Photoshop 7 影像e点通 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:许丰明

出品人:

页数:335

译者:

出版时间:2003-4

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787505385733

丛书系列:

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视觉艺术的奥秘：《色彩与构图的永恒对话》 书籍简介 书名：色彩与构图的永恒对话 作者：[此处留空，暗示作者深厚的专业积累] 页数：480页 (精装) 定价：RMB 128.00 ISBN：978-7-5086-XXXX-X --- 第一部分：色彩的哲学与科学 本书并非一本关于软件操作的手册，而是一部深入剖析视觉感知本质的专著。它致力于揭示色彩在人类文明、心理学乃至物理学中的深层含义，为读者构建一个扎实的色彩理论基础。 第一章：光影的本质与人眼的构造 本章从物理学角度出发，探讨可见光谱的构成及其与物质表面的相互作用。我们详细研究了光线的性质——反射、折射与散射，如何决定我们所感知的“颜色”。随后，我们将深入人眼和大脑的运作机制，解释感光细胞如何将物理信号转化为神经冲动，以及色彩恒常性（Color Constancy）对我们日常视觉体验的塑造。我们不只是描述“红色是什么”，而是探究“我们如何体验红色”。 第二章：色彩学的古典模型与现代应用 本章系统梳理了色彩理论的发展历程，从牛顿的棱镜实验到卢瑟的色彩立体模型，再到当代工业色彩管理中的关键模型。我们将重点分析以下几个核心体系： 1. RYB模型（颜料混合）： 探讨其在传统绘画中的应用与局限性。 2. RGB模型（光色混合）： 详细解析其在显示技术中的工作原理，以及如何通过精确控制红、绿、蓝三原色的比例来模拟自然界中的绝大多数色彩。 3. CMYK模型（减色模型）： 深入研究其在印刷领域中的应用，特别是油墨的叠加特性与网点技术（Halftoning）如何影响最终的视觉效果。 4. CIE Lab与LCH系统： 介绍这些设备无关的色彩空间，它们如何作为色彩沟通的“通用语言”，确保不同设备间的色彩准确传递，这是高级色彩校正的基础。 第三章：色彩心理学与文化语境 色彩绝非孤立的物理现象，它与人类的情感、记忆和社会文化紧密交织。本章通过跨文化案例分析，探讨不同颜色在不同历史时期和地理区域所承载的象征意义。例如，对“白”的丧葬意义与“红”的喜庆意义的剖析。我们还会讨论色彩对情绪的影响——冷色调的镇静作用与暖色调的激发效果，为设计师提供一个基于科学和经验的色彩情感调配工具箱。 第二部分：构图的结构与叙事力量 如果说色彩是视觉的“语言”，那么构图就是组织这些语言的“语法”。本书的第二部分将引导读者超越简单的“三分法”，进入更深层次的视觉结构设计领域。 第四章：点、线、面的空间几何学 本章将构图基础回溯到最基本的几何元素。我们分析“点”如何转化为视觉焦点，讨论“线”的动态潜能——引导线、轮廓线与分割线，以及它们如何创造深度感和运动感。面的处理则侧重于形状的平衡与负空间（Negative Space）的利用。我们将大量分析古典艺术作品和现代主义建筑中的几何布局，阐明形式如何服务于内容。 第五章：平衡、韵律与视觉重量 构图的核心在于平衡感。本章详细区分了对称平衡、非对称平衡（动态平衡）和径向平衡的微妙差异。我们引入“视觉重量”的概念，解释了颜色饱和度、尺寸、位置和复杂性如何共同影响一个元素在画面中的“重量”。此外，我们探讨了“韵律”（Rhythm）的创造，即如何通过重复、渐变和对比等手法，引导观众的视线在画面中形成流畅的路径，从而讲述一个完整的故事。 第六章：深度、透视与多维空间的营造 本章是关于三维世界在二维平面上再现的系统教学。我们摒弃单一的“消失点”讨论，而是深入探索： 1. 大气透视（Aerial Perspective）： 解释空气中水分和灰尘如何影响远景的色彩和清晰度，以及如何利用色彩的纯度和对比度来模拟距离。 2. 叠压与大小对比： 最直观的深度表达方式。 3. 多点透视与非欧几里得空间： 针对更具实验性和抽象性的视觉表达，探讨如何打破传统透视法则，构建超现实或概念化的空间结构。 第三部分：整合与高级视觉语汇 最后一部分将色彩理论与构图原则相结合，探讨如何在实际的视觉项目中实现和谐与冲击力的完美统一。 第七章：动态平衡中的色彩应用 本章探讨如何利用色彩的属性（色相、明度、饱和度）来“修正”或“加强”构图。例如，在高饱和度的暖色块旁使用低饱和度的冷色块来增加画面的视觉张力，或利用高对比度的明暗交界线来强化引导线的视觉导向作用。我们将分析“色彩焦点”的设置技巧，确保视觉信息传递的层级分明。 第八章：叙事性构图与节奏控制 一个卓越的视觉作品必须具备叙事性。本章侧重于如何通过构图的节奏变化来控制观众的情绪和观看速度。我们分析了“封闭式构图”的稳定感与“开放式构图”的延伸感。通过对经典电影画面、广告海报以及艺术摄影作品的解构，展示如何将色彩的冷暖变化与构图的动静对比相结合，实现复杂的情感表达。 第九章：审美流派与个人风格的建立 本书的最终目标是帮助读者超越技巧的堆砌，形成自己的视觉语言。本章将简要回顾从巴洛克到极简主义等主要视觉艺术流派对色彩和构图的独特理解。我们鼓励读者通过批判性地分析大师作品，理解不同风格背后的哲学动机，最终将理论内化为直觉，形成独特且富有洞察力的个人视觉风格。 --- 本书特色： 理论深度优先： 拒绝提供快捷键或菜单指南，专注于底层原理的阐释。 跨学科视野： 融合了物理学、心理学、艺术史和几何学的知识体系。 案例驱动分析： 大量采用历史上的经典绘画、建筑设计与现代摄影作品进行“结构解剖”。 适用于所有视觉媒介： 本书的原理适用于绘画、摄影、平面设计、电影制作及用户界面设计等所有依赖视觉传达的领域。 适合人群： 对视觉艺术有深刻探究欲望的专业设计师、艺术院校学生、摄影师、视觉传达工作者，以及任何希望提升对世界观察深度的爱好者。阅读本书，您将不再只是“看到”图像，而是“理解”图像的构成方式。

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这书的排版和视觉设计，简直是教科书级别的典范！我手上有很多技术类的书籍，有些内容是干货满满，但排版却让人头疼欲裂，密密麻麻的文字和模糊不清的截图，看两页就想合上。然而，《Photoshop 7 影像e点通》在视觉呈现上做到了极致的清晰与美观。每一个操作步骤的截图都非常精良，色彩准确，关键的点击区域都会用醒目的高亮标记出来，根本不需要猜测“作者到底让我点哪个按钮”。而且，它非常注重阅读的节奏感，不是那种一股脑儿灌输信息的风格。作者巧妙地穿插了一些“专家提示”的小栏目，这些提示往往是工作流中的效率加速器，比如快捷键的组合用法，或者批量处理的思路。我尤其欣赏它对“项目实战”的编排，不是那种简单的“制作一个海报”的流水账，而是设置了具有明确挑战性的目标，比如“如何修复一张严重偏色的老照片”，然后分阶段地展示如何运用不同工具来解决特定问题，这种结构化的学习路径，极大地提升了我的实战能力和自信心。

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说实话，我对市面上很多所谓的“速成”教程都持保留态度，它们往往为了追求速度，牺牲了对核心原理的剖析，导致你学会了操作，却在遇到稍微复杂一点的自定义需求时就抓瞎了。《Photoshop 7 影像e点通》这本书的价值恰恰在于它的“厚重感”——这里的厚重不是指篇幅，而是指知识的内涵。它花了相当大的篇幅去解释Photoshop背后的图像科学原理，比如色彩空间转换对最终输出效果的影响，以及像素级别的重采样技术在放大或缩小时的差异。我记得有一章专门讲图层样式的应用与优化，作者不仅仅是告诉你“点这里可以添加阴影”，而是深入探讨了阴影的扩散半径、光照角度与环境光反射的模拟，这对于我这种需要制作高质量产品渲染图的业余爱好者来说，简直是醍醐灌顶。书中很多高级技巧的讲解，都配有前后对比图，对比效果极其直观，让你能立刻明白“做对”和“做错”之间的巨大差距。更难能可贵的是，这本书并没有停留在软件的特定版本上止步不前，它介绍的方法论具有很强的通用性，即便未来软件升级了界面，核心的逻辑思路依然适用。它教你的不是“按哪个键”，而是“如何思考”。

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天哪，这本书简直是为我这种“数码白痴”量身定做的！我一直对Photoshop心存敬畏，总觉得那是个高深莫测的软件，只有专业设计师才能驾驭。拿到这本《Photoshop 7 影像e点通》的时候，我本来也没抱太大希望，心想可能又是那些晦涩难懂的术语堆砌。结果呢？我简直是打开了新世界的大门！它不是那种直接扔给你一堆工具按钮介绍的书，而是真的从“为什么”开始讲起，就像你身边一个超级有耐心的朋友，手把手教你认识每一个色阶、每一个图层混合模式的实际用途。特别是关于基础的图像调整部分，讲解得极其细致，比如如何用曲线工具微调光影，那种深入浅出的讲解方式，让我这个连“直方图”都看不懂的人，竟然能流畅地进行基础的影调校正了。书中对“选区”的讲解尤其到位，各种选择工具的切换和结合使用，不再是冷冰冰的步骤罗列，而是结合了实际案例，比如如何完美抠出复杂的发丝，那种成就感简直爆棚。这本书的结构安排也很人性化，知识点之间衔接自然，让人在学习的过程中不容易迷失方向，完全没有那种“学了后面忘了前面”的挫败感。对于初学者来说，它提供了一个非常扎实且友好的入门平台，让我对图像处理从抗拒变成了期待。

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我本来以为这种专注于某个旧版本软件的书籍很快就会被市场淘汰，但《Photoshop 7 影像e点通》展现出了一种超越工具版本的生命力。我发现，书中讲解的许多基础和中级修图理念，放在现在最新的CC版本中依然是核心技能。比如它对“蒙版”概念的阐述，讲得极其透彻，区分了图层蒙版、矢量蒙版和通道蒙版的适用场景。在我的实际工作中，我经常需要进行复杂的合成，过去我总是依赖“橡皮擦”工具来做边缘处理，效果粗糙不堪。读了这本书后，我彻底转而使用非破坏性的蒙版工作流程，这不仅让我的修改效率提高了，更关键的是，每次修改都能得到更干净、更专业的结果。这本书的作者在讲解如何处理高光和阴影的细节时，流露出一种对摄影布光原理的深刻理解，这使得书中的修图不仅仅是“美化”，更是一种对原作光影的“重塑与还原”。它引导我开始思考，每一次调整的背后，是否符合光线的物理规律。

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与其他同类书籍相比，这本书在“理论与实践的平衡点”把握得非常巧妙，可以说是“润物细无声”的典范。它避免了将Photoshop变成一门枯燥的工程学，也没有陷入单纯的“图形游戏”泥潭。我记得书中有一段关于“锐化”的讨论，它不仅展示了USM锐化和高反差保留的用法，还深入分析了不同锐化方式对图像噪声的影响，这对于后期处理追求极致清晰度的用户来说至关重要。这本书的语言风格是沉稳而富有启发性的，没有过多花哨的形容词，而是用精确的词汇引导读者深入思考。它更像是一本“方法论手册”，而不是一本“功能说明书”。我通过这本书建立起了一个强大的Photoshop操作框架，现在即便是面对一个我从未接触过的滤镜或新功能，我也能迅速理解其核心作用机制，并将其融入到我现有的工作流程中。这本书真正做到了“授人以渔”，让我从一个被动的使用者，成长为一个能够主动设计和优化图像处理流程的创作者。

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