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出版者:DORLING KINDERSLEY

作者:Charles Wiffen, John Burrows

出品人:

页数:512

译者:

出版时间:2005-5

价格:196.00元

装帧:

isbn号码:9781405306102

丛书系列:

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《古典音乐》这部作品，并非一本包罗万象的音乐百科全书，它更像是一扇精心雕琢的窗户，引领读者窥探那个由音符、情感与时代精神交织而成的宏伟世界。它不致力于罗列海量的作曲家、作品编号与音乐体裁，而是以一种更为人文的视角，深入探讨古典音乐之所以为“古典”的深层内涵。 本书的核心并非对某位作曲家生平的详尽梳理，也不是对某部交响乐结构的逐一剖析。相反，它将目光投向了那些贯穿始终的、塑造了古典音乐独特魅力的精神内核。你可以从中感受到巴洛克时期严谨的对位艺术如何体现出时代的秩序与信仰，也可以体会到古典主义时期简洁明快的旋律线条中蕴含的理性与和谐。再到浪漫主义时期，那些喷薄而出的激情、深刻的内省与民族主义的呼唤，都将在字里行间跃然纸上。 《古典音乐》不满足于仅仅介绍作品本身，它更关注音乐是如何与时代同呼吸、共命运的。例如，它不会详细列出贝多芬的九部交响曲，但会深刻剖析《英雄交响曲》如何在拿破仑的理想破灭后，成为一部反抗命运、歌颂英雄主义的时代宣言；它也不会事无巨细地介绍莫扎特的所有歌剧，但会着重阐释《费加罗的婚礼》如何以其尖锐的社会讽刺，触动了那个时代政治与阶级的敏感神经。 本书也并非一份详尽的音乐理论教程。虽然对音乐的结构、和声、对位等基础概念不会回避，但其目的并非教授你如何谱曲或分析乐谱。它更侧重于将这些理论元素还原到具体的音乐情境中，让你理解这些“技术”是如何服务于音乐的情感表达和艺术意境的。比如，当谈及赋格时，它不会枯燥地讲解模仿、倒影等技法，而是会描绘出巴赫作品中那种如同精密建筑般层层递进、严丝合缝的宏伟结构，以及这种结构所带来的精神上的升华。 《古典音乐》的读者不一定要具备深厚的音乐学背景。它的语言力求生动、流畅，避免过多的专业术语。即便是初次接触古典音乐的听众，也能在其中找到共鸣。本书的叙述方式更接近于一场高质量的音乐沙龙，你将与作者一同沉浸在音乐的氛围中，通过故事、轶事、以及对音乐背后思想的解读，去感受那些伟大的作品所带来的震撼。 它也不会涵盖所有流派和时期的音乐。作者的视角是经过筛选的，旨在呈现那些对西方音乐发展轨迹产生深远影响的、具有代表性的音乐现象与思考。那些被历史洪流冲刷而去的、或是过于小众的音乐分支，可能不会在本书中占据显著的位置。因此，它并非一个详尽的“曲目列表”或“作曲家年鉴”。 相反，你可以从《古典音乐》中读到的是： 时代精神的回响： 欧洲历史上几次重大的思想变革，如何体现在音乐作品的风格、主题和情感表达上。从宗教改革对复调音乐的影响，到启蒙运动对清晰、均衡音乐形式的追求，再到民族主义对音乐民族风格的强调。 情感的深度开掘： 古典音乐如何超越单纯的悦耳，成为人类情感最细腻、最复杂、最普世的载体。从巴洛克时期的激情澎湃，到古典时期的克制内敛，再到浪漫时期的狂放不羁，直至20世纪的探索与挣扎，音乐在情感表达上经历了怎样的演变。 形式的内在逻辑： 音乐形式并非僵化的框架，而是服务于音乐内容表达的有机体。本书将解读奏鸣曲式、变奏曲式、回旋曲式等经典形式的生命力，以及它们如何为作曲家提供了结构性的框架，以组织和呈现其思想与情感。 跨越时空的对话： 伟大的音乐作品是如何超越其创作的时代，与后世的听众进行对话的。那些在几个世纪后依然能引起强烈共鸣的作品，其魅力究竟根植于何处？是永恒的人性主题，还是精湛的艺术技艺，抑或是二者的完美结合？ 艺术与生活的融合： 音乐并非独立于社会而存在，它如何与绘画、文学、哲学等其他艺术形式相互启发，又如何成为特定历史时期社会生活的一部分，甚至是贵族沙龙、教会仪式、公共音乐会的关键元素。 《古典音乐》希望激发的，是一种对音乐的“品味”和“理解”。它鼓励读者带着好奇心去聆听，带着思考去感受。它可能不会告诉你“你应该喜欢哪一首曲子”，但它会帮助你理解“为什么这些曲子会触动我们”。它是一次关于音乐的旅程，一次关于人类创造力与情感表达的探索，一次关于文化传承与时代印记的凝视。它邀请你走进音乐的殿堂，但不是作为一名被动接受的听众，而是作为一位主动参与、共同感受的探索者。

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我是一个偏爱浪漫主义时期的乐迷，对晚期德奥的宏大叙事情有独钟，因此，对于一些早期巴洛克时期的记述，我通常会草草翻过。然而，这本书在处理早期音乐时所展现出的独特视角，让我不得不停下脚步细细品味。它没有将格里高利圣咏或复调音乐视为“过时的陪衬”，而是深入挖掘了它们在人类音乐史上作为“结构基石”的地位。作者非常巧妙地探讨了教会音乐如何影响世俗音乐的发展轨迹，这种追根溯源的写法，让后来的协奏曲和交响乐的结构逻辑变得清晰无比。更让我惊喜的是，它对一些被主流评论界边缘化的早期作曲家的作品进行了有力的推介，让我发现了许多此前从未接触过却极具潜力的“宝藏音乐”。这使得我的古典音乐知识版图不再局限于我们耳熟能详的“三巨头”，而是扩展到了更广阔、更深邃的历史长河之中。

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说实话，我对音乐理论一窍不通，所以很多关于和声与配器的书对我来说就像是天书。但这本书，妙就妙在它的“去专业化”处理上。它没有纠结于复杂的五线谱结构，而是用非常形象的比喻来解释“配器”的概念。比如，它将铜管乐器比喻为“历史的洪钟”，将弦乐组比喻为“情感的丝绸”，这种生动的描述让我这个门外汉也能瞬间抓住不同乐器在交响乐团中扮演的角色。我尤其欣赏它对不同乐器音色特点的细致描摹，读到描述大提琴的醇厚与中提琴的忧郁时，我立刻去播放了勃拉姆斯的室内乐，那种共鸣感是前所未有的。它成功地搭建了一座从“听众”到“鉴赏者”之间的桥梁，让我不再是被动地接受旋律，而是主动地去辨识、去品味作曲家精心布局的每一个声部。这本书的价值就在于，它极大地降低了古典音乐的“入门门槛”，让普通听众也能享受更深层次的审美体验。

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这本书的排版和插图设计简直是一场视觉盛宴，完全颠覆了我对严肃音乐书籍的刻板印象。它摈弃了那种密密麻麻的文字堆砌，转而采用了大量的、高清的艺术画作和乐谱手稿的局部特写。每一章的过渡都设计得极具巧思，像是翻阅一本精装的艺术相册。我最喜欢的是它对歌剧场景的描绘，那些充满戏剧张力的剧照，配上作者对剧情和角色心理的精辟分析，让人仿佛能听到舞台上的咏叹调。坦白说，我原本对歌剧不感冒，觉得太冗长了，但这本书让我对瓦格纳的史诗有了新的认识——它不仅仅是音乐，更是一部包含哲学思考的视觉文学。这种图文并茂、跨媒介的呈现方式，极大地提升了阅读的愉悦感和信息接收的效率。它让“古典音乐”这个主题变得如此鲜活和触手可及，而不是高高在上的学术研究。

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这本《古典音乐》简直是为我这种半吊子乐迷量身定制的！我一直对巴赫的对位法感到好奇，却又常常被那些晦涩的术语劝退。这本书的叙事方式非常亲切，它没有一开始就用那些让人头大的音乐史年代去轰炸你，而是像是邀请你到一家老式的唱片店里，由一位博学的店主慢慢跟你聊起那些动人的故事。我特别喜欢它对不同流派音乐家之间“恩怨情仇”的描述，比如莫扎特与萨列里之间那种复杂的情感纠葛，写得活灵活现，仿佛我就站在维也纳的沙龙里，亲眼目睹着这一切。它把枯燥的音乐分析融入到了宏大的时代背景中，让我理解了为什么贝多芬在某个时期会突然转向更激昂的创作风格——那是因为当时的社会思潮在推动着他。这本书的魅力在于，它让你在欣赏音乐时，不仅仅是听到声音，更能“看见”背后的灵魂和那个时代的脉搏。读完后，我再去听《命运交响曲》，耳朵里听到的不再是单纯的音符堆砌，而是一种与历史对话的震撼感。

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这本书最让我感到惊喜和受用的一点，是它对于“聆听”这个行为本身的反思和指导。在信息爆炸的时代，我们听音乐常常是抱着“背景音”的心态，注意力是分散的。作者在这本书里反复强调，真正的古典音乐欣赏需要一种“慢下来”的仪式感。他提供了一套非常实用的“进阶聆听法”，比如建议初学者在第一次听某部协奏曲时，只专注于第一小提琴的主旋律；第二次时，去捕捉木管乐器的呼应；第三次时，才去关注整个乐队的层次感。这种分层、迭代的聆听策略，极大地提高了我的专注力和理解深度。它教会我的不是“该听什么”，而是“如何更有效地去听”。读完后，我感觉自己从一个“被动接受声音的容器”，变成了一个主动参与音乐建构的“共同创造者”。这种从技巧到心法的转变，是任何其他入门读物都未能给予我的宝贵财富。

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