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☆☆☆☆☆

出版者:人民美术

作者:沈周

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-1

价格:380.00元

装帧:

isbn号码:9787102017464

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《华夏山河赋：中国古代山水画的千年流变》 一、引言：丹青写意，山水寄情 自古以来，中国山水画便以其独特的哲学意蕴和审美追求，在中国艺术史上占据着举足轻重的地位。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家“外师造化，中得心源”的精神投射。本书旨在系统梳理中国山水画自萌芽之初，历经魏晋的初步发展，至唐宋的鼎盛，元明清的流派纷呈，直至近现代的转型与革新，展现其跨越千年的演变轨迹与艺术精髓。我们将深入探讨山水画如何从单纯的“界画”辅助品，蜕变为一门独立的、具有强大精神力量的艺术形式，并剖析其背后蕴含的道家“天人合一”、儒家“仁者乐山”的文化精神。 二、魏晋风骨：从“可行、可望”到“可游、可居”的雏形 山水画的独立并非一蹴而就。在东晋时期，随着玄学思想的兴起和士大夫阶层对个体精神自由的追求，山水开始进入画家的视野。顾恺之虽以人物画著称，但其论述已体现了对自然观察的重视。真正将山水提升至独立地位的，是东晋末至南朝的画家。 本章将重点考察荆浩、关仝等“北派”的早期实践。他们以雄浑的气势和巨碑式的构图，展现了北方山脉的磅礴伟岸。他们的笔墨技巧，特别是皴法（如披麻皴、斧劈皴）的初步确立，为后世的笔墨语言奠定了坚实的基础。我们将分析唐代李思训、李昭道所代表的“青绿山水”的装饰美学，及其与宫廷气象的联系，并对比戴嵩、王维等人对水墨淡雅风格的探索，揭示初唐时期山水画在色彩与墨韵之间的分野。 三、盛唐气象与宋代“格律”的建立 唐代是山水画走向成熟的黄金时期。王维开创的水墨画一派，强调“诗中有画，画中有诗”，将禅宗的空灵与诗意的哲思融入笔端，极大地拓宽了山水画的艺术境界。 宋代是山水画体系化、格律化的关键阶段。北宋的“范宽、郭熙、李唐、刘松年”四大山水画家，共同构建了宋代山水画的宏大格局。 范宽的“高耸入云”： 重点分析《溪山行旅图》，其“雨后拨开云雾见青山”的视觉效果，以及他标志性的“雨点皴”对面石体结构的处理，体现了对自然界强悍生命力的敬畏。 郭熙的“可行、可望、可游、可居”： 探讨《早春图》中多层次的观察视角，解析“三远法”（高远、深远、平远）的理论建构，这标志着中国山水画空间处理的成熟。 南宋院体画的精微： 剖析马远、夏圭如何从北宋的“全景式”转向“边角式”或“一角半边”的构图，以留白和高超的写实功力，营造出深远的意境和动人心魄的氛围，这与南宋士人的内敛心态息息相关。 四、元代：士人笔墨的觉醒与“逸品”的旗帜 元代，随着文人政治地位的下降，画家群体转向以山水画为主要载体的自我抒发。黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙（合称“元四家”）将山水画彻底推向了“写意”的巅峰。 本章将聚焦于“笔墨趣味”的独立性。他们不再以写实逼真为最高追求，而是将个人学识、修养和情感倾注于皴法、点苔和墨色的变化之中。倪瓒的“折带皴”与萧疏空寂的画面，体现了对世俗的超脱；黄公望的“披麻皴”与浑厚苍茫的笔意，展现了对传统技法的融会贯通。元四家的实践，确立了山水画以“书写性”为核心的审美标准，使山水画成为文人表达“性灵”的最佳媒介。 五、明清流派的演进与地域风格的形成 明代山水画呈现出“台阁体”的官方气象和文人画的复古思潮。吴门画派（沈周、文徵明）继承了元代的衣钵，并逐渐形成了各自的风格面貌。 吴门画派的温润与博大： 分析沈周如何集前人之大成，以温润含蓄的笔墨，描绘江南园林的秀丽与文人的雅致生活，注重意境的营造胜过形态的雕琢。文徵明则以细腻工整的笔法，将院体与文人画风相结合。 董其昌与“南北宗论”： 董其昌提出的“南北宗”理论，虽然带有主观色彩，但深刻地影响了后世对山水画谱系的梳理和评价体系的建立。他提倡的“墨戏”和对笔墨自身的探索，预示了清代“四王”的回归传统。 清代则以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表，他们全面搜集、临摹前代名作，致力于“集大成”，形成了程式化、集古意的学院派风格。与此同时，石涛、八大山人等“遗民画家”则以怪诞、强烈的个性和强烈的笔墨张力，反抗僵化的传统，为山水画注入了新的生命力。 六、结语：传统的继承与现代的挑战 本书最后一部分将讨论近现代山水画所面临的变革。在西方透视法和写实主义的冲击下，中国山水画如何坚守其独特的写意精神，同时吸收外来之长，寻求新的表现语言。从张大千的泼墨泼彩，到徐悲鸿的融合中西，山水画的探索从未停止。通过对这千年流变的梳理，读者将能更深刻地理解中国山水画“以形写神”的艺术哲学，及其在中国文化精神中的永恒地位。 --- 本书特色： 脉络清晰： 以时间为轴线，结合重要的地理区域（如北方山脉与江南水乡）进行分段论述。 理论与实践并重： 不仅介绍画家及其作品，更深入剖析了“三远法”、“皴法”等核心技术概念的演变。 文化背景结合： 将山水画的发展置于当时的哲学思潮（如玄学、禅宗、理学）和社会背景下进行解读。

评分☆☆☆☆☆

沈周内敛的、小写意的风格，历久弥新，雨意类画作更有味道，可惜此书没有纳入台北故宫所藏雨意图 印刷质量一般，有些作品明显出现前后页墨色不一致的问题，另外如果将每画的基础信息和画作放在一起，而不是置于书末，对读者会更方便些。

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

说实话，我一直对明代中期的画风更为偏爱，但这本书成功地让我重新审视了早期作品的价值。里面的草虫和翎毛画部分，简直是神来之笔。那些小小的生命，在笔下被赋予了不朽的生命力，用笔细致入微，丝毫不输给后世更为工细的流派，但其神韵却更加超然。特别是几组对比的对题诗跋，文字本身也极具韵味，与画作相互印证，使得整体的艺术体验更为丰富和立体。这本书的排版非常大气，作品之间留有足够的呼吸空间，避免了过度拥挤带来的视觉疲劳。阅读它就像是跟随一位博学的长者漫步在幽静的园林中，他会不经意间指点你注意一朵花的姿态，或者一片云的走向，让你在不经意间领悟到高妙的哲理。这是一次非常充实和精神愉悦的艺术之旅，对提升个人审美情趣，有着润物细无声的积极作用。

评分☆☆☆☆☆

这本精选集实在是太“满”了，满到让人有些手足无措，但又是那种令人愉悦的“满”。我本以为只是一些零散的作品汇编，没想到编排的逻辑性这么强，几乎是按照不同的题材和创作阶段进行了梳理。比如，集中展示的几幅花鸟小品，用色清雅，造型准确，却又不失文人的情趣，尤其是对竹叶的勾勒，那种“一干二净”的墨韵处理，简直是教科书级别的范本。我甚至能想象到画家在创作这些作品时的心境，可能是在一个雨后的清晨，带着一种洗净铅华的宁静。对比之下，那些宏大的叙事性画作，则展现了截然不同的面貌，气势磅礴，结构严谨，显示出极高的驾驭大场面的能力。总体感觉是，这本书提供了一个非常全面的视角，让你能领略到这位大师在不同艺术表达上的全面开花，绝非浪得虚名，而是真材实料的艺术精华荟萃。

评分☆☆☆☆☆

这部画册刚拿到手，沉甸甸的质感就让人心头一振。翻开扉页，首先映入眼帘的是那些浓淡相宜的水墨山水，气韵生动，笔法老辣又不失灵动。我立刻被那种萧散简远的气度所吸引，仿佛一下子置身于吴门画派的清幽雅境之中。尤其是那些对松石皴法的处理，精妙绝伦，既有传统文人画的深厚底蕴，又透露出画家对自然个体生命的独特理解。每一笔都像是经过深思熟虑的，没有丝毫的冗余和匠气。我特别喜欢其中几幅小品，尺幅虽小，意境却深远得很，寥寥数笔，便勾勒出江南烟雨迷蒙的氛围，那种“可游、可居、可观”的境界，让人忍不住想放下手中的一切，去寻访一处类似的清凉之所。装帧设计也颇为用心，纸张的选择与画作的墨色完美融合，使得观赏体验提升了一个层次，这无疑是一本值得反复摩挲、细细品味的艺术珍品，对于研习明代早期山水画风的爱好者来说，简直是不可多得的宝库。

评分☆☆☆☆☆

打开这本册子，一股浓郁的“文人气息”扑面而来，让人感到一种久违的平静。我最欣赏的是其中对于“留白”艺术的精妙运用。那些大面积的空白，绝非是偷懒，而是构图的关键所在，它们引导着读者的目光，赋予了画面无限的想象空间。在欣赏那些描绘隐逸生活的作品时，我仿佛能闻到空气中泥土和苔藓的味道，感受到那种避世而居的淡泊与从容。很多现代的艺术作品追求视觉的冲击力和瞬间的抓人眼球，但这本书中的作品却要求你慢下来，耐心地与其“对话”。每一组对比作品之间，都能看出画家对“意”的追求远大于对“形”的刻板模仿。从装裱的细节来看，对于原件的保护和复制的精准度都达到了很高的水平，可以看到墨色的层次变化和纸张的肌理感，这对于理解传统媒介的特性至关重要，让人由衷敬佩出版方的匠心。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对明代早期绘画了解不算太深，这次是抱着学习和拓宽眼界的目的购入这本画册的。入手后最大的感受是震撼，那种扑面而来的古典气息让人屏息凝神。书中的人物画部分尤其引人注目，那些士人形象，个个神态自若，衣纹飘逸，仿佛能听到他们低声的交谈和古琴的悠扬之音。我特别留意了对比几幅不同时期的作品，能清晰地感受到画家技艺的成熟和心境的变迁。早期作品可能更侧重于对前人笔墨的继承和融汇，而晚期则明显流露出一种超脱世俗的洒脱与淡泊。这不仅仅是技法的展示，更像是一部无声的自传，记录了一个伟大心灵的历程。装帧的考究程度也值得称赞，色彩还原度极高，即便是微小的笔触细节也能清晰捕捉，这对于我们这些业余研究者来说，提供了极大的便利。希望未来能有机会将书中所描绘的意境，融入到自己的创作实践之中。

评分☆☆☆☆☆

印刷就不吐槽了，只这些作品也就记住了开篇第一幅。

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评分☆☆☆☆☆

印刷就不吐槽了，只这些作品也就记住了开篇第一幅。