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出版者:北京人教教材中心（原人民教育）

作者:李绵璐

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-09-01

价格:17.50

装帧:简裝本

isbn号码:9787107158339

丛书系列:

图书标签:

• 工艺美术教育
• 美术教育
• 教育学
• 职业教育
• 设计教育
• 艺术教育
• 教学方法
• 课程设计
• 美学
• 教育心理学

《塑影熔思：非物质文化遗产在当代艺术教育中的传承与创新》 内容梗概： 本书并非一本专注于传统工艺美术教育理论或实践的学术专著，而是以一种更为宽广的视角，深入探讨了非物质文化遗产（以下简称“非遗”）如何在中国当代艺术教育体系中找到新的生命力，并成为激发学生创造性思维、培养文化自信与审美情趣的重要载体。本书旨在为艺术教育工作者、非遗传承人、文化研究者以及对传统文化与当代艺术融合感兴趣的读者，提供一个兼具理论深度与实践广度的思考框架。 第一部分：溯源与语境——非遗的时代价值 在第一部分，我们将首先梳理非物质文化遗产的概念演变与当下语境。不同于物质文化遗产的具象可触，非遗的生命力在于其活态的传承，体现在技艺、表演、口述传统、民俗活动等方方面面。我们将探讨非遗在中国社会现代化进程中的地位变化，从被边缘化的传统技艺，到如今被国家高度重视的文化瑰宝，这一转变背后反映了民族文化认同的回归与对中华文明独特价值的再认识。 接着，我们会深入剖析非遗所蕴含的独特美学体系。这种美学并非一成不变的僵化教条，而是与特定地域、特定民族的生活方式、宗教信仰、自然环境紧密相连，呈现出一种朴素、自然、写意，又充满匠心与智慧的东方特质。我们将通过案例分析，例如传统戏曲的程式化表演、苏绣的细腻晕染、陶瓷的泥土情怀、剪纸的韵律之美等，来揭示这些非遗形式背后蕴含的深刻哲学思想与艺术规律。 最后，本部分将聚焦非遗与当代社会发展的关联。在消费主义与全球化冲击下，许多传统技艺面临失传的危机。然而，我们也看到，越来越多的年轻人开始关注非遗，并尝试将其融入当代生活。本书将考察这种“非遗热”现象的成因，分析其在促进乡村振兴、发展文化旅游、提升国民文化自信等方面的积极作用，并为理解非遗在当代的价值提供坚实的理论基础。 第二部分：融汇与碰撞——非遗在艺术教育中的潜能 第二部分是本书的核心，我们将重点探讨非遗如何“走进来”，成为当代艺术教育的丰富养分。我们认为，传统的工艺美术教育模式，虽然在培养基础技法方面功不可没，但在面对飞速发展的当代社会和多元化的艺术表达形式时，显得略有不足。非遗的引入，恰恰能够弥补这一空白，为艺术教育注入新的活力和深度。 首先，我们将探讨非遗在培养学生“慢思考”与“精技艺”方面的独特优势。在快节奏的数字时代，许多艺术创作倾向于快速迭代与概念先行，而非遗则强调“日积月累”的耐心、“千锤百炼”的专注。以木雕、竹编、漆器等技艺为例，学习过程本身就是一种对专注力、毅力与细致观察力的极致训练，这对于培养学生严谨的治学态度和扎实的艺术功底至关重要。本书将详细阐述如何在不同学科的教学中，设计能够引导学生体验非遗技艺精髓的实践环节。 其次，我们将重点关注非遗作为“文化基因”在激发学生原创性思维方面的作用。非遗不仅仅是某种技能，更是承载着民族集体记忆、生活智慧与情感的文化符号。当学生接触并理解了这些符号的含义与演变，他们就能够从中汲取灵感，将传统的意象、纹样、色彩、叙事方式，与当代的媒介、观念、情感相结合，从而创作出既有民族根基又不失时代精神的艺术作品。本书将通过案例分析，展示如何引导学生从戏曲脸谱中提取色彩元素进行现代插画创作，如何从传统建筑的榫卯结构中汲取灵感进行雕塑设计，如何从民间故事的叙事逻辑中提炼故事线索进行动画短片制作等。 再者，本书将深入探讨非遗在培养学生文化自信与跨文化理解能力方面的作用。在全球化背景下，保持自身文化独特性并与世界其他文化进行有效交流，显得尤为重要。学习和体验非遗，能让学生深刻认识到中华文明的博大精深与独特魅力，从而建立起坚实的文化自信。同时，通过对比研究不同民族的非遗，也能帮助学生理解不同文化的价值与差异，培养开放包容的心态和跨文化的沟通能力。我们将探讨如何在艺术课程中设置对比研究单元，例如将中国剪纸与欧洲剪纸进行比较，将中国水墨画的写意精神与西方油画的具象表现进行对话等。 第三部分：实践与探索——非遗融入艺术教育的路径 在第三部分，我们将回归实践层面，为将非遗融入当代艺术教育提供具体可行的路径与方法。我们认为，有效的融合并非简单的“拿来主义”或形式上的叠加，而是需要深入理解非遗的内在精神，并与当代艺术教育的目标相契合。 首先，我们将探讨课程设置的创新。这包括但不限于： 开设专门的非遗体验课程： 邀请非遗传承人进校园，开设如扎染、陶艺、木版年画、传统音乐赏析等实践性强的课程，让学生亲手体验传统技艺的魅力。 在现有学科中嵌入非遗元素： 在绘画、设计、雕塑、摄影、动画、交互媒体等课程中，引导学生从非遗中寻找创作素材、灵感与方法。例如，在平面设计课程中，可以学习传统纹样的构成与运用；在雕塑课程中，可以探索竹编、木雕的造型原理；在动画课程中，可以借鉴皮影戏的叙事与表演模式。 开展跨学科项目式学习： 组织学生围绕特定的非遗项目，进行跨学科的合作研究与创作。例如，可以围绕某个濒危的戏曲剧种，进行历史文献研究、音乐采集、服装设计、舞台装置创作、乃至数字交互体验设计等。 其次，我们将强调“人”的关键作用。非遗传承的生命力在于人的智慧与情感的传递。因此，建立与非遗传承人、社区、相关机构的有效合作至关重要。本书将详细探讨： 建立校外教学实践基地： 与非遗传承基地、博物馆、文化研究机构建立长期合作关系，为学生提供沉浸式的学习与实践环境。 邀请非遗传承人作为客座教师或指导： 传承人自身的经验与智慧是课堂教学的宝贵财富，他们的言传身教能极大地感染学生。 鼓励学生参与非遗的田野调查与记录： 引导学生走出课堂，深入社区，用自己的眼睛去发现、用自己的方式去记录和传播非遗。 再者，我们将关注技术在非遗传承与创新中的角色。数字技术为非遗的传播与活化提供了新的可能。本书将探讨： 数字化保存与展示： 利用3D扫描、VR/AR技术，对非遗技艺、作品进行高清采集与虚拟展示，突破时空限制，让更多人了解非遗。 创意设计与产品开发： 运用数字设计软件，将非遗元素转化为具有当代审美与实用价值的设计产品，例如文创产品、服装、家居用品等。 互动体验与教育推广： 开发基于非遗文化的互动游戏、APP、在线课程等，以更生动有趣的方式向大众普及非遗知识。 第四部分：反思与展望——非遗教育的未来图景 在最后一章，我们将对本书的论述进行总结，并对非遗在当代艺术教育的未来发展进行展望。我们认识到，将非遗有效融入艺术教育并非一蹴而就，其中也存在挑战与困境，例如传统技艺的简化与误读、商业化带来的风险、师资培养的瓶颈等。本书将审视这些问题，并提出相应的思考与对策。 最终，本书将勾勒出一幅非遗与艺术教育深度融合的未来图景：一个艺术教育不仅传授技法、激发创意，更肩负着传承民族文化、培养文化自觉、构建可持续发展文化生态的使命。我们相信，通过对非遗的深刻理解与创造性转化，当代艺术教育能够为培养具有全球视野、本土情怀、创新精神的新一代艺术家和文化传承者，贡献独特的价值。 本书希望能够成为一座连接传统与现代、理论与实践、教学与研究的桥梁，启发更多的思考与行动，共同探索非物质文化遗产在当代艺术教育中更广阔的未来。

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这本书的行文节奏极快，仿佛作者急于将脑海中所有关于工艺美术教育的片段倾泻而出，因此整体的逻辑线索显得有些跳跃。它更像是一本“随笔集”或者“思想火花”的汇编，而不是一本严谨的论著。某几章对某个具体教学案例的分析简直入木三分，那种对学生作品的细致剖析和引导，让人读后茅塞顿开，恨不得立刻回到工作室进行实践。然而，紧接着下一章可能又会突然跳跃到某个遥远的古代文化背景下的工艺仪式，这种频繁的切换，使得读者很难在脑海中建立一个清晰的、循序渐进的学习路径。对于希望通过阅读来系统性学习工艺美术教育方法论的读者来说，这种“碎片化”的呈现方式可能会带来认知上的疲劳感。我个人认为，如果能将这些精彩的案例和深入的理论分析进行更清晰的归类和分层，比如划分为“基础教学篇”、“专业深化篇”和“文化反思篇”，阅读体验可能会大大提升，因为它目前的内容组织结构，更像是作者的个人心智地图的直接映射。

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令人惊喜的是，这本书在探讨“体验式学习”和“材料的哲学”方面，提供了不少新颖的视角。它不同于市面上许多歌颂传统工艺之美的书籍，它直面了工艺美术教育在当代社会所面临的困境——即如何避免沦为“手艺”的复古展示，而真正实现“技术”与“思想”的统一。作者反复强调“触觉智慧”的重要性，认为在信息爆炸的时代，手与材料直接接触所产生的认知和情感反馈是任何屏幕都无法替代的。我特别喜欢其中关于“失败的价值”的章节，它鼓励教育者和学习者将制作过程中的失误视为学习的必要组成部分，这对于当前过度追求“完美成品”的教育环境来说，无疑是一剂清醒剂。不过，虽然理论说得头头是道，但如何构建一个鼓励这种“安全试错”的教学环境，比如空间设计、工具的可及性以及时间分配，书中的讨论还是停在了概念层面。它提供了“为什么”的深刻见解，但“如何操作”的细节指导相对缺乏，这让这本书的实用价值打了些折扣。

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坦白说，这本书给我的最大感觉是“理想化”色彩过于浓厚。作者描绘的那个理想中的工艺美术教育场景——所有学生都能沉浸其中，所有教师都具备深厚的跨学科素养，所有学校都能提供充足的、顶级的材料与工作室空间——是一种近乎乌托邦式的愿景。书中对教育目标和理想师资的描述极其高标准，这无疑为行业树立了一个高远的标杆，值得所有从业者为之努力。但是，现实中的许多职业技术学校或者资源受限的地区，面临的是人员老化、设备陈旧、甚至课程被边缘化的问题。这本书对于如何“在夹缝中求生存”、“如何在资源极度匮乏的情况下激活学生的创造力”这些现实层面的斗争，几乎没有提及。它仿佛是写给那些已经拥有完美教学条件的精英学府的内部参考读物。因此，对于正在为招生、设备更新和课程审批而焦头烂额的基层教育工作者来说，这本书或许能提供精神上的鼓舞，但在解决燃眉之急的具体策略上，提供的帮助非常有限，读完后更多的是一份对理想教育的向往，而非一份可立即执行的行动指南。

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这本关于工艺美术教育的书，从我阅读完后的整体感受来看，它更像是一扇通往艺术与技艺交织世界的窗户，但如果期待的是一本详尽的、系统性的教科书，可能会感到一丝“意犹未尽”。书的结构似乎更侧重于对艺术思潮的梳理和对传统手工艺精神的探讨，而非具体到某一种工艺（比如陶瓷、金属或纺织）的实操步骤或现代教学法的具体案例分析。我尤其欣赏作者在探讨“美育”与“匠心”之间的关系时所展现出的洞察力。他没有将工艺美术简单地视为一种技能培训，而是将其提升到了关乎国民审美素养和文化传承的高度。书中引用了一些跨学科的理论，试图构建一个宏大的理论框架，比如将设计思维与哲学思辨相结合。然而，对于一线教师而言，可能需要自己做大量的“转译”工作，才能将这些高屋建瓴的理论落实到日常的课程设计中。比如，书中对“创新”的阐述非常精彩，强调了在继承基础上的突破，但对于如何在基础教育阶段引导学生进行有建设性的创新，具体的教学策略和评估标准却着墨不多。总的来说，这是一本适合对工艺美术教育有一定基础，并希望从更深层次理解其文化价值和教育理念的专业人士阅读的理论性读物，初学者可能会觉得有些抽象和缺乏实操指导。

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读完这本书，我的第一反应是：作者的视野非常广阔，简直像一位老派的艺术史学家在娓娓道来。这本书的叙事风格带着一种浓厚的学院派气息，语言典雅，引经据典颇多，仿佛在进行一场跨越时空的对话。它似乎并不想“教”你如何做工艺美术，而是想告诉你“工艺美术是什么”，以及它在中国乃至世界艺术谱系中占据着怎样一个复杂而重要的位置。书中对不同历史时期工艺美术的流派变迁进行了细致的梳理，尤其对近现代西方现代主义对本土工艺设计冲击与融合的过程分析得尤为透彻。但正因为这种宏观和历史的聚焦，导致对于当下蓬勃发展的数字媒体艺术、交互设计等新兴领域的探讨略显不足，仿佛这些新事物只是被草草提及的“插曲”，未能充分融入到核心的理论体系中。如果你想了解的是当代工艺教育如何应对“工业4.0”或“虚拟现实”带来的挑战，这本书提供的答案可能略显滞后。它更像是一部扎实的“工艺美术史论”，而非面向未来的“教育改革蓝图”。读起来需要一定的耐心和背景知识储备，否则那些晦涩的术语和复杂的历史脉络可能会让人感到有些吃力。

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