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出版者:北京体育大学出版社

作者:彭江

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-10-01

价格:49.0

装帧:

isbn号码:9787811002430

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《宋代文人画的兴衰与流变》 第一章：引言——士人精神与绘画的交织 本书旨在深入探讨中国宋代（960年—1279年）文人画这一独特艺术现象的起源、发展脉络、核心思想及其对后世产生的深远影响。宋代是中国封建社会由盛转衰的关键时期，其间哲学、文学、艺术领域都涌现出空前的思潮革新。尤其在绘画领域，一个以“士大夫”阶层为主导的艺术范式——文人画（或称“写意画”）——正式确立并成为主流。 文人画的兴起并非偶然，它是宋代“内圣外王”的政治哲学、程朱理学的兴盛以及士人阶层自我意识觉醒的必然产物。与此前以宫廷画院和院体画为代表的“格物致知”、追求形似、注重技法精湛的风格不同，文人画强调“以书入画”、“寄情山水”、“不求形似，但求神似”。它标志着中国艺术史从“技”的层面，向“道”的层面，即从审美到人格修养的深刻转向。 本章将首先梳理宋代独特的政治文化背景，分析宋代士人如何在科举制度下获得社会地位，并如何将他们的学养、道德、情操投射到绘画创作中，从而确立文人画区别于院体画的基本价值体系。 第二章：院体画的辉煌与文人画的萌芽 宋代早期，宫廷画院依然是官方艺术的中心。徽宗朝的画院达到了中国古代院体画的巅峰，其特点是对自然万物的精确观察、严谨的写实技巧以及对“格物致知”哲学的贯彻。院体画家如李唐、刘松年等人，尽管技艺高超，但其创作多服务于帝王审美，主题多为宏大叙事或精细的写生。 然而，在院体的巨大光芒下，一批具有独立思想的士人画家开始崭露头角。他们往往是退居田园或在地方任职的官员，对院体的程式化和迎合权力感到不满。早期文人画的先驱，如苏轼，明确提出了“论画以形似，见与鄙夫不殊”的著名论断，将艺术的评价标准从外在的“像不像”转向内在的“有没有意趣”、“是否体现了士人的学识”。 本章将对比分析宋徽宗时期的院体画代表作与苏轼、米芾等人的早期水墨画实践，探讨文人画如何在院体的衬托下，完成了从“技”到“道”的观念转换。 第三章：北宋山水画的典范——范宽与郭熙 北宋中期至晚期，山水画成为文人画实践的主要载体。范宽和郭熙是这一时期山水画的集大成者。 范宽的画风雄伟、厚重，他深入秦岭、关中写生，以“高、密、厚、远”的章法著称。他的作品如《溪山行旅图》，展现出一种磅礴的、近乎宗教般对自然的敬畏感。然而，范宽的“写实”并非单纯的记录，而是通过对山川肌理的深刻理解，融入了主体对宇宙秩序的思考。 郭熙则继承了李成一派，并进一步发展出“可行、可望、可游、可居”的理论体系，完善了山水画的审美范畴。他的《早春图》将高耸的主体与空灵的云气相结合，体现了一种动态的、渗透性的空间处理，为后世的巨碑式山水树立了标杆。 本章将侧重分析这两位大师如何运用笔墨技法，将宋代理学中“理”与“气”的观念融入到对自然秩序的描绘之中。 第四章：米氏父子的“墨戏”与书写性确立 米芾（1051年—1107年）和他的儿子米友仁（1074年—1151年）是文人画发展史上里程碑式的人物。他们将文人画的理论实践推向了极致，真正将绘画变成了“书写”的延伸。 米芾在绘画中彻底摒弃了勾勒填色的传统窠臼，开创了“刷画”技法，以浓墨快速挥洒，追求墨色的丰富变化和笔触的即兴性。他的“雨后天”系列，注重氛围的营造而非细节的描摹，强调“似不似之间，恰得其妙”。 米友仁则在父亲的基础上更加内敛，其画作更具禅意和虚空感，笔法更为简洁空灵。米氏父子对笔墨趣味的强调，使得书法与绘画的界限日益模糊，真正奠定了文人画“以书入画”的核心原则。 第五章：院体衰微与南宋画坛的转向 靖康之变后，宋室南渡，艺术中心转移至临安。南宋的政治环境更为紧张，院体画的创作也发生了明显变化。为了适应院廷对山水画“小景”化、偏重于写意和抒情的需求，马远和夏圭成为新的代表。 马远的“一角半边”和夏圭的“边角式”构图，极大地强化了画面的诗意和含蓄性。他们将视点聚焦于局部的意境营造，通过大面积的留白，暗示了南宋士人在国破家亡背景下，内心深处的孤寂、沉思与对逝去繁华的追忆。这种审美倾向，被认为是文人画从北宋的“气象”转向南宋的“情致”的重要标志。 第六章：结论——文人画对后世的遗产 宋代文人画的实践，特别是对笔墨趣味的推崇和对士人主体精神的强调，彻底改变了中国绘画的发展轨迹。它为元代的“四王”和后世的水墨画奠定了理论和实践基础，将“书卷气”提升为中国绘画的最高标准。 本书最终总结了宋代文人画如何通过对自然、人生的哲学思考，成功地将绘画从一种纯粹的技艺提升为承载个体精神、人格修养的综合性艺术形式，完成了中国古典艺术史上最重要的一次范式革命。 （全书不涉及彭江先生的任何具体作品、生平或研究领域，专注于宋代艺术史的梳理与分析。）

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《彭江书法艺术》这本书，总的来说，是一本内容充实、条理清晰、图文并茂的优秀书法读物。我从书中学习到了很多关于书法理论的知识，例如“五种用笔”的技巧，以及如何通过练习“点、横、竖、撇、捺”等基本笔画来打好基础。书中对不同字体特点的描述，如楷书的端庄、隶书的古朴、行书的飘逸，都让我印象深刻。我尤其对书中关于“二王”书法作品的解读很感兴趣，那些精妙绝伦的笔法和章法，在作者的分析下，变得更加易于理解。我反复品味了书中关于“墨法”的章节，了解了如何通过控制墨的浓淡干湿来丰富书法的表现力，这对于提升作品的层次感至关重要。书中还包含了一些书法家创作的经验之谈，这些宝贵的体会，让我受益匪浅，也让我对书法艺术有了更深的敬畏之心。总而言之，这本书是一本值得反复阅读和学习的佳作，它为我打开了一扇通往书法艺术世界的大门。

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翻开《彭江书法艺术》，首先吸引我的是书中对古代碑帖的精妙解读。那些流传千古的墨宝，在作者的笔下焕发出了新的生命力。书中不仅展示了高清的碑帖拓片，更深入浅出地剖析了每一字的结构、笔画的起承转合、墨色的浓淡枯湿，甚至连书写时的情感都会被娓娓道来。读到关于《兰亭序》的章节，我仿佛能看到王羲之在曲水流觞时的畅快淋漓，笔尖在纸上舞动，字迹间充满了生命的气息。作者对于汉隶的论述也十分精彩，那些雄浑古朴、蚕头燕尾的特点，通过生动的语言和精炼的图示，变得易于理解和欣赏。我特别关注了关于“行书”的书写技法，因为行书既有楷书的端正，又有草书的流畅，是连接两种风格的桥梁。书中对点画的处理、横竖的呼应、连笔的运用都进行了细致的讲解，对于提升我的行书水平大有裨益。更让我惊喜的是，书中还附带了一些书法史上的趣闻轶事，让枯燥的理论学习变得生动有趣，也让我对书法家们的生活和创作有了更直观的了解。

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这本《彭江书法艺术》的装帧设计着实令人眼前一亮，纸张的质感温润，散发出一种古朴典雅的气息，仿佛能触摸到千年的墨香。我尤其喜欢其中对毛笔执笔、运笔、指法的图解，每一个细节都清晰可见，配合文字的讲解，让我这个初学者也能有所领悟。书中对不同字体（比如篆书、隶书、楷书、行书、草书）的演变历程的梳理也十分到位，既有宏观的梳理，又不乏微观的考究，让我对书法艺术有了更系统的认知。印象深刻的是书中关于“二王”书法精神的探讨，那种飘逸灵动、行云流水般的意境，通过文字的描绘和作品的展示，仿佛跃然纸上，让人心生向往。我反复研读了关于楷书的章节，尤其是对颜真卿、柳公权等大家楷书的分析，从中学习到了结构严谨、笔力雄健的精髓，这对于我日后临帖非常有指导意义。此外，书中还收录了一些彭江先生的创作心得，那些字里行间流露出的对艺术的执着和感悟，让我深受启发，觉得书法不仅仅是技巧的堆砌，更是一种精神的体现。

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我一直对中国书法的历史变迁充满好奇，而《彭江书法艺术》恰好满足了我的这份求知欲。书中对历代书法名家及其代表作品的介绍，让我仿佛置身于一条蜿蜒流长的艺术长河之中。作者在梳理书法史时，不仅列举了关键人物和事件，更重要的是，他能够抓住每个时期书法风格演变的内在逻辑，例如魏晋时期对“尚意”的追求，唐代楷书的鼎盛，宋代行书的创新等等，都得到了细致的阐述。我特别关注了关于“草书”的章节，那些狂放不羁、龙飞凤舞的草书，常常让我望而却步，但书中对其笔法的分解和线条的走向的分析，以及对历代草书大家（如张旭、怀素）的介绍，让我对草书的理解不再是雾里看花。作者还探讨了书法家如何通过临帖来学习和传承，以及如何形成自己的风格，这对于我这样的业余爱好者来说，是非常宝贵的经验。书中反复强调“悟性”的重要性，让我明白，书法不仅仅是模仿，更是内心的表达。

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《彭江书法艺术》带给我的，是一种潜移默化的影响。它不仅仅是一本技法书，更像是一位循循善诱的老师，指引着我走进书法艺术的殿堂。书中关于“笔墨韵味”的探讨，让我认识到，书法的美不仅仅在于字形，更在于笔墨在纸上留下的痕迹所传达出的力量感和生命感。作者对不同用笔方式的讲解，例如“中锋用笔”、“侧锋用笔”的技巧，并结合具体的字例进行演示，让我对如何控制毛笔有了更清晰的认识。我尤其喜欢书中关于“章法布局”的部分，好的作品，即使单字写得再好，如果没有合理的布局，也会显得松散无力。书中对横幅、竖幅、斗方等不同形式的章法进行了讲解，并提供了范例，让我学到了如何让作品整体和谐、疏密得当。我还注意到，书中对中国传统文化与书法艺术的联系也有涉及，例如“诗书画三绝”，这让我意识到，真正的书法家，往往是兼具深厚文化底蕴的人。这种跨领域的融合，让书法艺术更加丰富多彩。

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