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出版者:Tuttle Pub

作者:Wiltshire, Diane/ Wiltshire, Ann

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2002-8

价格:$ 20.28

装帧:Pap

isbn号码:9780804834278

丛书系列:

图书标签:

• 日式腰封
• 设计
• 日本文化
• 装饰
• 书籍设计
• 创意
• 手工艺
• 视觉艺术
• 包装设计
• 传统工艺

《华裳之韵：日本织物艺术的典范》 这本书籍的扉页仿佛铺陈开一幅流动的锦缎画卷，它并非专注于某一个具体的物件，而是深入探索了日本传统织物艺术的精髓，特别是那些蕴含着深厚文化底蕴和精湛工艺的“织锦”——这一承载着时光沉淀与匠人温度的东方瑰宝。 当我们提及日本的织物，脑海中浮现的往往是那些色泽饱满、图案繁复、触感细腻的布料。它们不仅仅是衣物或装饰的载体，更是日本审美哲学、社会历史以及工艺传承的活态载体。《华裳之韵》旨在为读者揭示这些织物背后不为人知的世界。 本书的开篇，我们将一同追溯日本织物艺术的源头。从古代的麻布、丝绸，到后来从中国、朝鲜传入的技术革新，再到本土化的发展与演变，本书将勾勒出一幅清晰的织物发展脉络图。我们将看到，在不同的历史时期，织物的材质、纹样、色彩是如何受到社会风俗、宗教信仰、甚至政治经济因素的影响而不断变化的。例如，平安时代的贵族服饰对丝绸的精美程度有着极致的追求，由此催生了“平织”、“纹织”等多种高难度织造技法。而到了江户时代，随着市民阶层的兴起，更具活力和表现力的染织技艺，如“友禅染”、“捺染”等也日益成熟，展现出蓬勃的生命力。 接着，本书将带领读者走进日本各地那些孕育出独特织物风格的地域。我们将在本书中探索那些闻名遐迩的传统织物产地，如西阵的精美织锦、结城的素雅本棉、上布的轻盈透气、久留米的絣织等等。对于每一个地域，我们不仅会介绍其独特的织造技法、代表性的纹样图案，更会深入挖掘其背后的故事：当地的自然环境如何影响了材质的选择？历史上的哪些事件塑造了其独特的审美偏好？一代代匠人如何在传承与创新中坚守着这份珍贵的技艺？本书将通过翔实的文献考证和对当代匠人的深入访谈，生动地呈现这些地域织物的文化内涵与艺术价值。 在技艺层面，《华裳之韵》将以详尽的图文并茂的方式，解析日本传统织物中所蕴含的精湛工艺。我们并非仅仅罗列名词，而是将带您走进织布机前，感受每一次经纬交织的力量。从选料、染料的调制、纹样的设计、到复杂的织造过程，本书将细致地展示每一个环节的严谨与考究。例如，对于“锦织”，我们将拆解其“纹罗”的织造原理，展示如何通过提花技术将复杂的图案如同绘画般呈现在织物之上。对于“絣织”，我们将深入解析其“先染”工艺，即在织造前就将纱线进行染色和扎染，从而在织造过程中自然形成独特的几何纹样。本书还将探讨不同织造工具（如各种类型的织布机、梭子、筬等）在不同织物风格形成中的作用。 纹样，是日本织物最直观的语言。《华裳之韵》将花大力气剖析这些纹样背后的象征意义与美学追求。从自然界的四时景致——樱花、枫叶、松竹、流水，到吉祥寓意的传统图案——松鹤延年、龙凤呈祥、七宝纹、青海波，再到寄托人生愿望的图案——如意纹、宝尽纹。本书将深入解读这些纹样的历史渊源，以及它们在日本文化中承载的深层寓意。例如，“青海波”纹样象征着海的广阔与和平，“七宝纹”则代表着佛法的七种珍宝，寓意吉祥圆满。同时，本书也将关注那些随着时代变迁而出现的创新纹样，以及它们如何巧妙地融入现代设计之中。 色彩，是织物的情感表达。《华裳之韵》将探讨日本传统织物对色彩的独特运用。从天然染料的丰富层次，到人工合成染料的鲜艳饱和，本书将分析不同时代、不同地域织物色彩的特点。我们将审视那些被视为高贵、神圣的色彩（如紫色、金色），以及那些代表着朴素、自然的色彩（如靛蓝、本色）。同时，本书也将介绍日本传统色彩理论，例如“侘寂”美学对色彩的理解，以及“五色”等色彩体系在日本文化中的地位。 除了作为服饰的载体，日本织物在历史上还扮演了多种重要角色。本书也将对此进行探讨。例如，作为寺庙的法衣、神道教的祭祀用品，织物承载着神圣与庄严。作为茶道中的道具，如“仕覆”（用于保护茶道具的布袋），织物的材质与纹样也与茶道的精神紧密相连。甚至在武士阶层，精美的织物也曾是身份与地位的象征。本书将通过丰富的实例，展现织物在这些不同社会功能下的独特魅力。 最后，《华裳之韵》将展望日本传统织物艺术的未来。在现代化的浪潮中，这项古老的技艺面临着挑战，但也蕴藏着新的生机。本书将关注当代日本设计师如何将传统织物技艺与现代审美相结合，创造出既有文化传承又不失时尚感的作品。我们将探讨科技在织物领域的应用，以及传统织物如何在新材料、新设计中焕发新生。本书旨在激发读者对日本传统织物艺术的欣赏与尊重，并鼓励人们珍视和传承这份宝贵的文化遗产，让“华裳之韵”在新时代继续流传。 这本书籍，是献给所有热爱美学、热衷文化，以及对精湛工艺怀有敬意的人们的。它是一次穿越时空的旅行，一次对日本民族精神深邃的探寻，一次对东方织物美学的极致礼赞。

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这本书给我的整体感觉是极其沉静和内敛的。它没有那种浮夸的、哗众取宠的炫技成分，一切都处理得恰到好处，散发着一种历经时间沉淀后的从容。我最喜欢它那种对“留白”的极致运用，无论是版面上的空白，还是文字叙述上的意境留白，都给读者留下了广阔的想象空间。这与当下很多信息爆炸式的设计书籍形成了鲜明的对比，它鼓励你去“感受”而不是被“灌输”。阅读这本书的过程，更像是在进行一场与作者的心灵对话，你得放慢呼吸，用一种近乎冥想的状态去接收那些微妙的讯息。这种高阶的审美体验，让我在阅读完后，内心感到一种久违的平静和满足感，仿佛完成了一次精神上的洗礼。

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从专业的角度来看，这本书在对设计原则的阐释上，展现了一种独特的东方智慧与现代功能的完美融合。它不是简单地套用西方成熟的设计理论，而是从一种更注重人与空间、人与物体之间关系的视角出发进行探讨。我留意到它对细节处理的强调达到了令人发指的地步，比如一个转角处的弧度、一个图形的细微偏移，都被赋予了重要的意义。这种对“度”的精准把握，是很多新手设计师往往忽略的，而这本书却将此提升到了理论层面。我尝试着将书中的一些观点运用到我手头的一个项目中，结果效果出乎意料地好，那种微妙的平衡感和高级感立刻显现出来，这证明了作者理论的实用性和深刻性。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时只是被它名字里那种神秘又充满异域风情的韵味所吸引。这本书的编排逻辑非常流畅，即使是对于设计新手来说，也能清晰地捕捉到作者想要传达的核心理念。它不仅仅是罗列各种案例，更像是引领读者进入了一个精心构建的思考空间，让你去理解“为什么”要这样设计，而不是简单地模仿“怎么做”。我特别欣赏其中对于材料选择和光影运用的那部分描述，虽然文字不多，但精准到位，充满了哲学的思辨色彩。这种深层次的引导，让我开始重新审视自己过去的一些设计习惯，促使我跳出固有的框架去观察和体验周遭的世界。阅读过程中，我常常需要停下来，仔细回味那些看似不经意的只言片语，那里面似乎藏着设计师的毕生心血和顿悟。

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这本书的装帧简直是一件艺术品，我拿到手的时候，首先被它那独特的封面设计吸引住了。那种传统的日式纹样与现代排版的大胆结合，让人一眼就能感受到其中蕴含的文化底蕴和对细节的极致追求。内页的纸张手感非常棒，厚实而有质感，印刷色彩饱满又不失雅致，即便是黑白照片的层次感也处理得极为到位。每次翻阅，都像是在进行一场视觉上的漫游。虽然我还没完全深入到核心内容，但仅仅是欣赏这些精美的图文排版和版式设计，就已经觉得物超所值了。作者在构图上的功力可见一斑，即便是简单的元素堆叠，也能营造出一种既古典又前卫的张力。装订方式也很考究，书脊的处理非常平整，让人爱不释手，这样的设计完全超越了一般书籍的范畴，更像是一本值得珍藏的设计画册。

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说实话，这本书的阅读体验是渐进式的，初读时可能只觉得它很美，但随着阅读的深入，它的“骨架”才逐渐清晰起来。它似乎有一种魔力，能让你在不经意间对周围环境的感知变得更加敏锐。比如，书中提到对自然光线的捕捉和利用，让我重新审视了我工作室里灯光的布置，以前总觉得差不多就行了，现在则会去思考光线在不同时间段对材质产生的影响。这本书的价值在于它提供了一种看待世界的全新滤镜，这种滤镜是极其细腻和富有同理心的。它没有直接给出答案，而是提供了一套完善的思考工具和方法论，让你能够自己去构建属于自己的美学体系，这对于任何一个追求深度和原创性的设计师来说，都是一份宝贵的财富。

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