中国民乐民乐中国(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东文化音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:72.0

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isbn号码:9787884135059

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《天籁回响：中国古典音乐的千年之旅》 序章：远古的歌谣与初生的旋律 在中国悠久的历史长河中，音乐的种子早已在远古的部落歌谣中悄然播下。那些在篝火旁吟唱的原始歌谣，虽已湮没在时间的尘埃里，却承载着人类最初的情感表达，以及对自然万物的敬畏与赞美。它们是人类对声音的最初探索，是后世所有音乐形式的根基。 随着文明的曙光，先秦时期的礼乐制度逐渐确立，音乐不再仅仅是简单的娱乐，而是上升到关乎社会秩序、道德教化和国家治理的高度。《诗经》中那些质朴而深情的篇章，不仅是文学的瑰宝，更是当时民俗音乐的生动写照。人们在田间劳作时哼唱的歌谣，在节日庆典时吟诵的乐章，都充满了浓郁的生活气息和真挚的情感。在这个时期，早期乐器如瑟、琴、钟、磬等开始发展，它们的声音共同构成了早期中国音乐的雏形。这些乐器不仅被用于祭祀、朝会等重要场合，也融入了文人的日常生活，成为修身养性的重要媒介。 第一章：盛世华章：唐宋的音乐繁荣与创新 唐朝，一个开放包容、文化璀璨的时代，迎来了中国古典音乐的第一个高峰。得益于丝绸之路的繁荣，来自西域的音乐元素与中原传统音乐相互激荡、融合，催生出更为多元和辉煌的音乐形态。宫廷燕乐的规模宏大，乐器种类繁多，如琵琶、阮、笙、笛等，组成了精妙绝伦的乐队。俗乐也得到空前发展，唐传奇中常提及的歌妓、乐师，她们的技艺与作品，至今仍是人们津津乐道的话题。著名的《霓裳羽衣曲》便是那个时代音乐成就的代表，它融合了舞蹈与音乐，展现了大唐盛世的恢宏气象。 宋朝在继承唐代音乐成就的基础上，更加注重音乐的理论研究和艺术深化。词乐的兴盛是宋代音乐的一大特色。文人墨客将诗歌创作与音乐演唱相结合，创作了大量脍炙人口的宋词。这些词不仅仅是文学作品，更是可以被吟唱的优美旋律。市井的民间音乐也空前活跃，说唱、小曲等形式在酒楼茶馆、街头巷尾广为流传，成为滋养宋代音乐的重要土壤。宋代的宫廷音乐更加精致，细节处理更为讲究，体现出一种内敛而含蓄的美学风格。 第二章：雅俗共赏：元明清的音乐流变与地域特色 元朝建立后，戏曲音乐迎来了重要的发展。杂剧、元曲等表演形式的出现，使得音乐在叙事和情感表达上扮演了更为重要的角色。说唱音乐进一步发展，并开始受到文人的关注。 明清两代，中国古典音乐呈现出更加多元化的地域特色。南北方的音乐风格差异逐渐明显。北方音乐以其高亢、豪迈的特点为主，南方音乐则以其婉转、细腻的旋律而著称。 江南丝竹： 源于江南地区的器乐合奏，以丝竹乐器为主，旋律优美流畅，节奏轻快活泼，如《欢乐歌》、《阳春白雪》等，充满了江南水乡的诗情画意。 广东音乐： 以二弦、高胡、古筝、扬琴等乐器为主，旋律清新明快，节奏感强，常带有浓郁的岭南风情。 潮州音乐： 旋律缠绵悱恻，情感表达细腻，演奏技巧丰富，尤其以潮州弦诗、潮州大锣鼓等最具代表性。 昆曲、京剧等戏曲音乐： 戏曲音乐在这一时期达到了顶峰，昆曲以其典雅婉转的唱腔和精致的表演著称，而京剧则以其雄浑激昂的唱腔和丰富的程式化表演成为最具影响力的戏曲剧种。戏曲音乐的唱腔、念白、伴奏，都经过了精心的设计和打磨，成为中国音乐史上的重要篇章。 第三章：千年传承：古琴的静谧与箫的悠远 在中国古典音乐的乐器谱系中，古琴以其悠久的历史、深邃的文化内涵和独特的艺术魅力，占据着极其重要的地位。古琴，又称“琴”，是中国最古老的弹拨乐器之一，拥有三千多年的历史。它不仅仅是一种乐器，更是一种承载着文人情怀、哲学思想和审美情趣的文化符号。一张古琴，凝聚着工匠的匠心；一曲琴音，流淌着千年的智慧。古琴的音色浑厚而深沉，既有高山流水般的壮阔，也有空谷幽兰般的静谧。演奏古琴，讲究“意在笔先，韵在声后”，每一拨弦，每一次滑音，都力求表达出内心的情感和意境。《广陵散》、《流水》、《梅花三弄》等古琴名曲，早已成为民族音乐的经典。 与古琴的沉静内敛不同，箫，另一种古老的中国乐器，以其悠远、空灵的音色，展现了另一种独特的音乐美学。箫，属于管乐器，以竹为材，其音色纯净而悠长，仿佛来自遥远的古代，又仿佛是自然界的呼吸。一曲洞箫，能够勾勒出秋夜的寂寥，能够倾诉离别的愁绪，也能够描绘山水之间的宁静。箫的演奏，尤其注重气息的运用和情感的投入，吹奏者将自己的情感融入音符之中，与听者产生心灵的共鸣。《平沙落雁》、《梅花三弄》（箫曲版本）等，都是箫声中常见的经典曲目。 古琴的静谧与箫的悠远，是中国古典音乐中两种极致的美学追求。它们都指向一种内心的宁静和精神的升华，是中国传统文化中“天人合一”思想的音乐体现。 第四章：丝弦拨动：二胡的哀婉与琵琶的珠落玉盘 在中国古典音乐的弦乐家族中，二胡和琵琶无疑是最具代表性的两种乐器。 二胡，又称“胡琴”，是中国最具代表性的拉弦乐器之一。它的音色极具表现力，既能奏出如泣如诉的哀婉旋律，也能表现出慷慨激昂的情感。二胡的音色，常常被形容为“女人唱歌，男人落泪”，它能够触动人心最柔软的部分。从《二泉映月》的悲怆凄美，到《赛马》的奔放热烈，二胡的演奏者能够通过精湛的技艺，将各种情感表达得淋漓尽致。它的旋律，常常与中国人的思乡、离别、喜悦等情感紧密相连，成为中国人集体记忆中不可或缺的声音。 琵琶，是中国弹拨乐器中的“皇后”。它造型优美，音色清脆明亮，演奏技法丰富多变。琵琶的演奏，常常能够营造出一种“珠落玉盘”、“急风骤雨”般的听觉效果。无论是描绘大漠孤烟的《阳春白雪》，还是描绘战场激斗的《十面埋伏》，琵琶的演奏者都能用一根根弦，奏出万千气象。琵琶的音色，既可以婉转如莺啼，也可以激越如战鼓，其强大的表现力使其成为独奏、合奏中的佼佼者。 二胡的哀婉与琵琶的珠落玉盘，构成了中国古典音乐中两种截然不同的弦乐风情，它们共同丰富了中国音乐的表现力，也承载了无数中国人的情感与记忆。 第五章：吹奏传奇：笛子的清越与笙的和谐 在中国古典音乐的吹管乐器中，笛子和笙以其独特的音色和广泛的应用，留下了浓墨重彩的一笔。 笛子，又称“横笛”，是中国历史悠久的吹管乐器。它的音色清越、悠扬，如同山间的清泉，又如同天上的飞鸿。笛子能够模仿人声，也能模仿鸟鸣，其表现力极为丰富。一曲《姑苏行》，让我们仿佛置身于江南水乡，感受那里的温婉与秀丽；《牧民新歌》则展现了草原人民的豪迈与热情。笛子的演奏，讲究气息的控制、指法的灵动和情感的传递，吹奏者用自己的肺腑之气，在竹管中奏出动人的旋律。 笙，是一种古老而独特的簧管乐器，是中国乐器中唯一能够吹奏和声的乐器。它由许多根长短不一的竹管组成，通过吹气和按键，能够发出和谐的声音。笙的声音温暖而饱满，它常常在合奏中起到烘托和声、丰富音色的作用，也能作为独奏乐器，展现其独特的魅力。笙的合奏，能够营造出一种浑厚而和谐的音响效果，仿佛是众多声音汇聚在一起，和谐共鸣。 笛子的清越与笙的和谐，是中国古典音乐中重要的吹奏元素。它们以各自独特的方式，丰富了中国音乐的音响层次，也为中国的器乐合奏增添了无限可能。 尾声：传承与创新，律动的未来 中国古典音乐，是一部流淌千年的史诗，它记录着民族的情感，承载着文化的精髓。从远古的歌谣到盛唐的华章，从市井的百态到文人的雅趣，它一直在变迁，一直在发展。古琴的静谧，箫的悠远，二胡的哀婉，琵琶的珠落玉盘，笛子的清越，笙的和谐，它们共同构成了中国古典音乐斑斓的图景。 今天，这些古老的旋律依然回响在我们的耳畔，它们不仅仅是历史的遗存，更是活着的艺术。在传承的基础上，中国古典音乐也在不断创新，吸引着新一代的音乐人去探索、去演绎。它们与现代音乐元素的融合，赋予了古老旋律新的生命力，让更多的人能够感受到中国古典音乐的魅力。 《天籁回响：中国古典音乐的千年之旅》旨在带领您踏上一段穿越时空的音乐旅程，去聆听那些古老的声音，去感受那些穿越岁月的旋律，去理解中国古典音乐背后深厚的文化底蕴和人文情怀。这是一场关于声音的探索，更是一场关于心灵的对话。

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我近期在钻研一本关于中亚游牧民族历史的书籍，那些关于长调和马背上的生活场景的描写，总是在我脑海中盘旋。于是，我开始寻找一些能与这种宏大、古老叙事相匹配的声音。这张《中国民乐民乐中国(CD)》在某些片段中，确实触及到了我期望的那种“源头之声”。不过，我想强调的是，这张碟的“中国”概念是极其广袤且碎片化的。它没有试图提炼出一个统一的“中国民乐”的形象，而是像一个巨大的地理拼图，把南方的婉约、北方的粗犷、西部的苍凉，都原封不动地放在你面前。这就像我在看一些关于丝绸之路早期贸易路线图时遇到的困惑一样——信息量太大，缺乏统一的标识。我记得有一首乐曲，似乎是融合了两种截然不同地域的乐器和节奏，听起来像一场跨越千里的“对话”，时而激烈，时而和解。这种看似矛盾的并置，恰恰体现了中国民间音乐的复杂性，它不是教科书上总结出来的标准样本，而是真正活在民间、不断生长、互相影响的有机体。对于想了解中国音乐多样性的人来说，它提供了极好的参照物，但你需要有耐心去分辨其中错综复杂的关系。

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最近我在沉迷于一些关于古代军事战略的典籍，里头强调“知己知彼，百战不殆”，这个理念也适用于我们如何理解艺术作品。我并不是一个精通民乐理论的专家，我的日常听歌范围更偏向于上世纪八九十年代的摇滚乐，尤其是那些歌词充满隐喻和反叛精神的乐队。所以，当我播放这张《中国民乐民乐中国(CD)》时，我发现自己经常会迷失在那些我完全不熟悉的调式和乐器组合中。它的结构松散，缺乏西方音乐中那种清晰的A-B-A或奏鸣曲式的逻辑性，更多的是一种叙事性的流动，或者说是“状态的描摹”。这跟我正在读的那些关于古代兵法中“虚实结合”、“以静制动”的论述有着奇妙的共鸣。它不是在“演奏”音乐，更像是在“展示”一种生活状态。比如，有一段听起来像有人在拉家常，乐器之间的对话非常口语化，没有预设的高潮和低谷，仿佛录音师只是不小心留下了这段声音记录。这种“非表演性”的特质，对我来说，是一种强烈的冲击。它迫使我放下对“好听”的预设标准，转而思考“真实”和“在场感”在音乐中的意义。它不像一张商业化的发烧碟，更像一本需要细细品味的私人日记。

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我最近在研究日本能剧的音韵学，这让我对不同文化体系中，如何用非歌词性的声音来表达情感产生了极大的兴趣。因此，当我偶然翻到这套《中国民乐民乐中国(CD)》时，我带着一种比较研究的眼光去审视它。坦白说，这张碟的编曲和录音效果，与我正在听的那些顶级的交响乐录音相比，在动态范围和声场定位上确实存在明显的时代局限性。但这种“局限性”本身，反而成了解读它内涵的一把钥匙。它不是去追求柏林爱乐乐团那种“完美无瑕”的音质，而是试图捕捉特定时间、特定空间下，那些皮簧、琵琶、二胡在特定环境下发出的最本真的振动。这让我想起了我在看的一部关于二十世纪初上海滩月份牌画作的展览，那些画作的色彩、构图，充满了那个时代的局促与张扬并存的特性。这张CD也是如此，它像一幅声音的月份牌，记录了某个历史切片上，中国民间音乐生态的真实面貌。我欣赏它这种不妥协的姿态，没有为了迎合现代听众的耳朵而把传统乐器“电吉他化”，这对于严肃的音乐史研究者来说，是非常宝贵的资料，即便对于普通听众，也是一次挑战感官边界的旅程。

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最近我正在尝试一种新的摄影技术——湿版火棉胶摄影，它要求极其精准的化学配比和对光线的极致敏感度，稍有差池，整张底片就报废了。这种对工艺细节的苛求，让我想起了审视这张《中国民乐民乐中国(CD)》时的心态。这张碟的魅力，恰恰在于那些“不完美”的细节中。比如，一些传统演奏家在拉奏时，弓子与琴弦摩擦发出的那种略带“沙哑”的质感，或者竹笛演奏者换气时那清晰可闻的气流声，在现代录音中往往会被消除，但在本碟中却被保留了下来。这让我想起湿版摄影成品上那些独特的“缺陷美”，比如轻微的漏光、颗粒的凝固感，它们不是错误，而是那个工艺流程不可分割的一部分。这张CD成功地将这些“非音乐”的声音元素，提升到了与旋律同等重要的地位。它不是那种让你放松心情、边做别的事边听的音乐，它要求你像调试化学药水一样，集中注意力去捕捉那些微小的声学信号。对我而言，这是一种非常“硬核”的聆听体验，它提供的不是娱乐，而是对声音材料本身的深度考察，非常值得那些对声音技术和民间艺术的“本真性”有执着追求的听众收藏。

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这套《中国民乐民乐中国(CD)》专辑简直是国乐爱好者的福音，但我要说的是，如果你期待的是那种耳熟能详、红遍大江南北的流行民乐改编版本，那可能会有点落差。我特意找了几个我正在听的其他领域的好东西来对比一下，这套碟给我的感觉是，它更像是一部精心编排的音乐人类学田野调查报告，只不过载体是CD。比如，我最近在读一本关于十七世纪江南丝竹乐器制作工艺的学术专著，那本书的严谨和对细节的考究，和这张CD中对地方戏曲腔调、民间曲牌的原始呈现方式有异曲同工之妙。它没有过多地进行“美化”或“现代化”处理，而是直接把声音的纹理、乐器的颗粒感给你抛出来。我记得有一轨是关于某个偏远山村的祭祀音乐，那旋律的跳跃性和调式的古怪，初听上去甚至有些刺耳，但反复听下去，你就能体会到那种根植于地域文化土壤的生命力。这套碟的价值不在于旋律多么动听，而在于它记录了“正在消失的听觉遗产”。它让我联想到我收藏的几张欧洲早期音乐的录音，那些录音为了追求历史真实性，甚至保留了演奏中的换气声和皮具的吱呀声，这张中国民乐CD的某些部分，也达到了这种“去修饰化”的真实感。如果你是想找点轻松的背景音乐，那可能要失望了，它需要你静下心来，像对待博物馆里的文物一样去聆听。

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