中国美术全集(绘画篇·11 清代绘画 下) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术出版社

作者:本 会

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-02-01

价格:678

装帧:

isbn号码:9787532202164

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中国古代绘画通史：从魏晋风骨到近现代变革 本书旨在系统梳理中国绘画自萌芽至近现代的宏大发展脉络，聚焦于各个历史阶段的艺术成就、风格演变、重要流派及其背后的文化语境。全书分为上下两卷，力求全面而深入地展现中国绘画艺术的博大精深与独特魅力。 上卷：奠基与辉煌——从魏晋到宋元 第一章 滥觞之始：魏晋南北朝的艺术觉醒 本章探讨中国绘画的早期形态及其哲学根基的建立。魏晋时期，玄学盛行，士人精神对绘画产生了深刻影响。我们着重分析顾恺之的“以形写神”理论如何确立了人物画的审美标准，以及佛教艺术的引入如何极大地丰富了绘画的题材与技法，尤其关注敦煌壁画在这一时期的重要地位。南北朝时期，北方与南方的绘画风格差异及融合，为后世的艺术发展埋下了伏笔。 第二章 盛唐气象：唐代绘画的多元发展 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，其绘画艺术也呈现出前所未有的恢宏气象与多元格局。本章详述吴道子开创的“吴带当风”的雄健笔法，以及李思训、李昭道所代表的青绿山水画的辉煌成就。人物画方面，张萱、周昉描绘的宫廷生活与仕女风韵，体现了盛唐雍容华贵的审美取向。佛教艺术在此时期达到高峰，永乐宫壁画（虽属元代，但其精神可追溯至唐风）和莫高窟中晚唐时期的壁画，展现了宗教题材世俗化和技法成熟化的趋势。 第三章 转型与成熟：五代两宋的写实高峰 五代十国时期，中国绘画的地域性风格开始凸显，为宋代的集大成做好准备。后梁梁楷的减笔人物画，预示了宋代文人画的某种倾向。 宋代，是中国绘画艺术的黄金时代，院体画达到了技术上的巅峰。本章重点剖析北宋山水画的宏大叙事与理性精神，以范宽《谿山行旅图》为代表的“巨碑式”山水，以及李成、郭熙对自然秩序的精确把握。在花鸟画领域，两宋院画家对物象的细腻观察与精准描摹，开创了工笔花鸟的典范。 南宋时期，审美趣味转向内敛与抒情。李唐、刘松年、马远、夏圭并称“南宋四家”，他们的“一角半边”构图，将山水画的意境推向了极简而深远的境界。院体人物画也从写实走向意态，如苏汉臣的儿童题材。 第四章 文人自寓：元代绘画的革新与士气 元代，蒙古人的统治使得传统士大夫阶层将精力更多地转向了精神寄托，绘画成为抒发胸臆的主要方式。本章详细论述“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——在山水画领域的理论建树和实践探索。倪瓒的“萧索荒寒”成为孤高清逸的象征；文徵明的师法（后世对元四家的继承）也在此奠定基础。 同时，元代文人画对书法入画的探索达到新高度，书法笔法与墨法开始主导画面结构，极大地影响了明清的文人画发展路径。 下卷：演变与高峰——明清及近现代的格局 第五章 规制与反叛：明代绘画的复古与创新 明代绘画呈现出官方学院派（如“宣和体”的继承者）与文人画两大阵营的并行发展。本章首先探讨以“吴门画派”为代表的江南文人画的鼎盛，沈周、文徵明、唐寅、仇英四家如何将元代遗风推向新的高峰，特别是唐寅兼具院体之精妙与文人笔墨之潇洒。 明代中后期，以徐渭为代表的“写意”精神爆发，其大写意花鸟画和山水画，以狂放不羁的笔墨颠覆了传统规矩，为清初的“四僧”提供了重要的艺术源泉。 第六章 技法与理念的交锋：清代绘画的主流与流变 清代是中国传统绘画的最后一次大综合与再创造时期。本章将重点分析清初“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）对元明山水画传统的系统整理与集大成，他们通过“笔墨论”确立了正统的地位。 然而，最具颠覆性的是“四僧”——石涛和八大山人。石涛强调“我自用我法”，在笔墨中融入强烈的个性情感和哲学思考，其“一画论”对后世影响深远。八大山人则以极简的造型和象征性的笔墨，表达了对世事的抑郁与超脱。 第七章 传统之末：清代晚期至民国的风格转向 本章探讨清代中期以后，随着商品经济的发展和西方文化的影响，传统绘画所面临的挑战与变化。以“扬州八怪”为代表的地域性流派，强调民间趣味和讽刺意味，在艺术表达上更为自由奔放。 清末民初，随着王朝覆灭，中国画的定义受到挑战。以任伯年为代表的海派画家，吸收了民间年画和西洋透视的优点，提升了写实表现力。同时，探讨了早期留日画家对传统山水画笔墨结构的现代化尝试，为20世纪中国画的转型积蓄了力量。 结语：不息的笔墨精神 全书最后总结了中国绘画在数千年历史中，始终围绕“骨法用笔”、“气韵生动”和“笔墨精神”的传承与发展，展现了其作为民族文化基因的强大生命力。

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总而言之，这本选集不仅仅是简单地罗列了清代下半叶的绘画作品，更像是一部精心策划的视觉论文。它没有冗长枯燥的理论说教，而是通过作品本身的力量来阐释历史和风格的演变。对于那些希望从直观感受入手，逐步建立起对清代艺术体系认识的入门者来说，它是一个极佳的起点；而对于资深研究者而言，其高质量的图像资料和相对全面的收录范围，也保证了它作为案头参考书的价值。我特别喜欢那种将不同风格画家作品并置的编排手法，它强迫读者进行横向的比较和思考，而不是孤立地看待每一幅画。这本厚重的画册，是了解中国艺术史中那个充满矛盾与张力的时代不可多得的宝贵资料。

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从学术梳理的角度来看，这本分册对于清代绘画中“变”与“守”的探讨，提供了丰富的视觉材料。清代无疑是一个承上启下的关键时期，既有对前代大师的刻意摹仿，也有对西洋透视和光影的悄然吸收。通过对不同画派作品的并置比较，读者可以清晰地看到这种张力是如何在同一时期的画坛中并存的。例如，一面是恪守“元气淋漓”的复古主义，另一面则是受西方影响而追求立体感的“新风尚”。我个人对那些在传统框架内进行微调、试图在程式化中注入个人情感的作品特别感兴趣，比如一些融入了特定地域风物或私人印记的作品。这本画集就像一个精密的标本箱，将这些复杂的历史现象清晰地分门别类，便于我们进行细致的比较和分析。

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这本《中国美术全集》的绘画卷选辑，聚焦于清代的艺术风貌，实在令人耳目一新。我一直对那个时代画坛的复杂性和多样性抱有浓厚的兴趣，而这本分册的编排恰到好处地满足了我的好奇心。从我翻阅过的几册来看，清代绘画的特点，尤其是晚期那种在传统中寻求变革，或者干脆回归传统的矛盾心理，体现得淋漓尽致。那些所谓的“四王”的正统派，他们笔下的山水，那种细腻到近乎刻板的工笔和对古人范式的虔诚模仿，在高清印刷下展现出的笔墨细节，简直就是一堂活生生的传统技法课。我尤其欣赏那些对皴法和点苔处理得极其精妙的作品，它们不仅仅是简单的描摹自然，更像是文人精神世界的一场深度对话。每一次翻阅，都能发现一些先前忽略的、隐藏在墨色深处的微妙变化，这远比走马观花式的浏览要来得深刻得多。对于想要深入理解清代文人画发展脉络的爱好者来说，这套书绝对是不可或缺的工具书。

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装帧和影印的质量，对于研究性的画册来说，是至关重要的，而这套《中国美术全集》在这方面确实做到了极致。清晰度极高，色彩还原度也令人信服，特别是对于那些墨分五色的水墨作品，即便是最淡的宿墨，其层次感和晕染效果也得到了很好的保留。我曾尝试对比过一些老旧的图录，它们往往在墨色过渡处出现断裂或失真，而这本新影印的画册，使得那些对笔触极度敏感的读者能够更准确地“阅读”画家的心手相应。在观察那些巨幅立轴时，我能清晰地感受到纸张的肌理和墨迹在纤维上的渗化，这种物理上的直观感受，是电子设备完全无法替代的，它让我们能够跨越时空，与古代的匠人进行最直接的对话。

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另一让我印象深刻的是，这册子在呈现清代中期到晚期那些民间和地方流派的作品时，展现出了极高的包容度和学术水准。我们常常谈论清初的“四僧”如何开创了新的格局，但事实上，在广大的江南、闽浙乃至岭南地区，都有着各自独特的艺术生态。我特别留意了其中几幅界画和花鸟作品。界画的严谨结构，那种建筑线条的精准把握，在今天看来都是一项近乎失传的技艺，通过这本画册，我得以近距离观察其光影处理和空间透视的奥妙。而一些地方画家的花鸟，则摆脱了主流画派的束缚，色彩更加明快、题材更加世俗化，透露出一种蓬勃的生命力和生活气息，与宫廷和文人院体画的清雅形成了鲜明的对比，这种多元性才是清代绘画真正的魅力所在。

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