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出版者:中国纺织出版社

作者:金宝升

出品人:

页数:70

译者:

出版时间:2003-1

价格:22.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787506425032

丛书系列:

图书标签:

• 立体构成
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• 视觉艺术

《光影的秘密：二维平面上的三维感知》 内容简介 本书并非聚焦于传统意义上的“立体构成”，而是深入探讨人类视觉系统如何理解和再现三维空间，尤其侧重于在二维介质上构建逼真空间感的技巧与理论。我们将完全规避结构性、几何形态的堆砌与组合，转而探索光影、透视、色彩深度、纹理变化等一系列能欺骗人眼的视觉语言。 第一章：人类视觉的“错觉工厂” 本章首先解构人眼的生理构造及其局限性，解释大脑如何通过双眼视差（Binocular Disparity）构建深度信息。随后，我们将重点分析视觉感知中的认知偏差。我们不会讨论如何切割和拼接形状，而是剖析“错觉透视”——例如，如何利用边缘的收敛、物体的遮挡关系（叠压原则），在纯粹的平面上营造出空间层次感。讨论将聚焦于格式塔心理学中关于“完形”的原理，如何利用不完整的视觉线索让观者的大脑自动“补全”缺失的深度信息。我们还将介绍“深度线索”的分类，包括绝对深度线索（如已知物体的尺寸、清晰度）和相对深度线索（如纹理梯度、大气透视）。 第二章：光线的戏剧性：明暗与体积的塑造 本部分是全书的核心，彻底颠覆将光影视为简单着色的观念，将其视为构建体积的唯一工具。我们摒弃机械的打光公式，转而研究光源的性质（点光源、漫射光、环境光）如何影响物体的形态感知。 体积的暗示：高光与反光：详细分析高光点（Highlight）的位置、形状和强度如何定义物体表面的材质——是光滑的金属、磨砂的塑料，还是湿润的皮肤。我们探究“反光”在复杂曲面上的扭曲规律，这种扭曲是构建空间深度的关键。 阴影的语言：环境光遮蔽（AO）与投射影：环境光遮蔽不再仅仅是阴影，它是两个物体彼此靠近的程度的量化表达。我们将深入研究投射影的边缘锐度与光源距离的关系，以及“柔和阴影”如何暗示开放空间，而“锐利阴影”如何固化近距离的接触感。这一部分将完全以物理光学原理为基础，解释为何某些角度的光线会使物体显得更“凸出”或更“凹陷”。 第三章：透视学的心理学应用：而非机械几何 虽然透视是构建空间的基础，但本书不教授如何用尺子画消失点。相反，我们探讨透视的“选择性使用”。 空气透视与色彩的消退：大气层对远景的影响是构建广阔空间的关键。我们将详细考察色彩饱和度、明度、对比度随距离衰减的规律。远处的物体如何“褪色”并趋向环境色，而近处的物体如何保持强烈的色彩对比和清晰的边缘。 视平线与视角的选择：讨论不同的视平线高度（仰视、俯视、平视）对空间叙事的影响。一个过高的视平线如何压缩纵深感，而一个极低的视平线如何夸张前景的体量。这是一种情绪化的空间控制，而非纯粹的几何定位。 失真与张力：分析广角镜头（或接近鱼眼效果）如何故意扭曲透视关系，制造出极端的空间张力，以及这种技术在艺术表达中的应用。 第四章：纹理与细节的深度地图 纹理是平面上最直接的“深度标记”。本章阐述如何通过纹理的疏密变化来指示深度。 纹理梯度与压缩：观察地面或墙面上的重复纹理（如砖块、木纹）如何随着距离的增加而变得越来越密集、越来越小。这种“纹理的收缩”是构建空间纵深感的强大工具。 细节的衰减：探讨清晰度对深度判断的重要性。近处物体的表面细节（如毛孔、划痕）必须清晰可见，而远处物体即便尺寸相近，也必须被“模糊化”处理。我们将介绍如何在二维媒介中模拟这种“焦点前移”的效果，以引导观众的注意力并确立空间层次。 第五章：动态中的空间：运动与时间感 本章拓展到时间维度对空间认知的干预。如果说前几章关注静态的瞬间，那么本章则关注运动如何揭示或改变空间结构。 运动模糊（Motion Blur）的深度指示：分析高速运动物体边缘的模糊形态，如何暗示物体相对于观察者和背景的相对速度和距离。一个快速掠过的物体所产生的拖影，其形态本身就承载了三维信息。 轨迹与路径的引导：通过绘制运动轨迹，我们实际上在二维平面上定义了一个三维行进的路径。讨论如何利用曲线的张力和收缩规律，使路径看起来是蜿蜒深入或突然跃出的。 总结：感知的主动构建 全书旨在强调，成功的“空间再现”不是对物理世界的复制，而是对人类感知系统的精密操纵。它是一门关于视觉心理学、光学原理和叙事节奏的结合艺术，让二维媒介拥有了触觉般的深度体验。本书为创作者提供的是一套分析和应用工具，用以精妙地设计观众的视觉旅程，使其在大脑中“构建”出逼真的三维世界。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时正在为一个需要解决空间关系难题的项目苦恼，手头上的资料大多停留在二维的平面图解上，显得干涩而抽象。翻开这本厚厚的著作后，我立刻被它那种近乎“直觉式”的引导力所吸引。作者似乎深谙初学者在面对三维空间时的迷茫点，没有一上来就抛出晦涩的理论公式，而是循序渐进地从最基础的体块组合开始，用非常具象化的例子来解释空间是如何被切割、穿插和重构的。那种“原来如此”的顿悟感是其他任何资料都无法给予的。我发现自己不再是生硬地去“记忆”结构，而是开始“感受”空间本身的可塑性和无限可能性。这种教学方法，对我这种偏重实践操作的人来说，无疑是打通了任督二脉，让原本枯燥的几何逻辑瞬间变得生动有趣起来，简直是解救我于水深火热之中的救星。

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作为一名已经从业多年的设计师，我本以为自己对立体思维已经足够成熟，但在阅读这本书的某些章节时，还是被其中对“负空间”和“非欧几里得空间”的讨论深深地震撼了。作者对于空间边界的处理方式，提出了很多颠覆性的观点，让我开始反思自己以往在设计中过于依赖“可见实体”的局限性。书中有一组关于如何通过光影和环境的暗示来构建“缺失的体量”的案例分析，逻辑严密得令人拍案叫绝。它不仅仅是教你如何做“加法”，更重要的是教会你如何通过“减法”和“留白”来创造更具张力和想象力的作品。这本书的价值在于，它不会给你一个固定的公式去套用，而是提供了一套高阶的思考框架，促使你不断挑战自己的认知边界。读完合上书本时，你会感到自己的思维维度仿佛被向上提升了一个层次，看世界的方式都变得更加立体和复杂起来。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，硬壳的质感拿在手里就觉得分量十足，透露着一种沉稳和专业的气息。内页的纸张选择也十分考究，那种微哑的光泽，既能保证印刷出来的图形色彩饱满鲜艳，又不会因为反光而影响阅读体验。尤其是那些复杂的几何体剖面图，线条清晰锐利，层次感极其分明，让人仿佛能直接触摸到那些立体的结构。我特别喜欢它在版式布局上的用心，不同章节的字体和字号有着微妙的变化，引导着读者的视线自然流动，既有学术书籍的严谨，又不失艺术作品的赏心悦目。随便翻开一页，都能感受到设计者对于“美学”与“实用性”之间平衡的极致追求，这种对细节的偏执，足以让任何一位对设计、建筑或纯艺术抱有敬畏之心的读者心悦诚服。它不只是一本工具书，更像是一件精心打磨的艺术品，值得珍藏在书架的C位。

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坦白讲，我不是科班出身，对几何和结构的概念总有点本能的抗拒，总觉得那玩意儿是给数学家或工程师准备的。但自从读了这本书，我对“构成”这个词汇的理解被彻底刷新了。书中那些关于动态平衡和张力的描述，完全跳脱了冰冷的数字，转而诉诸于一种感官的体验。例如，书中描述如何通过调整一个体块的倾斜角度来制造“即将倾覆却又保持稳定”的视觉效果时，我真的能想象出那种微妙的心理拉扯感。作者似乎非常擅长用文学性的语言来描绘纯粹的视觉现象，使得原本应该严肃的理论分析变得富有诗意和戏剧性。对于所有想要提升自己审美能力，却又害怕被复杂术语劝退的文艺爱好者来说，这本书绝对是敞开大门欢迎你进入这个奇妙世界的一把钥匙，读起来毫无压力，却又收获颇丰。

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这本书的学术深度和广度都超乎我的预期。起初我以为它会集中在某一特定的艺术流派或者工程技术层面，但深入阅读后才发现，它巧妙地搭建了一个跨学科的知识桥梁。书中对历史上不同时期大师们处理空间关系的手法进行了梳理，从古典雕塑的平衡感，到现代主义建筑对体量关系的颠覆，再到当代装置艺术中对虚实空间的探讨，都有涉猎。更难能可贵的是，它在介绍这些理论时，从不故作高深，而是用极其精准且富于洞察力的语言进行阐释，使得那些看似玄妙的哲学思考也能落地到具体的形态分析上。阅读过程中，我时常需要停下来，拿出草稿纸跟着书中的推导过程进行二次构建，这种主动思考的参与感，让知识的吸收效率得到了极大的提升。它更像是一位循循善诱的导师，而非高高在上的理论权威。

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