徐悲鸿藏画选集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

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出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1992-9

价格:248

装帧:精装

isbn号码:9787530503140

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翰墨丹青：中国近现代绘画大师精品赏析 卷帙浩繁的艺术长廊，聚焦二十世纪中国画坛的璀璨群星 本书并非仅仅是一本简单的画册汇编，而是一部深入剖析中国近现代绘画发展脉络的学术性鉴赏指南。我们旨在为读者呈现一个立体、多维的视角，去理解和欣赏那些在时代变革洪流中，以笔墨坚守民族精神、开创时代新风的艺术巨匠们的杰出成就。本书的选篇严格遵循时间线索与艺术流派演变，力求展现中国画从传统向现代转型的艰难而辉煌的历程。 一、 时代的呼唤与艺术的觉醒（约1900-1930年代） 本卷聚焦于清末民初，一个传统秩序崩塌、新思潮涌入的动荡时期。艺术家的身份与使命被重新定义，他们不再仅仅是文人墨客，更成为启迪民智、凝聚民族精神的文化战士。 1. 岭南画派的勃兴与革新： 详细收录了高剑父、陈树人、岭南派后继者等人的代表作。这些作品鲜明地体现了“折衷东西，融汇古今”的创作理念。我们将深入探讨他们如何将西方写实主义的光影、透视引入传统水墨，尤其是在题材选择上，对现实社会场景、异域风光的大胆涉猎，打破了传统花鸟山水的局限。例如，对高剑父《东路远眺》的剖析，将侧重于其如何通过雄浑的笔触表达对国家命运的关切，以及其独特的“斧劈皴”在表现岩石和力量感上的创新。 2. 早期京津画派的坚守与蜕变： 重点展示了齐白石、陈半 পর্যায়ে等老一辈艺术家的成熟风貌。齐白石的艺术已臻化境，本书选取了其晚年大写意花鸟、虫鱼精品，分析其“妙在似与不似之间”的哲学境界，以及如何将民间艺术的朴拙趣味提升到文人画的最高殿堂。同时，也会收录陈半 পর্যায়ে早年受“四王”影响的作品与晚年转向“文人写意”的过渡性探索，展现艺术家在面对新旧交替时的内心挣扎与取舍。 3. “二石”的南下与融合： 本部分将集中展示徐悲鸿的早期写实主义探索，以及张大千早期对敦煌壁画的临摹与研究成果。虽然徐悲鸿是本书聚焦的另一重要领域，但在此阶段，我们更侧重展现其留学欧洲期间对古典主义素描的掌握，以及回国后初期尝试将西方人体解剖学应用于中国人物画的尝试，如早期的人体习作和局部写生，为后续的“写实主义中国画”奠定理论基础。张大千的敦煌时期作品，则代表了对古代装饰性、色彩学的重新激活。 二、 学院派的构建与写实主义的高峰（约1930年代中后期至1949年） 随着教育体系的逐步完善，一批留学归来的画家开始系统性地建立中国画的现代教育框架。写实精神成为一股强大的主流力量。 1. 徐悲鸿的“中西融合”体系： 本卷将翔实呈现徐悲鸿先生的创作核心成果。这不仅包括他标志性的奔马系列，更深入剖析其在人物画领域所取得的突破性成就。我们会精选其人体写生稿、早期肖像画以及抗战时期的主题性创作。对于奔马的解析，将超越简单的“象征意义”，着重于其对马匹解剖结构的精确掌握，以及如何通过墨色的浓淡干湿变化，赋予动物以强烈的生命力和悲悯情怀。同时，探讨他如何将素描的体积感融入传统皴法，形成独树一帜的“写实写意”画风。 2. “南张北徐”的格局与并峙： 与徐悲鸿的学院派写实形成对照，本部分将聚焦张大千在这一时期的转型——从“仿古大师”向“大风堂”风格的迈进。我们将收录他中晚期对敦煌壁画色彩的提炼，以及开始尝试的“泼墨泼彩”的实验性作品。这种风格的形成，反映了对传统“以线为主”的颠覆，转而追求墨色在宣纸上自然洇化所产生的偶然美感与气势。 三、 时代的变革与多元探索（约1950年代至1970年代） 建国后，艺术创作服务于特定的时代主题，但艺术家的个人风格并未完全消泯，而是在新的土壤上寻找表达的出口。 1. 现实主义题材的宏大叙事： 收录了大量反映劳动人民、工农业建设和革命历史的题材画作。重点分析李可染如何将传统山水画的“黑密厚重”风格，转化为表现祖国山河新貌的雄浑气象，如其对黄山、长江的描绘。同时，探讨傅抱石如何创新“抱石皴”，在表现解放区建设场景时，如何巧妙地融入其标志性的雨中芭蕉、雾锁山川的诗意，实现“时代内容”与“古典情致”的平衡。 2. 意笔人物画的继承与发展： 关注蒋兆和等人在人物画领域的贡献。蒋兆和的出现，标志着传统水墨人物画彻底告别了文人画的清雅范式，走向了对社会大众的深情关怀。其作品中的人物造型饱满、笔触粗犷有力，极具震撼人心的力量感。 3. 继承与“意笔”的再探索： 本部分将展示部分艺术家在特定历史时期的创作侧重。例如，潘天寿的“一味出手，不计后果”的大写意风格，如何在有限的尺幅内展现出巨大的结构张力和形式美感。他的花鸟和山水，通过奇特的结构布局和强烈的黑白对比，成为中国现代艺术中不可忽视的“硬骨头”。 总结：对艺术独立精神的致敬 本书旨在提供一个清晰的脉络，展示中国近现代绘画的复杂性、矛盾性和创造力。我们关注的是，在社会巨变面前，这些大师们如何坚守对“笔墨本体”的敬畏，同时又勇敢地拥抱时代的挑战，最终形成了我们今天所珍视的，具有世界影响力的中国现代艺术格局。本书的选篇，着重于展示艺术的技术创新、精神内核与时代关联性，确保读者获得的知识是全面、深入且富有洞察力的。

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我花了好几天时间细细品味了这本图册中涉及的几类主题作品，感受最深的是其对于时代变迁下艺术语言融合的深刻展现。尤其是一些早期作品，那种中西技法碰撞出的火花，是当代许多模仿者难以企及的。比如那些动物题材的速写，寥寥数笔，却精准捕捉到了动物的神态与力量感，那种“形神兼备”的境界，不是单纯的写实功底就能达到的，其中蕴含着深厚的东方哲学思考。再比如对一些经典花鸟画的解析，可以看到作者是如何在借鉴传统的基础上，融入了更加现代的解构与重组，使得画面既有古典的韵味，又充满了现代的张力。这种探索精神，是这本书最打动我的地方，它不仅仅是简单地展示作品，更像是在梳理一条清晰的艺术演变脉络，让人能透过画面看到背后的思想斗争与艺术革新。每次重读，总能发现新的理解维度，这种层次感非常难得。

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这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，典雅而不失现代感。纸张的选取非常考究，那种微哑的光泽感和厚实的触感，完美衬托了所收录作品的韵味。我特别欣赏出版社在版式编排上的用心，每一幅作品的呈现都留有足够的呼吸空间，没有那种拥挤感，使得观者可以完全沉浸在画面的意境之中。比如那几幅水墨人物，墨色的浓淡层次被精细地还原了出来，即便是原作中细微的皴擦笔触，也能清晰可见，这对于研究者和爱好者来说，是极其宝贵的体验。装订工艺也极其牢固，看得出是用心制作的收藏级用书，绝对是书架上的一件艺术品。翻阅时，那种油墨特有的清香混合着纸张的芬芳，构成了一种独特的阅读体验，让人忍不住想一遍又一遍地摩挲那些精致的细节。总而言之，从外在到内在的每一个环节，都体现了对艺术的尊重和对读者的诚意，远超出了普通画册的水准，更像是一件精心策展的移动展览。

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阅读过程中，我发现编者在选择作品的横向对比上颇具匠心，这极大地丰富了我的阅读体验。他们似乎有意将不同时期、不同风格的作品并置，形成一种内在的对话。例如，将早期留学时期受西方学院派影响较深的作品，与晚年回归本土、创造出自己独特“徐式”风格的画作放在相邻的篇章，这种鲜明的对照，让观者能直观地感受到艺术家内心深处对艺术本体的追问与最终的定型。这种编排方式，使得我们不再将每一幅画视为孤立的个体，而是将其放入一个动态的成长轨迹中去理解。它提供了一个绝佳的视角，去观察一位巨匠如何在吸收外来文化精华的同时，坚守并升华了民族艺术的精髓，这种深刻的文化自觉性，是这本书最具有学术价值的体现之一。

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对于一个对艺术史有兴趣的普通读者来说，我更看重的是辅助资料的详实程度。这本书的排版设计固然精美，但真正让我觉得物有所值的是其附带的文字说明和考证信息。那些关于作品创作背景、所用材料甚至是收藏流转历史的简短介绍，都非常精炼且有价值。它没有陷入冗长空洞的赞美，而是提供了清晰的时代坐标和艺术语境，让我得以在更广阔的历史背景下理解这些画作的意义。比如，对几幅仕女图的背景介绍，提及了当时社会对女性形象描摹的思潮变化，这使得原本可能只是欣赏其美感的作品，瞬间增添了厚重的历史重量。这种将视觉艺术与文字考据完美结合的处理方式，使得这本书的知识密度非常高，读起来既享受视觉盛宴，又能获得扎实的知识补充，是值得反复研读和收藏的佳作。

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作为一名业余的中国画爱好者，我最关注的是色彩和线条的质感还原度。坦白说，很多印刷品在表现中国画的微妙色调时都会失真，尤其是那些赭石、藤黄这类看似简单却极难把握的矿物颜料色。然而，这本图册在这方面做得相当出色。那几幅设色山水，原本需要极强的视觉判断力去分辨的冷暖对比，在这里得到了很好的保留，没有出现那种廉价的“数码感”。线条的力度和速度感也得到了充分体现，那些奔放的线条充满了生命力，仿佛还能感受到笔尖在宣纸上飞驰时的摩擦力。这对于学习者来说，比单纯的临摹更有指导意义，因为它提供了最接近原作的视觉信息，帮助我们理解大师是如何控制墨色和笔法的变化，从而达到“一气呵成”的艺术效果。这本册子与其说是看画，不如说是上了一堂生动的、无需言语的笔墨技法课。

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