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出版者:北京出版社

作者:史树青

出品人:

页数:111

译者:

出版时间:2005-5

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787200059632

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《东方画意：中国古代绘画的千年流转》 本书是一部系统梳理中国古代绘画发展脉络的艺术史专著，深入浅出地剖析了自新石器时代陶器纹饰的萌芽，历经战国秦汉的帛画、墓室壁画，魏晋南北朝的佛教造像与文人画的初步形成，唐宋盛世的辉煌山水、人物与花鸟，元代文人画的崛起与风格多样，明清时期士夫画、浙派、吴门、松江派等多元流派的纷呈，直至近现代绘画的转型与创新。 本书的叙述并非简单的时间线罗列，而是注重挖掘每个时代绘画的时代精神、社会背景、哲学思想和美学追求，并以此为线索，呈现不同画种（如人物画、山水画、花鸟画、界画等）的发展演变。作者审视了绘画工具、材料（如宣纸、绢、墨、笔、颜料）的进步对绘画技法和风格的影响，并探讨了绘画理论（如“以形写神”、“气韵生动”、“笔墨意趣”）的形成与发展，力求从宏观到微观，为读者构建一个立体而丰富的中国古代绘画全景图。 在内容层面，本书着重以下几个方面： 绘画源流与早期探索： 从史前时期的彩陶纹饰、岩画，到殷商青铜器上的纹饰，再到春秋战国的漆器、壁画，追溯中国绘画最早的痕迹，揭示其蕴含的原始宗教、神话和装饰性审美。重点分析了战国时期屈原《离骚》图等早期绘画作品的艺术价值和文化意义。 魏晋南北朝的形神之辩与文人画肇始： 深入探讨顾恺之“以形写神”的理论，解析《洛神赋图》等作品的人物造型与精神气质。阐述佛教艺术的传入对中国绘画的影响，以及曹不兴、陆探微等早期画家的贡献，初步展现文人阶层在绘画领域的参与和初步的艺术追求。 唐宋绘画的集大成： 详尽介绍唐代人物画的写实主义与浪漫主义并存，如阎立本的“古今人物图”与吴道子的“吴带当风”。重点分析唐代山水画的早期发展，如李思训的金碧山水。进入宋代，本书将系统梳理山水画的成熟与高峰，从范宽的“溪山行旅图”的雄浑壮阔，到米芾父子的“米点山水”的潇洒写意，再到马远的“一角山水”的简练意境，深入剖析不同山水画家的风格特点及其背后的哲学思考。同时，也将详尽介绍宋代花鸟画的精细工致（如黄荃、赵佶）与水墨写意（如徐熙）的对立统一，以及宋代文人画的兴起，如文同、苏轼等人的墨竹、墨梅作品。 元明清的绘画变奏与流派纷呈： 探索元代文人画的繁荣，如赵孟頫的“古意”复兴，以及黄公望、王蒙、吴镇、倪瓒“元四家”的绘画理念与艺术成就。明代绘画在继承传统的基础上，展现出更加多元的面貌，重点分析浙派（戴进）、吴门画派（沈周、文徵明、唐寅、仇人）的艺术风格和历史地位。同时，对明代宫廷画院、院体画以及后期董其昌的“南北宗论”及其影响进行深入探讨。清代绘画在继承和创新中，涌现出“新安画派”、“扬州八怪”等风格独特的画家群体，本书将分别介绍他们的艺术特色和对后世的影响，如石涛的“搜尽奇峰打过腹稿”，以及“扬州八怪”的个性解放和写意精神。 绘画技法与审美品鉴： 除了对各时期绘画风格的梳理，本书还专门辟有章节，深入解析中国画的基本技法，如勾勒、皴法（披麻皴、斧劈皴、解索皴等）、渲染、设色、用笔（中锋、侧锋）、用墨（浓淡干湿）等，并结合具体作品进行示范性讲解。同时，提供一套鉴赏中国画的基本方法，引导读者如何从构图、笔墨、设色、意境等方面去欣赏和理解一幅中国画作品的艺术价值。 绘画的文化内涵： 本书不仅关注绘画的技法和风格，更强调绘画作为中国传统文化载体的重要性。通过对绘画作品的解读，展现中国古代社会的政治、经济、文化、宗教、哲学等多个层面的信息，揭示绘画在传达思想、抒发情感、寄托情怀方面的独特作用。 本书的语言风格力求严谨而不失趣味，专业术语的运用恰当，并配以大量精美的古代绘画作品高清图片，便于读者对照理解。作者希望通过本书，能够激发读者对中国古代绘画的兴趣，提升艺术欣赏水平，并对中华民族独特的艺术智慧有更深刻的认识。本书适合对中国艺术史、绘画艺术感兴趣的普通读者，以及艺术院校学生、研究人员和收藏爱好者阅读。

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我必须要分享一下我最近在研究的这套关于宋代文人园林建筑美学的书籍。这本书的视角非常独特，它没有聚焦于宏大的宫殿或者寺庙，而是把镜头对准了那些私家园林，那些寄托了文人雅士精神追求的方寸之地。作者似乎拥有洞察一切的眼睛，他不仅仅描述了假山叠石的技艺有多高超，更深入挖掘了“框景”、“借景”这些园林手法背后所体现的禅宗思想和道家哲理。我特别喜欢其中关于“留白”艺术的论述，书中阐述了如何在有限的空间内，通过水面、空地和植物的疏密安排，营造出无限的意境，让人在观赏时仿佛能听见风声、看见云影。这本书的配图选择也是一绝，很多都是极其罕见的明清版画和早期测绘图，清晰度极高，让我可以对着图纸研究当时园林布局的精确几何关系。阅读这本书的过程，就像是跟随一位饱学之士在幽静的竹林中漫步，每一步都有新的体悟，它极大地提升了我对空间布局和自然哲学结合的理解层次。这绝不是一本轻松的读物，但其带来的精神滋养却是无可替代的。

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我最近在研究古代的玉器雕刻工艺，手边有一本专注于清代新疆和田玉雕题材与刀工的书籍。这本书的视角非常聚焦，几乎所有的内容都围绕着和田玉这一特定材质在宫廷和民间的使用展开。它细致地划分了不同时期玉雕题材的流行趋势，比如乾隆时期对仿古器的痴迷，以及晚清时期世俗化、吉祥寓意纹饰的兴盛。让我印象深刻的是书中对“刀工”的详细剖析，作者竟然能通过照片判断出雕刻师使用的是哪种工具，以及在处理玉料的“沁色”和“糖白”时所采用的特殊技巧。书中收录了许多角度极其刁钻的玉器局部特写，比如兽首的眼窝、花卉的脉络，这些细节清晰到可以分辨出是手工镂雕还是机械辅助的结果。这本书不仅是欣赏玉器的指南，更像是一本工匠手册，它让我明白了为什么同样是玉石，经过不同匠人之手，其价值和美感会产生天壤之别。阅读它，我感觉自己仿佛站在了清代的玉作坊里，亲眼目睹着一块璞玉是如何被赋予生命的。

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说实话，我对古代陶瓷的了解一直停留在“漂亮”的层面，直到我读了这本关于元青花纹饰解析的专业著作，才算真正打开了新世界的大门。这本书的专业性令人叹服，它几乎是一部青花纹样的“字典”。它系统地梳理了元代不同窑口，尤其景德镇窑口在钴料使用上的细微差异，这些差异是如何影响了最终烧制出的蓝色的浓淡和层次感的。书中花费了大量的篇幅来解读那些看似繁复的花卉、走兽和海水江崖纹，作者运用了大量的历史文献和考古发现来佐证，比如特定纹样在元代宗教、政治中的象征意义。我尤其欣赏它对“苏麻离青”这种进口钴料的化学成分分析，以及这种材料的局限性是如何反过来塑造了元青花那种雄浑、热烈的视觉风格。这本书的插图质量极高，很多高清细节图可以放大到能看清笔触的力度和晕染的边缘，让我对工匠们在极高温度下对釉下彩的控制力感到由衷的敬畏。这本书无疑是为专业研究者准备的，但即便是一个爱好者，也能从中汲取到远超一般的知识深度。

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天哪，最近淘到的这本关于中国古代服饰的图册简直是我的救星！我一直对唐宋时期的衣冠风貌充满了好奇，尤其想知道不同等级的官员和贵族在特定场合会穿戴什么样的服饰，比如祭祀、朝会或者日常宴饮。这本书在这方面做得非常出色，它不仅仅是简单地罗列图片，而是深入剖析了不同朝代服饰的形制、色彩、纹样所蕴含的社会意义和礼制规范。比如，它详细解读了“深衣”在不同时期的演变，以及丝绸、锦缎等面料的质地如何通过触摸就能传达出穿着者的身份地位。更让我惊喜的是，书中还配有大量精细的复原图和实物照片的对比，让我能清晰地看到那些消失在历史长河中的细节，比如袖口的褶皱、腰带的系法，甚至是如何用特定的头饰来烘托整体气场的。这本书的文字叙述流畅而又不失严谨，它让我不再是走马观花地欣赏历史剧中的华服，而是真正开始“阅读”这些衣裳背后的文化密码。我甚至开始尝试根据书中的描述，去想象当时人们在穿着这些服饰时的举手投足间的仪态万方，那种感觉真是太美妙了，完全沉浸在了那个风华绝代的时代里。

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最近重温了一遍这本关于中国古代书法理论演变脉络的书籍，感觉收获比初读时丰厚了好几倍。这本书的结构非常严谨，它没有急于介绍王羲之、颜真卿这些大家的作品，而是从魏晋时期的“尚韵”之风，如何一步步过渡到唐代的“尚法”，再到宋代“尚意”的哲学转变，进行了清晰的历史分期和理论梳理。最吸引我的是，作者并没有停留在对笔法技巧的描述，而是深刻探讨了“书为心画”这一理念在不同历史阶段的内涵变化。例如，书中对比了唐代楷书的规整与宋代行书的欹侧，分析了这种变化背后士大夫阶层审美情趣和政治环境的相互作用。书里引用了大量早期书论家的原文，并附上了详细的释义和现代语境下的解读，这使得那些晦涩难懂的理论变得鲜活起来。它教会我如何去“听”一幅字中的气韵，如何理解那些看似随意的一撇一捺中蕴含的作者心境，这本书极大地深化了我对书法作为一种独立艺术形式的理解。

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书页质量很好。

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书页质量很好。

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