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出版者:人民美术出版社

作者:蒋智南 编

出品人:

页数:103

译者:

出版时间:2002-2

价格:26.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787102025070

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好的，以下是一份关于名为《认识水彩》的书籍的简介，内容详尽，力求自然流畅，不包含该书的任何实际内容： --- 《水岸之畔的低语：传统建筑的守护与新生》 一卷关于时间、材料与记忆的史诗，深入探寻那些沉默矗立在水岸边的古老建筑，它们如何抵御岁月的侵蚀，又如何在现代文明的浪潮中寻求新的生命力。 本书并非一本关于艺术创作或色彩理论的指南，而是一部深沉的建筑史学与文化遗产保护的专著。它将带领读者踏上一场跨越时空的旅程，聚焦那些依傍江河、湖泊、海洋而建的传统结构——从江南水乡的白墙黛瓦，到北方沿海的渔家石屋，再到地中海沿岸依山傍水的村落。我们探讨的“水”，是塑造这些建筑形态和生活方式的根本力量，是友善的滋养，也是无情的考验。 第一部分：水与石的契约——材料的哲学与地域性 建筑的灵魂，往往藏匿于其所使用的材料之中。在水岸环境中，材料的选择是一场与自然的漫长博弈。《水岸之畔的低语》首先系统梳理了不同地理环境下，当地居民如何“就地取材”，与自然环境达成一种微妙的“契约”。 一、泥土的韧性与竹木的呼吸： 我们将深入探讨华南沿海湿热地带，当地特有的夯土技术，如何通过特定的配比和复杂的夯筑工艺，抵抗湿气与台风的侵袭。对比之下，考察日本传统木结构建筑中，榫卯连接的精妙，以及如何通过高架结构应对季节性洪水。每一块砖瓦、每一根梁柱，都记录着工匠们对当地气候的深刻理解与敬畏。 二、石材的沉默与海洋的盐蚀： 聚焦于地中海和斯堪的纳维亚半岛的海岸建筑。这些建筑的生命力，体现在它们对海盐侵蚀的抵抗上。本书详细分析了当地特有的石灰石、花岗岩的选择标准，以及用以粘合的砂浆配方——这些配方往往失传于史籍，却通过世代的经验得以口耳相传。我们不仅观察建筑的表面形态，更探究其内部的结构逻辑，即石材如何形成有效的“呼吸系统”，避免内部湿气积聚导致的结构劣化。 三、水土文脉的交互场： 本部分强调，材料的运用绝非孤立的技术实践，它深深植根于当地的社会结构、经济模式乃至宗教信仰之中。例如，在一些依赖渔业的社区，房屋的朝向和窗户的设置，直接服务于航海活动的需要，体现了“人居环境与生存技能”的统一性。 第二部分：时间的刻度——结构老化与历史印记 传统建筑最大的魅力在于其承载的历史信息。它们是活着的博物馆，记录着数百年来的社会变迁、技术革新与生活方式的演变。《水岸之畔的低语》致力于解读这些“时间刻度”所留下的物理痕迹。 一、风化与侵蚀的“负面美学”： 传统建筑的破损往往被现代人视为缺陷，但本书提出了一种“负面美学”的观点。青苔的蔓延、墙体的剥落、木材的碳化，这些都是材料与环境长期对话的结果。我们运用现代检测技术，结合历史文献，重建特定结构受损的具体过程，从而理解其抗衰老的内在机制。例如，某些古老屋顶瓦片上独特的矿物沉积层，揭示了当地数十年间大气成分的变化。 二、隐秘的修复语汇： 在漫长的历史中，水岸建筑经历了无数次小规模的修补。这些修补往往遵循“最小干预”原则，代代相传的匠人深谙使用与原结构相近的材料和技术。本书通过田野调查，系统整理了这些“隐秘的修复语汇”——那些不被主流设计规范所记录，却对建筑长久健康至关重要的操作细节。 三、生活形态的层叠： 随着家庭结构、功能需求的变化，一栋老房子可能经历多次内部空间的重组。本书通过对特定建筑进行时间切片分析，展示了生活习俗如何“层叠”在原始结构之上，形成复杂而富有生命力的空间肌理。这种层叠不仅是物理的叠加，更是社会记忆的沉积。 第三部分：在继承与创新之间——当代保护的伦理与实践 进入二十一世纪，全球化和快速城市化对传统水岸聚落构成了前所未有的挑战。本书的最后部分，着眼于保护的未来，探讨如何在尊重历史文脉的前提下，赋予这些古老结构新的使用价值。 一、文脉的“可译性”： 保护的核心矛盾在于如何平衡“原真性”与“适应性”。本书提出了“文脉的可译性”概念，即提取传统建筑中最本质的结构逻辑、空间序列和材料精神，将其以现代技术和材料进行转译，而非简单地复制外观。例如，如何用现代化的防水系统，来模拟古代排水沟渠的精神内核。 二、可持续性的回归： 传统水岸建筑本质上是低能耗、高韧性的生态系统。现代保护工作必须重新审视这种“在地性”的可持续性。我们分析了利用地热、自然通风和本地可再生材料（如竹、麻纤维）对老建筑进行“绿色赋能”的成功案例，展示了古老智慧与当代生态技术的完美结合。 三、社区驱动的遗产再生： 建筑的最终生命力在于使用。本书强烈呼吁将保护工作从技术层面拓展到社会层面，强调社区居民在遗产认定、监测和再利用过程中的主体地位。探讨了将闲置的古老码头、粮仓转化为文化创意空间、小型博物馆或生态研究站的模式，确保它们在功能上的重生，而非沦为僵硬的标本。 结语： 《水岸之畔的低语》是一部对人类与自然共存智慧的深情致敬。它提醒我们，那些矗立在水边、饱经风霜的建筑，不仅是石头和木头构成的躯壳，更是我们民族集体记忆和不屈精神的实体化载体。阅读本书，如同聆听水流冲刷数百年岩壁时，所发出的那些关于坚韧、适应与永恒的低语。 ---

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最让我感到佩服的是作者对待“材料局限性”的态度。很多教程总是试图让你相信，只要掌握了技巧，就能驾驭任何材料。但这本书却坦诚地指出了水彩固有的“脆弱性”和“不可逆转性”，并将其转化为一种创作的动力。它教导我们如何在“失控”的边缘进行创作，如何接受颜料在洇开时形成的意外纹路，并将其融入画面设计。特别是关于“渗化”和“干扫”技法的讲解，作者强调的重点是“预判”而非“修正”。这种务实的态度，让我从对完美主义的执念中解脱出来。我记得书中有一幅表现海浪的作品，那些飞溅起来的水花，几乎完全是颜料自然流淌和纸张吸水不均所形成的结果，作者只是在关键节点做了极其微小的引导。这让我明白，最好的水彩画，往往是人与水之间相互成就的产物，而不是一方完全主导的表演。这本书，成功地教会了我如何放下控制欲，去倾听水彩颜料本身的语言。

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阅读这本书的过程，与其说是学习技巧，不如说是一次心灵的放松与重塑。我尤其喜欢作者在探讨“光影处理”时的那种哲学意味。他没有将光影视为生硬的明暗对比，而是强调光线如何穿透颜料层，与纸张的留白共同构筑空间感。这对我以前那种用白色颜料去“提亮”的固有思维是个巨大的冲击。书中有一个章节专门讲解了如何利用纸张本身的白色来引导视觉焦点，这让我明白了水彩的“留白”艺术，远比我想象的要深刻。我尝试着去画一些简单的静物，不再强求每一个细节都清晰可见，而是学着用“湿画法”去营造边缘的模糊和氛围的营造。这种由内而外的转变，让我的画面变得“呼吸”起来，不再是死板的描摹。书中的案例分析也非常精彩，每一幅作品后面都附有详细的步骤解析，但解析的重点往往不在于“我用了什么颜色”，而在于“我当时为什么选择用这种方式控制水分”。这种对创作心境的关注，极大地提升了我的绘画自信心，让我不再害怕犯错，因为错误在水彩里往往能孕育出惊喜。

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这本书的编排逻辑，简直是教科书级别的典范，层层递进，毫不拖泥带水。它没有采用那种堆砌大量复杂技法的做法，而是将所有技巧都融入到具体的场景应用中。比如，当讲到“纹理的创造”时，作者马上会结合“表现岩石的粗粝感”或“表现布料的柔软度”来进行示范。这种即学即用的模式，大大缩短了知识转化为技能的周期。我特别留意了关于“叠色”和“罩染”的那几页内容。过去我总是担心新上的颜色会破坏底层的颜色，导致画面浑浊。而这本书清晰地阐述了不同媒介和颜料层之间的相互作用力，以及如何通过控制干燥时间来实现干净的叠加，而不是简单的“覆盖”。我跟着书中的步骤尝试画了一组风景中的远山，利用多层轻薄的蓝色罩染，成功地表现出了空气透视带来的那种层次感，远处的山峦仿佛真的远在云雾之中。这种系统化的讲解，比我之前在网上零散学习的碎片信息要有效得多。

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让我感到惊喜的是，这本书对“色彩理论”的阐述，摆脱了传统美术教育的刻板印象，注入了大量现代和感性的视角。它没有停留在红黄蓝三原色的机械记忆上，而是深入探讨了“邻近色”和“对比色”在水彩环境下的实际效果。作者非常强调观察生活中的色彩——比如阴天光线下建筑的冷色调，或是日落时天空的饱和度变化。书中有一部分专门对比了“高纯度色彩”和“低饱和度色彩”对画面情绪的影响，这让我对调色有了更深层次的理解。我之前总觉得自己的画“灰”，但看了这本书后，我意识到那不是因为我用错了颜色，而是因为我对“灰色”的运用还不够到位，缺乏那种有意识地加入一点点“对比色”去“拉高”主色调的技巧。这本书引导我从一个单纯的“涂色者”转变为一个“色彩的构建者”，我的调色盘因此变得更加丰富和有目的性了。

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这本《认识水彩》的出现，简直像是为我这个刚刚踏入水彩世界的新手量身定做的指南。我一直对水彩那种朦胧、透明的质感心生向往，但又苦于找不到系统的方法来驾驭它。书中的前几章，并没有急于展示复杂的技巧，而是非常耐心地从工具的选择开始讲起，比如画笔的种类、纸张的吸水性差异，甚至连颜料的品牌特性都有所提及。这种细致入微的铺垫，让我感觉作者是真正理解初学者的困惑，知道“工欲善其事，必先利其器”的重要性。特别是关于“水与色的平衡”那部分的阐述，作者用生动的比喻解释了水在水彩中的核心地位，而不是仅仅停留于“多加水”或“少加水”的简单指令。我记得书中提到，水彩的魅力恰恰在于它的不可控性，它像是在与水分进行一场精妙的舞蹈，而这本书，就是我的第一支舞鞋，让我学会了如何更好地与舞伴（水）互动。书中配图的清晰度也值得称赞，那些不同稀释度的色块对比图，比任何冗长的文字描述都来得直观有力，让我能迅速判断出自己调出的颜色到底处于哪个阶段。

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文字内容很实在

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光感不错

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