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出版者:人民美术出版社

作者:刘人岛

出品人:

页数:187

译者:

出版时间:2000-2

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787102021058

丛书系列:外国美术史话丛书

图书标签:

• 美术
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《文艺复兴的辉煌：从乔托到米开朗琪罗的艺术之旅》 本书将带领读者踏上一段穿越意大利文艺复兴时期（约14世纪至16世纪）的非凡艺术之旅，深入探究这一伟大时代如何孕育出欧洲乃至世界艺术史上最璀璨的篇章。我们将目光聚焦于那些奠定文艺复兴基石的先驱者，审视他们如何打破中世纪的束缚，以崭新的视角和技法重塑了艺术的面貌，将人文主义精神注入每一笔色彩、每一块雕塑之中。 第一章：黎明前的曙光——乔托的革命 在中世纪晚期，意大利的艺术仍然笼罩在拜占庭风格的僵硬与程式化之中。然而，一位名叫乔托·迪·邦多内的画家，如同一颗划破夜空的流星，为即将到来的文艺复兴带来了第一缕曙光。本章将详细阐述乔托如何挑战传统，他在佛罗伦萨斯克罗维尼礼拜堂壁画中的大胆创新。我们将分析他笔下人物的体积感、情感的真实流露以及空间感的初步营造。乔托的现实主义倾向，他让圣徒们拥有了鲜活的血肉之躯和真实的情感，为后来的艺术家树立了榜样。他的人物不再是扁平的符号，而是拥有独立灵魂的个体，这正是人文主义精神的萌芽。我们将考察他如何运用明暗对比和透视的雏形来增强画面的立体感，以及他如何通过讲故事般的情节安排，让画面具有极强的叙事性和感染力。乔托的艺术，是新时代的序曲，它打破了陈规，开启了对人、对自然的重新观察与描绘。 第二章：佛罗伦萨的黄金年代——早期文艺复兴的繁荣 乔托的革命很快在佛罗伦萨点燃了艺术创作的激情。本章将聚焦于15世纪早期，这个被誉为“佛罗伦萨的黄金年代”。我们将深入探讨马萨乔在布兰卡契礼拜堂壁画中的划时代贡献。他的作品，如《圣三位一体》，以其精确的透视法和强烈的现实主义，彻底改变了绘画的空间表现。我们将详细解析马萨乔如何运用线性透视，创造出令人信服的深度感，以及他如何通过光影来塑造人物的体积感，赋予他们庄重而坚实的体魄。 同时，我们也将关注菲利波·布鲁内莱斯基在建筑领域的突破。他的圆顶设计，不仅是技术上的奇迹，更是对古罗马建筑遗产的复兴与超越，象征着人类智慧与创造力的伟大胜利。他的建筑理念，如比例、和谐与秩序，深刻影响了当时的绘画和雕塑。 多纳泰罗，这位杰出的雕塑家，将古典主义的严谨与现实主义的生动完美结合。他的青铜雕塑《大卫》，是文艺复兴时期第一件独立的裸体雕塑，展现了人体的力量与美感，以及个体英雄主义的精神。我们将分析他作品中的古典主义元素，如肌肉的纹理、姿态的优美，以及他如何捕捉人物内心的张力与个性的表达。 本章还将介绍保罗·乌切洛对透视法的执着探索，以及他将数学原理应用于绘画的努力。我们还会提及弗拉·安杰利科，他将宗教虔诚与文艺复兴的写实手法巧妙融合，创造出既神圣又充满人情味的宗教画作。 第三章：人文主义的盛宴——盛期文艺复兴的巨匠 进入16世纪，意大利迎来了文艺复兴的顶峰，即盛期文艺复兴。这个时期孕育出了三位无可匹敌的艺术巨匠：莱昂纳多·达·芬奇、米开朗琪罗和拉斐尔。本章将深入剖析他们的艺术成就，以及他们如何将人文主义精神推向新的高度。 莱昂纳多·达·芬奇：全才的智慧之光 达·芬奇不仅是一位画家，更是科学家、发明家、工程师。我们将重点关注他的绘画作品，如《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》。《蒙娜丽莎》神秘的微笑，至今仍引人遐想。我们将探究达·芬奇如何运用“晕涂法”（Sfumato）来模糊人物轮廓，营造出柔和、朦胧的效果，以及他如何通过对人脸表情和眼神的细腻刻画，赋予人物难以言喻的内心世界。 《最后的晚餐》是另一部杰作。我们将分析达·芬奇如何通过构图、透视和人物情感的戏剧性冲突，将基督被出卖的瞬间表现得淋漓尽致。他精准地捕捉了十二门徒在听到这一消息时的不同反应，展现了对人性的深刻洞察。我们将考察他对解剖学的研究如何体现在他绘画中对人体结构的准确描绘。 米开朗琪罗：雕塑与绘画的史诗 米开朗琪罗，一位充满激情与力量的艺术家。他的雕塑作品，如《大卫》和《圣母怜子》，以其对人体肌肉和情感的精湛表现而闻名。我们将详细分析《大卫》中蕴含的理想美、英雄主义和准备战斗的张力，以及《圣母怜子》中母子之间深刻的哀伤与无言的沟通。 西斯廷礼拜堂的天顶画，则是米开朗琪罗在绘画领域的辉煌成就。我们将重点解读《创世纪》中的场景，尤其是《创造亚当》那一幕。我们将分析他如何运用雄伟的色彩、壮观的构图以及充满生命力的裸体人物，来描绘神圣的力量与人类的诞生。我们将探讨他独特的“造型”式的绘画技巧，以及他对人体解剖学的极致追求，如何让画中的人物如同雕塑般立体而充满动感。 拉斐尔：和谐与理想之美 拉斐尔，以其温和、优美的风格著称。他的作品，如《雅典学院》，汇集了古希腊哲学家的群像，展现了理想化的和谐与秩序。我们将分析《雅典学院》的宏大构图、精确的透视以及人物的性格刻画。他笔下的人物，无论是指点江山的哲学家，还是专注学术的学者，都充满了智慧与宁静。 拉斐尔的圣母画，如《西斯廷圣母》，更是将圣母的慈爱、纯洁与母性之美推向极致。我们将探究他如何运用柔和的色彩、流畅的线条和优美的姿态，营造出一种宁静而神圣的氛围，让观者感受到无与伦比的美感与慰藉。 第四章：威尼斯的色彩与光影——威尼斯画派的独特魅力 与佛罗伦萨的理性主义和人文主义思潮不同，威尼斯画派在文艺复兴时期发展出了自己独特的风格。本章将深入探讨威尼斯画派的艺术家们，如提香、乔尔乔内和委罗内塞。 我们将分析提香作为威尼斯画派的代表人物，如何将色彩与光影的运用发挥到极致。他的作品，如《乌尔比诺的维纳斯》，以其丰富的色彩、细腻的笔触以及对女性身体的 sensual 描绘而著称。我们将探究他如何运用油画的技法，创造出丝绸般的光泽和肌肤的温润感。 乔尔乔内，以其神秘朦胧的风格吸引着人们。他的作品，如《暴风雨》，充满了诗意和象征意义，引发了无数的解读。我们将尝试解读其作品中引人入胜的叙事和象征。 委罗内塞，以其宏大、华丽的宴饮场面闻名。他的作品，如《迦拿的婚礼》，展现了富丽堂皇的世俗生活，以及对细节的极致追求。我们将分析他作品中对色彩的运用，以及他如何营造出热闹非凡的场景。 威尼斯画派的艺术家们，他们对色彩和光影的迷恋，以及对世俗生活的热情描绘，为文艺复兴艺术注入了新的活力，也预示着巴洛克艺术的到来。 第五章：文艺复兴的遗产与影响 本章将回顾整个文艺复兴时期，总结其艺术成就的共性，并探讨其对后世艺术产生的深远影响。我们将分析人文主义思想如何在艺术中得到体现，艺术家们如何从古典文化中汲取灵感，以及透视法、解剖学等科学原理如何融入艺术创作。 我们将考察文艺复兴艺术如何影响了欧洲各国的艺术发展，以及其对绘画、雕塑、建筑和文学等领域的广泛渗透。从古典主义到新古典主义，再到后来的各种艺术运动，都能看到文艺复兴的影子。 最后，我们将展望文艺复兴艺术的永恒魅力。这些伟大的作品，穿越时空，依然能够触动我们的心灵，激发我们的思考。它们不仅是人类艺术史上的瑰宝，更是对人类智慧、情感和创造力的不朽赞歌。 通过对乔托的革命性创新、佛罗伦萨早期文艺复兴的繁荣、盛期文艺复兴三巨匠的巅峰创造，以及威尼斯画派的色彩盛宴的逐一解读，本书将为读者呈现一幅波澜壮阔的意大利文艺复兴艺术画卷，带领大家领略那个伟大时代孕育出的艺术奇迹，感受人类文明的辉煌与升华。

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这本书的结构安排极具匠心，它不是一本传统的教科书，更像是一部精心编排的博物馆导览手册，但导览员的水平是世界顶级的。我最欣赏它对“风格演变”的逻辑梳理，作者总能精准地指出上一个时代“解决了什么问题”，以及下一个时代“试图打破什么陈规”。比如，他对古典主义的回溯与批判，阐述得条分缕析，既肯定了其基础地位，又清晰指出了其局限性。文字风格简洁有力，很少有冗余的形容词堆砌，每一个句子都像是一把精细的手术刀，准确地解剖出艺术史的脉络。对于那些想要系统学习但又害怕陷入繁琐细节的读者来说，这本书提供了一个完美的平衡点。它提供了一个坚实的框架，让你可以在这个框架上自由地拓展你的知识边界，而不用担心迷失方向。

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老实说，我一开始对这种“话”开头的书是持保留态度的，总觉得可能过于口语化，深度不够。但这本书完全打破了我的刻板印象。作者的文字功力深厚得惊人，他叙事时那种如同歌剧咏叹调般跌宕起伏的节奏感，让人欲罢不能。他不是简单地罗列“谁在哪一年画了什么”，而是深入剖析了艺术风格背后的社会思潮、宗教冲突乃至统治者的政治意图。我特别欣赏他批判性的视角，他敢于揭示那些被神化的艺术大师们人性中复杂甚至矛盾的一面，这使得整个叙事更加立体和真实。书中对巴洛克艺术的论述尤为精彩，他将那种戏剧性的光影和强烈的动感与当时的时代精神紧密结合，读起来酣畅淋漓，像是在看一部波澜壮阔的历史长剧。这本书的行文流畅度极高，即便是学术性极强的概念，也被作者用极为形象的比喻阐释得通俗易懂，让那些原本晦涩难懂的术语变得鲜活起来。

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这本书的封面设计简直是艺术品，那种浓郁的复古气息扑面而来，一下子就把你拉进了那个群星璀璨的年代。我特别喜欢作者在叙述中那种旁征博引的功力，仿佛在与一位知识渊博的老朋友对谈，而不是在被动地接收枯燥的知识点。他总能找到一些非常生活化又极具洞察力的切入点来讲述那些宏大的艺术运动和那些天才的生平。比如，他谈到文艺复兴时期艺术家的创作心态时，那种对人性的细腻捕捉，让我对那些耳熟能详的作品有了全新的理解。装帧的纸张很有质感，拿在手里沉甸甸的，让人感到一种对知识的尊重。内页的插图印刷得极其精美，色彩还原度很高，即便是那些复杂的湿壁画细节也能清晰展现，这对于一个视觉系读者来说，简直是福音。读完第一部分，我就迫不及待地想去参观卢浮宫和佛罗伦萨的那些著名美术馆了，它成功地在我心中种下了一颗渴望亲眼见证艺术辉煌的种子。这本书的排版也很有心思，留白恰到好处，阅读起来毫不费力，即便是初次接触艺术史的新手，也能轻松跟随作者的思路，领略到西方艺术的脉络和精髓。

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这本书的篇幅不薄，但阅读体验却出奇地轻快，这很大程度上归功于作者对时间线索的掌控能力。他没有采用刻板的年代顺序，而是巧妙地设置了许多“主题跳跃”，比如从某个雕塑家对人体解剖学的突破，瞬间跳转到同时代哲学思想的演变，这种跨学科的联系让人耳目一新，体会到艺术从来不是孤立存在的。我尤其关注到作者在处理不同地域艺术风格差异时的细腻笔触，他没有简单地将“南方”和“北方”对立起来，而是展示了它们之间微妙的交流与相互影响，这种辩证的观点让我受益匪浅。书中的一些小插曲，比如关于某个赞助人与艺术家之间轶事性的记载，虽然看似是枝节，却极大地丰富了艺术史的烟火气，让人感到那些沉睡在博物馆里的作品仿佛有了呼吸和温度。

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坦白说，阅读这本书的过程中，我产生了一种强烈的“沉浸感”。作者对于艺术作品的描述，绝不仅仅停留在外在形式上，他仿佛能够“进入”画家的心境。例如，他描述某位后印象派大师在画布前的那种近乎偏执的色彩实验过程，读起来简直就像在现场观看一场私人化的创作仪式。书中的语言充满了画面感和动感，即便是描述静物或风景，也能让人感受到其中蕴含的澎湃情感。更难能可贵的是，作者在探讨艺术与社会变迁的关系时，展现了极大的洞察力，他没有把艺术史写成一部英雄史观，而是将艺术家置于他们所处的时代洪流之中，去理解他们的选择和挣扎。这本书读完后，我感觉自己对“美”的认知被极大地拓宽了，它提供了一种看待世界的全新视角，远超出了艺术史本身的范畴。

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奏是一本意大利艺术史课参考书

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错别字不少 校对工作跟没做过一样。很多内容是在央美人文学院美术史系教研室的《外国美术简史》上抄的。 当做复习时意大利专栏的串讲看看 也不无意义。

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错别字不少 校对工作跟没做过一样。很多内容是在央美人文学院美术史系教研室的《外国美术简史》上抄的。 当做复习时意大利专栏的串讲看看 也不无意义。

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错别字不少 校对工作跟没做过一样。很多内容是在央美人文学院美术史系教研室的《外国美术简史》上抄的。 当做复习时意大利专栏的串讲看看 也不无意义。

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奏是一本意大利艺术史课参考书