流行音乐和声技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:蔡松琦

出品人:

页数:452

译者:

出版时间:1997-7

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787805535258

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探索人声的无限可能：和声的魅力与编配的艺术 这本书并非关于那些在排行榜上短暂闪耀的流行金曲，亦非探究偶像团体如何打造一夜成名的秘诀。相反，它将引领您走进一个更为深邃而迷人的音乐领域——人声和声的奥秘与编配的精妙艺术。 为何关注人声和声？ 人声，作为最古老、最贴近人心的乐器，其本身就蕴含着丰富的情感与表现力。当不同的音高、音色、节奏在同一空间交织，便能产生出令人心潮澎湃的共鸣。从古典时期严谨的多声部音乐，到爵士乐中即兴的色彩变化，再到现代阿卡贝拉（A cappella）的纯粹呈现，人声和声始终是构建音乐层次、烘托情感、塑造风格的关键元素。 本书旨在帮助您理解和声是如何为人声赋予更饱满的生命力的。我们将从最基础的和声理论出发，阐释音程、和弦的构成与进行，以及这些基本元素如何在人声的编配中发挥作用。您将了解到，一个简单的旋律，通过巧妙的和声衬托，能够瞬间变得立体而富有感染力。 深入编配的智慧 编配，是将音乐构思转化为实际听觉体验的过程。而人声编配，更是需要作曲家或编曲家具备对人声特质的深刻洞察。本书将带您领略人声编配的艺术化表达： 声部分层与织体构建： 我们将探讨如何为不同的声部（如主唱、和声、低音、节奏声部等）赋予明确的角色与功能。理解声部之间的关系，学习如何构建丰富的音乐织体，使整体听感既和谐统一，又不失individual性。您将学习到如何运用平行、对位、模仿等手法，创造出或饱满浑厚、或轻盈灵动的听觉效果。 色彩与情绪的渲染： 和声的色彩是其最引人入胜之处。本书将深入剖析不同和弦色彩对情绪的影响，以及如何在编配中巧妙运用这些色彩来烘托音乐的特定氛围。例如，如何通过属和弦的张力来制造期待感，如何通过变化和弦来增添一丝忧郁或神秘，又如何通过保留音来增添细腻的色彩。 节奏与律动的塑造： 律动是音乐的灵魂，而人声编配同样需要精心的节奏设计。我们将分析不同人声声部之间的节奏配合，以及如何通过节奏的变化来增加音乐的活力与动感。无论是稳定的鼓点式伴唱，还是自由流动的背景和声，都将是本书探讨的内容。 人声特质的应用： 每一位歌唱者的嗓音都独一无二。本书将引导您思考如何根据不同人声的音域、音色、演唱风格，来设计最适合的和声声部。学习如何充分发挥主唱的优势，同时为和声声部找到恰当的位置，形成有机的整体。 阿卡贝拉的创作思路： 对于喜欢纯人声音乐的您，本书将提供阿卡贝拉编配的独特视角。我们将解析如何用人声模仿打击乐的节奏，如何用泛音、哼鸣等技巧来填充低音或和弦，以及如何创造出令人惊叹的无器乐伴奏的音乐世界。 从理论到实践的桥梁 本书绝非枯燥的理论堆砌。我们将通过大量清晰的乐谱示例，直观地展示各种和声技法在实际编配中的应用。您将看到，那些看似复杂的和声进行，是如何通过简单的原理逐步构建起来的。同时，我们也将提供分析经典人声作品（非流行音乐范畴）的案例，让您从大师的创作中汲取灵感。 学习目标： 通过阅读本书，您将能够： 系统掌握人声和声的基本理论知识。 理解不同和声色彩对音乐情感的影响。 学会为旋律进行有效的人声和声编配。 掌握构建丰富人声织体的多种方法。 能够分析和理解现有的人声作品。 在创作中更自信地运用人声和声。 这本书适合所有对音乐创作、编曲、人声表演有浓厚兴趣的学习者，无论是初学者还是有一定基础的音乐人，都能从中获得宝贵的知识与启发。它将帮助您打开一扇通往人声音乐无限可能的大门，让您更能体会到声音交织所带来的震撼与美妙。 准备好探索人声的深邃魅力，掌握编配的精妙艺术了吗？

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这本书的阅读体验非常“重”，不是指它的物理重量，而是指其思想的密度。我尝试用快速扫描的方式去寻找关键词，例如“Voicing”、“Drop 2”、“Suspending”等，但这些技巧性的术语出现的频率极低，即使出现，也往往是作为历史名词被提及，而非作为可操作的工具被详细解析。我注意到，书中似乎对“旋律与和声的关系”有着一套非常固定的理解：和声是旋律的支撑骨架。这是一种非常古典的思维定式。但在很多现代的流行制作中，很多时候是先有了强烈的节奏和低音线（Bassline），和声元素（Pad, Synth Chords）反而是根据律动和低音线条的需要被“填充”进去的，其功能更接近于渲染气氛和色彩，而不是提供结构性的支撑。这本书似乎对这种“自下而上”的创作流程缺乏关注。因此，对于那些习惯于数字音频工作站（DAW）环境中，通过效果器和音色来间接影响和声色彩的音乐人来说，这本书提供的理论框架显得有些水土不服，甚至有些令人困惑，因为它没有提供任何关于如何将这些理论应用于现代合成器和采样技术的桥梁。

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当我翻到中间部分时，我对作者的“音乐观”有了更深的理解，也更确定了这本书与我所追求的“流行音乐前沿和声应用”存在认知上的偏差。这本书似乎对“流行”的定义停留在上世纪八九十年代的主流摇滚、民谣以及相对传统的流行歌曲范畴。它对“复杂”的定义，更多是基于传统功能和声学（Tonal Harmony）的延伸，比如对借用和弦和模态交换的细致讨论。我真正想学习的是如何在现代流行制作中，处理那些节奏驱动型（Rhythmically Driven）的和声变化，比如如何利用音高空间的非传统移动来创造“失重感”，或者如何设计一个能让主唱自由发挥而不显得突兀的、具有流动性的和声背景。这本书的例子大多是清晰、工整的，每一个乐句的结束都伴随着一个明确的终止式，听起来非常“完美”。但现代流行音乐的魅力往往在于那种“不完美”的张力，在于打破预期的处理。我感觉自己读完后，能写出非常优美的巴赫风格赋格，但对于如何为一首新的城市流行情歌铺设一个既抓耳又不会太“老套”的和声底色，依然感到迷茫。

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总结来说，这本书像是一部对二十世纪中叶以前西方流行音乐和声体系的详尽回顾与整理，它成功地构建了一个完整而自洽的理论世界。它的优点在于其历史的深度和理论的完整性，适合那些希望从源头上理解“为什么现在我们会这样使用和弦”的音乐历史学者或者理论爱好者。但对于一个想在当下竞争激烈的音乐市场中，快速提升自己编曲和和声配置能力的创作者而言，它提供的即时帮助非常有限。我希望书中能有哪怕一章，专门分析近十年内那些占据榜单前列的作品中，那些被反复使用的、非传统和声进行是如何被构建和运用的。例如，那些利用大调小调和声的交替来实现情绪跳跃的技巧，或者那些如何用极简的和声来最大化地突出人声和歌词的表现力。这本书更像是一份扎实的理论基石，但通往当代流行音乐殿堂的快捷通道，我还需要去其他地方寻找。

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这部厚厚的册子拿到手里，首先映入眼帘的就是那种带着年代感的牛皮纸封面，触感粗粝，仿佛能嗅到旧图书馆里木质书架散发出的气息。我原本是冲着对某个特定时期爵士乐和声的深入研究来的，毕竟我手头上的资料大多停留在基础理论层面，急需一些更进阶的、涉及即兴演奏语汇构建的实战技巧。然而，当我翻开前几页，立刻意识到这可能不是我预期的方向。内容似乎更侧重于宏观的音乐史发展脉络，以及对不同流派（比如早期的布鲁斯和乡村音乐）和声骨架的梳理，而非我所期待的，那种直接针对键盘手或吉他手，讲解如何运用七和弦、九和弦的特定转位来创造出那种让人心头一颤的、具有“现代感”的和声色彩的技法。它更像是一本优秀的音乐学著作的导论，试图为整个流行音乐的和声图景打下一个坚实但略显宽泛的理论基础，对于那些想立刻上手“变魔术”的演奏者来说，可能需要更多的耐心去挖掘隐藏在历史叙述背后的工具书性质的内容。我甚至花了好长时间寻找关于“节奏律动（groove）如何影响和声选择”的章节，结果发现，这方面的探讨也只是浅尝辄止，更多的是对结构形式的分析，而非操作层面的指导。

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这本书的装帧设计给我一种强烈的“学术论文集”的观感，那种严谨到近乎刻板的字体排版和大量的脚注，让人不禁怀疑自己是不是不小心买到了一本大学教材的试读本。我期待的是那种图文并茂、充满鲜活案例的“干货”分享，最好能有大量的五线谱和六线谱实例，清晰地标注出“这里应该用什么和弦替代？”、“为什么这个副属和弦在这里感觉如此流畅？”这类具体到音符层面的剖析。但这本书的论述方式显得过于抽象和宏大。它花了大量篇幅去讨论“和声的社会文化功能”——比如在某个特定十年，特定的和弦进行如何被视为反叛的象征，或者某种调式色彩如何与特定阶层的听众产生共鸣。这固然有其价值，但对于我这种急切想知道“如何用更丰富的色彩替换经典的I-IV-V”的实践者来说，读起来就像在看一份关于食材历史的百科全书，而不是一本烹饪秘籍。书中的引文和参考文献非常详尽，但那些引用的音乐家，大多是早期的、以纯粹旋律和简单和声为基础的创作人，对于近二十年电子舞曲、R&B中那些复杂的、基于合成器音色构建的和声结构，几乎没有提及。

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