中国人物画技巧与创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东美术出版社

作者:张丽华

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-01-01

价格:30.0

装帧:

isbn号码:9787533010546

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• 创作

中国人物画技法与创作：一部深入探索人物精神与时代风貌的艺术宝典 《中国人物画技法与创作》并非仅仅是一本讲解绘画步骤的实用手册，它更是一部蕴含着深厚中国文化底蕴，致力于探索人物画精髓，并引导读者突破技法藩篱，抵达创作高峰的艺术著作。本书旨在为广大中国画爱好者、从业者，乃至对中国传统艺术抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有启发性的学习平台。它不仅仅关注“怎么画”，更着重于“为何画”以及“画什么”，旨在唤醒每位读者内心深处的艺术潜能，培养他们观察、理解、表现人物的独特视角与人文关怀。 全书的编排逻辑严谨，循序渐进，从最基础的笔墨训练，到复杂的构图布局，再到人物精神层面的挖掘，层层递进，力求为读者构建一个扎实而完整的知识体系。本书的第一部分，聚焦于中国人物画的基础技法。在这里，我们不会简单地罗列各种线条和皴法，而是深入分析这些技法在中国传统绘画中的历史渊源、美学意涵以及在表现人物时的独特作用。例如，在讲解“线”的表现力时，书中会详细阐述不同线条的力度、速度、粗细、曲直如何影响人物的骨骼、肌肉、衣纹以及内在的情绪。一条刚劲有力的线条，可以勾勒出人物坚毅的性格；一条流畅婉转的线条，则能表现人物的柔美与温婉。书中将通过大量的示范图例，结合具体的人物形象，来阐释这些抽象的技法如何转化为生动的人物形象。 对于“墨”的运用，本书更是着重其在塑造体积感、层次感以及烘托人物氛围方面的作用。从淡墨的轻柔晕染，到浓墨的厚重铺陈，书中将引导读者理解墨色的变化如何模拟光影，赋予人物立体感，并能通过墨色的浓淡枯湿来表现人物的材质感，如丝绸的光泽、粗布的质感，甚至人物皮肤的细腻与粗糙。此外，书中还会重点讲解“皴法”在中国人物画中的应用。不同于山水画中用于表现山石纹理的皴法，人物画中的皴法更多地用于表现人物的衣纹、肌肉以及面部的表情纹路，使其更加具有生活气息和立体感。本书将引导读者理解，这些看似独立的技法，在实际创作中是如何相互配合，共同构建出丰富而细腻的人物形象。 然而，技法始终是为内容服务的。本书的第二部分，人物形象的塑造，是全书的核心所在。它将带领读者走出对单纯技巧的迷恋，进入对人物内在精神世界的深入探索。本书强调，中国人物画的灵魂在于“传神”。“传神”并非仅仅是五官的逼真描绘，更是对人物性格、情感、气质乃至时代精神的深刻捕捉与提炼。在这一部分，书中会详细阐述如何通过观察、提炼人物的“神”——眼睛、表情、姿态、手势等关键部位的描绘，来展现人物的内心世界。例如，书中会分析不同眼神所传递的喜怒哀乐、不同表情所蕴含的复杂情感，以及不同姿态所流露的内在性格。 书中还将深入探讨“骨法用笔”与“神彩”之间的关系。中国画强调“以形写神”，即通过对人物外形的准确把握，来传达其内在的精神气质。因此，本书在讲解人物结构、比例、动态的同时，也会着重分析如何在骨骼、肌肉的描绘中融入情感的表达，如何在衣纹的褶皱中体现人物的体态与性格。对于初学者而言，书中提供了系统的人物结构分析，包括头部、身体、四肢的比例关系、运动规律，以及如何准确把握不同年龄、性别、身份人物的体型特征。通过大量的写生示范和对经典作品的赏析，读者将逐渐掌握观察和描绘人物形体的能力。 更为重要的是，本书将带领读者关注人物的精神世界与时代风貌。中国人物画自古以来就与社会生活、历史事件、人文精神紧密相连。从古代的帝王将相、文人雅士，到近现代的劳动人民、革命先辈，人物画始终是中国社会变迁与精神风貌的生动载体。本书将通过对不同历史时期、不同社会阶层人物的描绘，引导读者理解人物画如何承载历史记忆，反映时代精神。书中会深入分析如何通过人物的服饰、发髻、道具、环境等细节，来准确地反映其所处的时代背景和文化特征。例如，描绘一位古代文人，需要理解其所处的社会文化背景，才能准确地表现其儒雅的气质、超然的品格；描绘一位现代劳动者，则需要深入了解其职业特征、生活状态，才能赋予其朴实而坚韧的生命力。 本书的第三部分，构图与意境的营造，则将读者从单个人物的描绘，引向更广阔的创作领域。构图是中国画的灵魂之一，它决定了作品的视觉中心、节奏韵律以及情感氛围。书中将详细介绍中国人物画中常用的构图法则，如“留白”的妙用，如何通过空白来突出主体、营造意境；“虚实相生”，如何通过虚实结合来丰富画面层次，增强艺术感染力；以及“疏密有致”，如何通过画面的疏密安排来引导观者的视线，突出画面的主题。 此外，本书还将深入探讨“意境”在中国人物画创作中的重要作用。意境是艺术家通过画面所传达的，超越具体形象的，一种难以言喻的艺术境界。它包含了艺术家对生活、对人生、对自然的感悟与体验。书中将引导读者思考，如何通过人物的姿态、表情、环境的烘托，以及笔墨的运用，来营造出引人入胜的意境。例如，描绘一位在雪中漫步的隐士，不仅要表现其身形，更要通过飘渺的雪景、孤寂的笔触，来传达其超凡脱俗、遗世独立的情怀。 本书在创作层面，鼓励读者勇于实践，不断创新。在掌握了基础技法和创作理念后，书中将提供一系列的创作指导，鼓励读者从生活中寻找创作灵感，将自己的情感与思考融入到作品之中。本书会通过分析不同题材的人物画创作案例，例如历史人物、现实人物、神话传说、宗教题材等，来展示人物画创作的广阔空间。书中还会强调，优秀的中国人物画作品，往往是传统技法与时代精神的完美结合。它既要尊重中国画的传统，又要勇于突破，注入新的时代气息和个人风格。 本书的语言风格力求严谨而不失活泼，深入浅出，易于理解。在引用传统理论和技法讲解时，我们会力求准确，并结合现代的视角进行阐释。在示范图例的选择上，本书将涵盖从古代大师的经典作品到当代优秀艺术家的创作实践，力求为读者提供一个多元化的学习范本。同时，本书也将穿插一些对中国绘画史上的重要艺术家及其作品的赏析，帮助读者建立对中国人物画发展脉络的宏观认识。 总而言之，《中国人物画技法与创作》是一部面向未来的艺术学习指南。它不仅仅教授绘画技巧，更重要的是，它致力于培养读者对人物画的深刻理解，对中国文化的传承与创新，以及对艺术创作的热情与追求。本书期望能够成为每一位中国人物画爱好者道路上的良师益友，陪伴他们一同探索人物画的无穷魅力，创作出触动人心的艺术作品，并将中国人物画的优秀传统发扬光大。

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这本书的装帧和图例质量实在令人赞叹，这无疑提升了阅读和学习的体验。那些精选的历代名作的高清局部放大图，简直就是微观的艺术课堂。我尤其欣赏作者在对比分析时所采用的“正反例”手法。例如，在讲解“衣纹处理”时，书中会并列展示几种常见的错误画法——比如衣纹与身体结构脱节、线条过于僵硬等——然后紧接着给出正确的、富有生命力的处理方式。这种直观的对比，比单纯的理论阐述要有效得多。此外，书中对“背景与环境”在人物画中所起到的烘托作用也进行了深入的探讨。它教会我如何通过简单的几笔山石或几笔环境的烘托，来强化主体人物的精气神，使画面不再是孤立的人物形象，而是融入了特定情境的生命体。这种对**整体画面感**的强调，让我的创作视野一下子开阔了许多，明白了一幅成熟的作品是如何在细节与整体之间取得微妙平衡的。

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这本书的视角相当独特，它没有将创作过程视为一系列孤立技巧的堆砌，而是把它置于一个更宏大的**文化与哲学背景**下去考察。我之所以这么说，是因为作者花了很大篇幅探讨了“意在笔先”的中国哲学思想如何渗透到人物的造型之中。举例来说，在论述“写意”人物时，作者并没有停留在“写意”就是寥寥数笔的表面认知上，而是深入剖析了道家“虚实相生”的观念是如何通过留白和用墨的浓淡来实现的。这对我理解中国画的“气”与“韵”至关成了关键。我一直以为画人物就是把人画像，但这本书让我意识到，中国人物画的终极目标是**“传神”**，是捕捉到瞬间的生命力与永恒的意境。书中对古代画家如顾恺之、吴道子等人的创作理念进行了现代化的解读，使得那些遥远的名字和晦涩的理论变得生动起来。特别是关于“结构与解剖”的讨论，作者巧妙地平衡了写实基础与写意升华之间的关系，提供了既能保证人物结构准确，又不失水墨趣味的实用方法。这本书对于希望从匠气中脱离出来的学习者，绝对是醍醐灌顶之作。

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我个人认为，这本书最难能可贵的一点，在于它对**“个人风格”的激发**和**创作路径的选择**提供了宝贵的引导。在学习了众多经典技法之后，许多人会陷入“模仿”与“创新”的矛盾之中。这本书巧妙地设置了一个章节，专门讨论如何将所学的传统笔法“拆解”并“重构”为自己的语言。作者鼓励读者去关注自己最容易产生共鸣的情感主题，然后反过来寻找最能表达这种情感的笔墨语言，而不是先掌握技巧再寻找题材。例如，如果一个人天性沉静内敛，作者会建议他多研究南派的秀逸线条与淡墨晕染；如果热情奔放，则推荐北派的粗犷笔力和强烈对比。这种以“心性”指导“技法”的思路，让学习过程从机械训练升华为一场自我探索的旅程。它不是简单地告诉你“怎么画好一张画”，而是引导你思考“**我想通过我的画告诉世界什么**”，这对于任何严肃的艺术创作者来说，都是无法估量的财富。

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这本书简直是艺术学习者的福音，尤其是对于那些对水墨人物画情有独钟，却苦于找不到系统、深入的技法指导的人来说。我一直很困惑于如何才能将中国画那种特有的“气韵生动”表现出来，临摹了许多古人的作品，总觉得总是在皮毛上打转，缺乏对内在精神的把握。这本书没有过多地纠缠于那些陈词滥调的理论，而是直接切入了核心——**如何用笔墨去塑造人物的性格与情感**。书中对不同时代、不同流派人物画的风格演变进行了清晰的梳理，让我明白了为什么唐代的丰腴和宋代的清瘦会产生，这背后的审美取向和时代精神是多么重要。更让我惊喜的是，它详细讲解了“线描”在人物画中的核心地位，从起稿的骨架勾勒，到不同力度的皴擦渲染，每一个步骤都配有极具启发性的图例。我特别喜欢其中关于“眼神”的处理章节，作者用非常细腻的笔触展示了如何通过眼部的细微变化来传达人物的喜怒哀乐，这比单纯的五官描绘要高明得多。这本书不仅仅是一本技法手册，更像是一位经验丰富的老师，在你耳边细语，引导你走进中国人物画的深层世界。读完之后，我感觉自己对笔墨的控制力有了一个质的飞跃，不再是机械地模仿，而是开始尝试注入自己的理解和情感。

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我必须承认，起初我对这类“技巧与创作”的书持保留态度，总觉得它们往往华而不实，教条过多。然而，这本让我彻底改变了看法。它的**实战性**和**可操作性**是其最大的亮点。书中对不同体态人物的动态捕捉进行了非常系统化的训练步骤设计。比如，要画一个动态的舞蹈人物，作者提供的不是一个固定的范式，而是分解为“重心转移分析”、“关键关节锁定”、“动势趋势线”等几个阶段，每一步都有明确的指导目标。对于初学者可能遇到的用墨上的困惑，比如如何调出既有层次感又不显脏污的墨色，书中也给出了非常详细的实验室级别的配方和实践建议。更贴心的是，它还探讨了如何根据不同的纸张特性（宣纸、皮纸等）来调整运笔的速度和水分的控制，这在其他很多教材中是很少提及的细节。这不仅仅是“教你怎么画”，更是“教你如何根据环境和材料来驾驭你的工具”。阅读这本书的过程，就像是跟着一位经验丰富的画师在画室里进行一对一的指导，每一个步骤都经过了无数次实践的检验，让人倍感可靠。

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在书房最底下的柜子里发现了这本书（山东美术出版社1998年1月第1版 1998年1月第1次印刷 印数：1——5200），封面是一个梳着麻花辫、戴眼镜的少女。翻看了目录，对工笔、写意都做了一些基础介绍，是入门级的辅助阅读材料。

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在书房最底下的柜子里发现了这本书（山东美术出版社1998年1月第1版 1998年1月第1次印刷 印数：1——5200），封面是一个梳着麻花辫、戴眼镜的少女。翻看了目录，对工笔、写意都做了一些基础介绍，是入门级的辅助阅读材料。

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在书房最底下的柜子里发现了这本书（山东美术出版社1998年1月第1版 1998年1月第1次印刷 印数：1——5200），封面是一个梳着麻花辫、戴眼镜的少女。翻看了目录，对工笔、写意都做了一些基础介绍，是入门级的辅助阅读材料。