明的《七武士》，但融入了更加鲜明的美国西部精神。七位身怀绝技的枪手，为了保护一个贫困的墨西哥村庄对抗土匪，构建了一个关于“信义”与“专业主义”的现代神话。影片着重刻画了每位牛仔的独特个性与技能，以及他们为了更高的道德准则而愿意献出生命的选择。它探讨了文明的边界、外来者与本土社区的关系，以及英雄主义的复杂内涵。 3. 《迷魂记》（Vertigo）：视觉欺骗与痴迷的迷宫 希区柯克的巅峰之作之一，这是一部关于“凝视”（Gaze）与“控制”的心理惊悚片。影片通过复杂的视觉技巧，如著名的“推拉变焦”（Dolly Zoom）效果，制造出人物眩晕和失重的心理感受。主角对逝去女性的执念，以及他对新角色的塑造欲望，揭示了人对完美形象的病态追求，以及在爱中迷失自我的危险性。影片对色彩、符号和梦境的运用，使其成为理解潜意识电影的绝佳范本。 --- 结语：持续的对话 本套《电影大放送》致力于提供一个跨越国界、超越时代的电影视野。我们相信，每一部伟大的电影都是一扇通往不同世界和思想的窗户。通过对这些经典作品的深入赏析，我们不仅是在回顾历史，更是在培养一种更具批判性、更富同理心的观影视角，以更好地理解我们身处的这个复杂世界。

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这本书的知识密度高到让我需要时不时停下来，拿起手机去搜索书里提到的那些陌生的演员和导演名字。它对细节的挖掘简直到了令人发指的地步，比如它会详细记录某部影片在拍摄过程中遇到的政治审查难题，或是某位著名编剧是如何将自己童年的经历融入到剧本创作中的。这种“台前幕后”的细节披露，让冰冷的电影资料变得鲜活起来。我发现作者对音乐和舞蹈的论述也极其精湛，他不仅指出了某位作曲家的贡献，还分析了他们如何将古典印度乐理与现代电子乐、甚至西方爵士乐元素进行大胆混搭，创造出一种既怀旧又前卫的听觉体验。而且，这本书的观点输出非常成熟，它敢于指出印度电影工业中的一些体制性弊端，比如过度依赖明星制带来的创作局限性，以及地方保护主义对电影艺术发展造成的阻碍，这种批判性的视角让整本书的价值远超一般的赞美之词。我感觉，这不是一本简单的影评集，更像是一部关于印度文化产业变迁的微型史志。

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说实话，我本来对这种“XX电影大放送”的合集式书籍抱持着很谨慎的态度，总觉得内容会比较零散，不成体系。然而，《电影大放送 印度电影》这本书完全打破了我的偏见。它不是那种走马观花式的介绍，而是在选材上展现出极高的专业性和聚焦性。它似乎有一个非常清晰的编辑思路，那就是挖掘那些在国际上享有盛誉，但国内观众相对陌生的“硬核”作品。书中对特定流派的探讨细致入微，比如对“平行电影运动”的介绍，就非常学术化地分析了它在艺术探索上与欧洲新浪潮电影的异同，甚至引用了当时一些关键影评人的原始评论进行对照翻译，这对于深度爱好者来说简直是宝藏。我特别喜欢其中对比不同地区电影制作理念的章节，比如北方的商业片工厂体系和南方的地域特色艺术片之间的张力与融合，这种多维度的比较分析，让印度电影的图景一下子变得立体而丰富起来。全书结构逻辑严密，章节间的过渡非常自然，读起来完全没有跳跃感，就像是跟随一位资深向导在知识的迷宫中探险。

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这本书的装帧和排版设计实在是太有品味了，那种沉稳的黑色封皮配上精致的烫金字体，拿在手里沉甸甸的，很有分量感。我尤其欣赏它对电影剧照和海报的选用，那些老电影的海报色彩饱和度极高，充满了那个时代的张力和浪漫，每一张图都仿佛能讲述一个完整的故事。但吸引我的不只是视觉享受，更在于它行文的节奏感。作者的叙述方式非常流畅自然，像是一位老朋友在跟你娓娓道来那些光影背后的故事。他不会用那些晦涩难懂的电影理论术语来故作高深，而是用一种非常接地气的方式，将复杂的社会背景、宗教冲突如何渗透进电影情节中解释得清清楚楚。比如，书中对某部经典家庭伦理片中关于“财产继承权”的讨论，竟然能和当代印度社会结构的变化联系起来，这种跨学科的探讨深度，让人不得不佩服作者扎实的功底。我最喜欢的部分是关于“女性角色转变”的章节，它清晰地勾勒出从被动的家庭象征到主动的社会行动者这一漫长而复杂的演变过程，读起来酣畅淋漓，让人对印度女性力量的崛起深感敬佩。

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这本书的阅读体验非常独特，它不像传统教科书那样刻板，也没有普通影评来得那么主观化，它找到了一个绝佳的平衡点——既有学术的严谨性，又有大众传播的亲和力。我个人最欣赏的是它对“全球化背景下印度电影身份认同”这一宏大主题的探讨。书中详尽地梳理了宝莱坞电影如何成功打入海外市场，特别是中东、非洲以及欧美地区的印裔社区，分析了其在文化输出中的符号学意义。书中还穿插了一些非常有趣的轶事，比如某位巨星是如何从一个跑龙套演员成长为行业标杆的励志故事，这些小插曲极大地丰富了阅读的趣味性，让人在学习知识的同时，也能感受到电影行业的温度。此外，排版上采用了大量的脚注和延伸阅读建议，这对我这种喜欢深挖资料的读者来说是极大的便利，它指引了我后续的学习方向。总而言之，这是一本集知识性、艺术性和趣味性于一体的上乘之作，绝对是印度电影爱好者书架上不可或缺的一本“字典”和“地图”。

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天哪，最近淘到的这本《电影大放送》系列里的“印度电影”专题，简直是打开了我对宝莱坞奇迹的全新认知！我原本对印度电影的印象还停留在那些歌舞升腾、情节略显夸张的老电影上，但这本“特集”完全颠覆了我的想象。它不仅仅罗列了电影名称和演员表，更深入地剖析了印度电影工业的脉络，从早期被西方文化影响的痕迹，到后来如何成功地融合民族叙事和商业元素，构建出独树一帜的“宝莱坞模式”。书中对几位标志性导演的创作哲学进行了细致入微的解读，比如某位大师如何将社会底层人民的挣扎融入到宏大的家庭史诗中，那种镜头语言的运用简直让人拍案叫绝。它还花了大量的篇幅去探讨“歌舞”在叙事中扮演的双重角色——既是情感的宣泄出口，也是情节的推动器，这种文化符号的解读非常到位。最让我惊喜的是，它居然还收录了对一些小语种地区电影的介绍，比如马拉雅拉姆语和泰米尔语电影的独特美学，这绝对是市面上很多大部头影史著作都忽略的宝贵内容。读完后，我立刻去补看了好几部推荐的冷门佳作，感觉自己的观影格局瞬间被拔高了一个层次，强烈推荐给所有想真正了解印度电影文化内涵的影迷们。

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