云南少数民族器乐篇(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广东音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:15.0

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isbn号码:9787880706307

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《弦歌不辍：中国传统音乐的流变与传承》 导言 音乐，作为人类文明的瑰宝，是情感的载体，是历史的见证。在中国这片古老而广袤的土地上，音乐的发展犹如一条奔腾不息的长河，融合了多元的地域特色、深厚的文化积淀与不朽的民间智慧。本书《弦歌不辍：中国传统音乐的流变与传承》旨在系统梳理和深入探讨中国传统音乐自上古至近代的演进脉络，聚焦于宫廷雅乐的规范化、民间乐种的蓬勃生命力，以及不同历史时期音乐理论的革新与实践，力求展现中国音乐文化博大精深的内在逻辑与审美情趣。本书不涉及任何特定区域的少数民族器乐的单独探讨，而是着眼于宏观的历史发展趋势与主流音乐体系的建构与演变。 第一章：远古的回响与先秦的奠基 本章追溯中国音乐的源头，探讨新石器时代遗址中出土的骨笛、陶埙等早期乐器所揭示的原始律学萌芽。重点分析了在周代礼乐制度下，音乐如何从自然崇拜和祭祀活动中脱离，逐步成为维护社会秩序和伦理规范的核心要素。详细阐述了“六代之乐”的演变，特别是雅乐在宗庙祭祀中的严格程式化，以及“礼”与“乐”互为表里的哲学思想如何塑造了早期音乐的形态。此外，对《诗经》中乐歌的音乐特征及其与文献记载的相互印证进行了细致的考辨，展现了早期中国音乐与文学紧密结合的特征。 第二章：秦汉的融合与魏晋风度的兴起 秦朝的统一为不同地域音乐元素的汇流提供了契机，尽管短暂，但对音乐制度的初步整合影响深远。进入汉代，随着丝绸之路的开辟，西域音乐的大量传入，极大地丰富了汉族音乐的色彩和配器。《汉书·艺文志》中对音乐典籍的记载，为后世研究提供了宝贵线索。本章着重研究了相和歌、大曲的发展，以及以“七弦琴”为代表的文人音乐的初步兴盛。魏晋南北朝时期，社会动荡激发了文人对个体情感的深刻表达，竹林七贤的音乐活动，标志着音乐审美从强调“中正平和”开始向追求“自然率真”的魏晋风度倾斜，为后世士大夫音乐的成熟埋下了伏笔。 第三章：隋唐气象：盛世的音乐交响 唐代是中国古代音乐的鼎盛时期，国力的强盛与开放的胸襟，使得宫廷燕乐、法曲、胡部乐等多元音乐形态达到了前所未有的繁荣。本章详述了唐代燕乐体制的构建，包括燕乐五十调、相生关系的确立，以及复杂的大曲结构——“散序、中序、曲破”的成熟形态。重点分析了教坊和梨园在音乐人才培养与曲目整理中的核心作用。通过对敦煌壁画和唐代文献中乐器图谱的对比研究，展现了琵琶、箜篌等乐器在中原音乐体系中的地位确立，以及宫廷音乐对周边民族音乐的强大辐射力。 第四章：宋代的精致化与文人音乐的深化 宋代社会经济的转型，使得市民阶层音乐活动日益活跃。与唐代的恢弘大气相比，宋代音乐更趋向于内敛、精致与抒情。本章详细剖析了“词”这种文学体裁对音乐的深刻影响，以及“燕乐”体系在宋代宫廷中如何进一步规范化。重点探讨了“诸宫调”的出现对说唱音乐发展的推动作用，以及以文人为主要演奏群体的琴学体系的空前繁荣。通过对宋代琴谱（如《神奇秘谱》的渊源）的分析，揭示了士大夫如何通过音乐实践来寄托其人生哲学与道德情操，构建起一套成熟的室内器乐美学体系。 第五章：元明清：戏曲的崛起与器乐的整合 元代以后，戏曲艺术的蓬勃发展，尤其是元杂剧和明清传奇的成熟，对传统器乐的结构、配器及演奏技法产生了决定性的影响。本章首先梳理了戏曲音乐如何吸收和改造了大量的民间曲牌和俗乐素材，形成了以板腔体为核心的音乐组织方式。在器乐领域，明清时期，以“板桥”类器乐曲（如《十面埋伏》等著名武曲）的成熟为标志，中国传统器乐的叙事性和戏剧性达到了高峰。本章还对这一时期文人琴学在明代中晚期所经历的审美转向，以及清代宫廷对音乐的整理与记录工作进行了细致的梳理，展示了中国传统音乐在漫长的历史长河中，如何通过不断与新兴艺术形式的碰撞与融合，完成自身的继承与革新。 结语 《弦歌不辍》力求以历史的纵深感，勾勒出中国传统音乐从早期律学萌芽到明清成熟形态的宏大图景，展现了不同时代背景下，宫廷、士大夫与民间音乐互动共生的复杂面貌。全书以严谨的史料为基础，侧重于音乐制度的演变、主要体裁的兴衰，以及审美取向的变迁，为读者提供一个理解中国主流音乐文化体系演进脉络的坚实框架。

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这套选集简直是民族音乐爱好者的福音，我特别关注的是那种深埋在西南边陲，那些不为人知、却又充满生命力的乐器。比如，我对葫芦丝和巴乌的音色情有独钟，它们那种穿透云雾的悠扬，总能轻易将我的思绪带到茂密的雨林边缘，听着那清亮或低沉的旋律，仿佛能感受到那片土地上湿润的空气和淳朴的人情味。我一直在寻找更原生态、更少加工的版本，希望能够听到乐器本身最原始的呼吸和共鸣，而不是经过太多现代编曲修饰后的“美化版”。我期望能从中找到一些关于少数民族传统祭祀、婚庆等场合使用的，具有浓厚仪式感的器乐作品，那种现场感和历史的厚重感是录音棚里很难捕捉到的。如果能附带一些乐器制作工艺的介绍或者演奏技巧的文字说明，那就更完美了，这不仅仅是听觉的享受，更是一种文化上的探索和学习，能让人更深入地理解这些声音背后的故事和信仰。

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我一直关注音乐记录的“田野调查”的质量，对声音的清晰度、动态范围和后期处理有着较高的要求。毕竟，这些是极为珍贵的文化遗产，如果录音质量不高，很多细微的演奏技巧和乐器本身的音色特质都会被抹平，那就太可惜了。我特别在乎那些细微的呼吸声、指尖触弦的摩擦声，甚至是演奏者在换气时的微小停顿，这些“非音乐”的元素，恰恰是定义真实性的关键。如果这张专辑的录音是在真实的文化发生地完成的，并且最大程度地保留了现场的声场信息，那将是非常宝贵的。我希望听到的是一种近乎“裸听”的体验，能清晰分辨出不同乐器在合奏中的空间位置，而不是被过度压缩和美化处理过的、听起来“太干净”的合成音轨。

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作为一个对民族乐器形制学感兴趣的人，我非常看重音色和构造的独特性。我一直在寻找那些造型奇特、演奏方式独特的乐器录音，比如那些独弦琴、月琴或者各种形状的吹管乐器。它们是如何从日常生活中汲取灵感，最终演变成能发出如此美妙声音的工具的？我希望这张专辑能体现出乐器材料与自然环境的紧密联系，比如竹子、葫芦、兽骨等天然材料在声音表现上的独到之处。我期待的不是那种“精美复刻”，而是带着岁月的痕迹、略带粗粝感的真实录音。对我来说，听这样的音乐就像在触摸历史的纹理，每一个音符都承载着特定族群在特定地理环境下生存智慧的结晶。如果专辑能提供乐器构造的简单图解，让我对这些“会唱歌的物件”有更直观的认识，那就更好了。

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我最近沉迷于那些极具地域特色的打击乐，特别是那些用竹子、皮革甚至石头敲击出来的节奏。我希望这套专辑里能收录一些节奏复杂、结构多变的鼓点音乐，那些能让人不自觉地跟着打拍子，甚至激发内心原始冲动的乐章。我尤其想知道，在云南那些山谷中，他们是如何通过不同的鼓点来传递信息，或者在劳动和庆典中维持群体同步的？那种纯粹的力量感和韵律美，远比那些流行音乐里的鼓机要震撼得多。如果能区分出不同民族对于“鼓”的理解和应用差异，那就太棒了。比如，傣族的象脚鼓和彝族的羊皮鼓，它们在音色和击打方式上的细微差别，往往蕴含着不同的民族性格和审美倾向。我期待的是一种纯粹的、未经修饰的“听觉现场”，仿佛置身于那个热烈的夜晚，周围环绕着火光和跳动的鼓声。

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我对传统音乐的审美偏好是那种“内敛而深沉”的表达，那种不靠华丽技巧堆砌，而是依靠情绪的张力和旋律的叙事性来打动人心的作品。在众多的民族音乐中，我总觉得云南的某些乐曲有一种独特的“山野的静谧感”，那种如同清晨薄雾笼罩山峦时，偶尔传来的一声悠长的笛音或古朴的弹拨声。我希望收录的曲目中，能有更多体现这种“留白”美学的作品，让听者有时间去呼吸、去沉淀。这与那种热闹喧哗的庆典音乐是截然不同的风格，它更像是独处的冥想，是与自我、与自然进行深度对话的载体。我寻找的是那种慢速、旋律线悠长，充满哲学意味的器乐小品，而不是为了展示高难度技巧的炫技之作。

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