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页数:24

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出版时间:2003-1

价格:25.00元

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isbn号码:9787805264400

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中国建筑史：从古代宫殿到现代都市的演变 本书旨在系统梳理中国建筑艺术的悠久历史与辉煌成就，深入剖析不同历史时期建筑风格的形成、特征及其背后的文化意蕴。我们不谈论绘画技法，而是将目光投向砖石、木构与空间的艺术——中国建筑的世界。 第一章：远古的回响与文明的基石（史前至夏商周） 本章追溯中国建筑的源头。从新石器时代河姆渡干栏式建筑的湿热应对，到仰韶文化半坡遗址的圆形或方形半地穴式居所，展现了早期人类对自然环境的初步适应与改造。 随着青铜文明的兴起，礼制开始渗透到建筑形态中。夏商周三代的都城规划，尤其是周代严格的“前朝后市”布局，确立了中国古代都城设计的核心原则。我们将详细解读《周礼·考工记》中关于都城营建的理论，分析其对后世产生的深远影响。这一时期的建筑，虽然实物留存不多，但已展现出夯土技术、木构架雏形以及等级制度对建筑形制的影响。重点讨论了宗庙、宫室的初步形制，以及礼仪空间在建筑中的初步体现。 第二章：帝国的奠基与规范的形成（秦汉时期） 秦汉帝国统一，带来建筑规模的空前扩张和形制的标准化。秦始皇陵及其庞大的地下工程体系，标志着土木工程技术的飞跃。汉代宫殿，如未央宫、长乐宫，以其恢弘的气势，奠定了后世皇宫建筑的基调——中轴对称、层层递进的序列感。 本章详述汉代成熟的木构架体系，特别是斗栱（斗拱）结构的初步完善及其承重与装饰的双重作用。对汉代画像砖、壁画中反映的建筑场景进行细致考证，还原了汉代民居、坞堡（防御性建筑）以及阙楼的真实面貌。着重分析了这一时期地方官署和贵族庄园的特点，探究了“深宫”与“民居”在材料、规模和布局上的显著差异，以及“事死如事生”的丧葬建筑（如明器）中对现实建筑的模仿。 第三章：多元融合与风格的成熟（魏晋南北朝至隋唐） 这是一个充满变革与交流的时代。佛教的传入极大地丰富了中国的建筑语汇。本章详细考察了石窟寺（如云冈、龙门）中的殿堂建筑形制，以及塔（Stupa）的中国化过程，探讨了印度-中亚建筑元素如何与本土木构技术相结合，形成了独具特色的楼阁式塔和密檐式塔。 隋唐时期，国力强盛，建筑艺术达到鼎盛。长安城体现了古代城市规划的巅峰之作。唐代建筑的特点是：结构简洁、气势雄浑、用材硕大、斗栱出檐深远。我们将聚焦于唐代官式建筑的模数制（如“材”的运用），分析唐代寺庙（如大明宫、兴福寺遗址）的平面布局和单体建筑的比例关系，对比分析其与宋代风格的演变脉络。 第四章：精细化与装饰的时代（宋辽金元） 宋代是中国古代建筑技术理论走向成熟的标志。李诫所著的《营造法式》，是现存最完整、最系统的古代建筑技术规范，本书将以此为核心文本，深入解析宋代建筑的模数系统、构件规格及施工工艺。 与唐代的雄浑相比，宋代建筑趋于精巧、秀丽。斗栱的比例缩小，结构功能被装饰作用逐渐增强。我们关注两宋时期园林艺术的兴起，探讨苏州园林的前身如何孕育，以及文人审美如何影响建筑细节的处理（如“花样”“彩画”的精致化）。元代建筑则在汉族传统基础上，融入了蒙古族的特色，尤其在宫殿和宗教建筑的色彩运用上有所体现。 第五章：集大成与最后的辉煌（明清） 明清两代，建筑艺术进入集大成阶段，同时也是传统木构体系的“定型期”。皇权的高度集中，使得紫禁城成为中国宫殿建筑的终极范本。本章将全面解析紫禁城的“前朝后寝”布局、中轴线的绝对地位、色彩制度（黄琉璃瓦、朱红墙）的等级象征意义，以及严格的开间制度。 我们深入剖析清代官式营造的规范化，如《工部工程做法则例》的特点。斗栱在此时期演变为纯粹的装饰构件，而梁架结构和彩画图案则达到了登峰造极的复杂程度。同时，本章还将梳理中国古典园林的巅峰——苏州私家园林（如拙政园、留园），分析其“咫尺之内再造乾坤”的空间哲学，以及叠山理水、漏窗虚隔等手法。此外，对地方特色建筑（如徽派的马头墙、福建的土楼）进行专题研究，展示地域文化对建筑形式的塑造。 第六章：传统与现代的交汇（近代至当代） 本章探讨晚清至民国时期，西方建筑思潮对中国建筑的冲击与融合。西方教堂、领事馆、租界洋房的涌入，带来了钢筋混凝土、券拱等新材料和新结构。分析了“折中主义”风格的产生，以及中国知识分子在寻求“中国式”现代化建筑道路上的探索。 进入新中国后，建筑面貌发生了根本性变化。从苏式规划到“大跃进”时期的粗放建设，再到改革开放后的全球化影响，本章将梳理不同历史阶段的城市规划理念和公共建筑的典型案例，探讨如何在继承传统空间观念（如群体组合、轴线强调）的同时，接纳现代功能的需求与技术。最后，展望当代中国建筑师在世界舞台上的实践，以及对传统符号的当代转译和创新性运用。 全书通过对材料、结构、布局、审美和文化内涵的综合考察，构建起一部立体、深入的中国建筑史画卷，旨在让读者领略这一古老而充满生命力的建筑体系的博大精深。

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这本书不仅仅是一本绘画技法书籍，更像是一部中国人物画的发展史。通过阅读这本书，我对中国人物画的发展脉络有了更清晰的认识，也更加了解了不同时代、不同画家在中国人物画发展中所做出的贡献。书中对于一些流派的起源和发展演变都有详细的介绍，这让我对整个中国人物画体系有了更宏观的把握。

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这本书的排版和印刷质量都非常出色，大量的精美图片，让我在阅读的同时，也能够欣赏到许多珍贵的艺术作品。每一幅作品都配有详细的文字说明，让我能够更好地理解作品的创作背景和技法特点。我经常会一边翻阅，一边在脑海中构思自己的作品，这本书给我提供了源源不断的灵感。

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我一直对中国传统绘画中的“神韵”二字非常着迷，但总觉得难以捉摸。这本书在这方面给予了我极大的启发。书中对不同画家如何表现人物“精神”的解读，让我受益匪浅。比如，书中对顾恺之《洛神赋图》中人物情感的描绘，不仅仅是简单的线条勾勒，而是通过眼神、姿态、衣纹等细节，将人物内心的思绪和情感表现得淋漓尽致。我尝试着在自己的人物画创作中，有意识地去捕捉和表达这种“神”，不再满足于形似，而是追求“意”的传达。这种转变，让我的画作变得更加有生命力，也让我对绘画的理解提升到了一个新的高度。

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我一直对中国工笔人物画的细腻和精致情有独钟，而这本书在这方面的内容也让我大饱眼福。书中对工笔人物画的色彩运用、线条勾勒、晕染等技巧进行了非常详细的讲解，并且还附带了许多精美的范例。我曾经尝试过临摹一些工笔人物的眼睛，总是觉得不够生动，而书中的讲解，让我明白了一些关键的用色和晕染技巧，现在我能够画出更具神采的人物眼睛了。

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这本书的语言风格非常亲切，虽然是技法讲座，但丝毫没有枯燥乏味之感。作者用通俗易懂的语言，将复杂的绘画理论和技巧一一阐释清楚，并且还穿插了许多生动有趣的小故事和案例，让我在学习的过程中充满了乐趣。我尤其喜欢书中关于如何处理人物面部表情的章节，作者通过对比不同名家的处理手法，详细讲解了如何运用寥寥数笔勾勒出人物的喜怒哀乐。我按照书中的方法，反复练习，感觉自己的面部刻画能力有了显著的提升。

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我一直在寻找一本能够帮助我深入理解中国传统绘画“意境”的书，而《中国人物画名家技法讲座》无疑给了我巨大的惊喜。书中对不同画家如何营造画面意境的分析，让我意识到，人物画不仅仅是画人，更是画情、画境、画魂。作者通过对画面空间布局、笔墨变化、色彩搭配等方面的深入讲解，帮助我理解了如何才能让画面充满诗意和哲理。

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初拿到这本《中国人物画名家技法讲座》，原本只是抱着学习的心态，想从中汲取一些国画人物的绘画技巧，没想到翻开之后，却被书中那一股股浓厚的艺术气息深深吸引。首先吸引我的，是书中对古代绘画大师的介绍，那些如数家珍般的经典作品，不仅展现了古人的高超技艺，更传递了一种跨越时空的文化传承。我特别喜欢其中关于唐代阎立本的章节，书中不仅分析了他《步辇图》中人物的动态和神情，更深入探讨了他如何将写实与写意相结合，以及他笔下人物所蕴含的时代精神。我一边读，一边回想起自己曾经在博物馆里近距离欣赏这幅画时的震撼，书中详细的技法讲解，让我茅塞顿开，仿佛一下子找到了当初那种观画时的感觉，并且能更深刻地理解作者的创作思路。

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在阅读《中国人物画名家技法讲座》的过程中，我深深体会到了一位优秀的艺术家，不仅要有精湛的技艺，更要有深厚的文化底蕴和对生活敏锐的观察力。书中对不同画家生活经历和创作理念的介绍，让我觉得他们笔下的人物不仅仅是简单的形象，更是他们对社会、对人生的思考和感悟的载体。例如，书中在介绍齐白石老人的人物画时，不仅仅谈了他的笔墨技巧，还着重强调了他如何将市井生活中的人物形象融入到自己的绘画创作中，那些充满生活气息的人物，往往是最能打动人心的。

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这本书的结构设计得非常合理，它并没有局限于单一的绘画风格或时期，而是广泛地涵盖了从古代到近现代的各种人物画流派和代表性画家。这对于像我这样希望对中国人物画有一个全面了解的初学者来说，无疑是一份珍贵的宝藏。我尤其欣赏书中对于不同画家在构图、用笔、设色等方面的细致剖析。例如，在介绍清代任伯年时，书中详细地讲解了他如何运用兼工带写的手法，以及他笔下人物所特有的那种雅致与生动。我尝试着按照书中的提示，临摹了几幅任伯年的人物小品，虽然距离大师的水平还有天壤之别，但我能明显感觉到自己的线条运用和墨色层次有了进步。

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总而言之，这本《中国人物画名家技法讲座》是一本非常值得推荐的书籍，无论你是初学者还是有一定绘画基础的画者，都能从中获益匪浅。它不仅传授了精湛的绘画技法，更重要的是，它引导我走进了一个更加广阔的艺术世界，让我对中国传统文化和艺术有了更深的理解和热爱。我相信，通过不断地学习和实践，我一定能在人物画创作的道路上不断进步。

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