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出版者:Springer Verlag

作者:Blaser, Werner

出品人:

页数:93

译者:

出版时间:20010401

价格:0.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9783764364489

丛书系列:

图书标签:

• 建筑
• 安藤忠雄
• 现代建筑
• 日本建筑
• 极简主义
• 混凝土
• 空间设计
• 设计哲学
• 建筑师
• 艺术

安藤忠雄：光与影的建筑诗篇 这是一本关于安藤忠雄建筑哲学的深度探索，一本关于这位世界级建筑大师如何将混凝土、光线和自然融为一体，创造出触动人心的空间的书。它不仅仅是一本图录，更是一场穿越安藤忠雄心灵世界的旅程，揭示了他从大阪街头走出的传奇人生，以及他如何凭借非凡的毅力和对建筑的纯粹热爱，成为当代建筑界不可忽视的重要力量。 本书细致入微地剖析了安藤忠雄的核心设计理念。我们将跟随作者的笔触，深入理解他如何运用“素颜的混凝土”这一标志性材料，赋予建筑一种原始、质朴的力量，同时又能在冰冷的工业感中渗透出温暖的人性关怀。混凝土在他手中，不再仅仅是砌筑的原料，而是被赋予了生命力的画布，承载着他对光影、空间与物质关系的深刻思考。 书中重点阐述了安藤忠雄对“光”的运用。光，在他看来，是建筑的灵魂。他如何巧妙地利用自然光，通过开窗、天窗、庭院以及精心设计的几何体，将外部的光线引入建筑内部，创造出富有戏剧性和情感张力的空间体验？无论是“光的教堂”中那十字架般投射进来的神圣光芒，还是“住吉的长屋”里那缕穿透屋顶的斑驳阳光，都展现了他对光影魔术的精湛驾驭。光影的交错，不仅勾勒出建筑的形体，更在潜移默化中影响着人们的情绪与感知。 同时，本书也深入探讨了安藤忠雄与“自然”的对话。他深信，建筑不应孤立于环境而存在，而应与自然和谐共生。无论是将建筑嵌入山林，还是在都市中创造出宁静的绿洲，安藤忠雄始终致力于将自然元素——风、水、土、绿——融入到他的设计之中。他如何利用水的澄澈反射、植物的四季变化，以及建筑与周围环境的界限模糊，来营造一种沉浸式的自然体验？“本福寺水御堂”中那座隐匿于水中的红色建筑，便是他对自然与建筑融合的极致追求。 本书还特别关注了安藤忠雄在不同类型建筑上的实践。从早期的住宅设计，如“住吉的长屋”，展现了他对城市肌理的敏感和对居住空间的精炼；到公共建筑，如博物馆、教堂、学校，如“地中美术馆”、“大阪府立水与绿之中心”，它们都体现了他对场所精神的独特诠释和对使用者体验的深刻关怀。每一处设计，都仿佛是一首无声的诗，用材料、空间和光影讲述着属于那个地方的故事。 作者通过翔实的案例分析，结合安藤忠雄本人的语录和创作历程，为读者构建了一个全面而立体的安藤忠雄形象。你将了解到他如何克服贫困的出身，自学成才，成为享誉世界的建筑大师；你将体会到他对于建筑的热忱、执着与坚持，以及他对每一个项目都倾注的无限心力。本书也触及了他作为一位“战士”的特质，那种在逆境中不屈不挠，将挑战视为机遇的强大精神。 本书不仅仅是关于建筑形式的探讨，更是关于建筑如何影响我们生活，如何塑造我们的情感，以及如何触及我们内心深处的思考。它邀请你一同走进安藤忠雄的建筑世界，去感受那份宁静的力量，去体验那份纯粹的美学，去领悟那份对生命的尊重与热爱。 无论你是建筑学爱好者，还是仅仅对美好空间充满向往，这本书都将为你带来一次深刻的启发和难忘的阅读体验。它让你看到，建筑，可以是一种哲学，一种艺术，一种生活方式，一种与世界对话的独特语言。安藤忠雄，就是用这种语言，创造了属于他自己的，独一无二的建筑诗篇。

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这本书在呈现安藤先生的作品时，采用了一种近乎“解构”的方式，让你在欣赏最终成品的同时，也能追溯到其最初的灵感源头。我发现，即便是他最著名的那些项目，书中也会穿插一些未被完全实现的设计草图或者更早期的构想版本，这对于理解“设计是一个不断选择和舍弃的过程”非常有帮助。它展示了那种“在限制中创造自由”的悖论与和谐。其中几篇建筑评论家的分析视角非常犀利，他们将安藤的设计放置于更广阔的当代艺术和哲学语境中进行考察，使得读者能够从更宏观的层面理解这位建筑师的贡献。我个人对书中关于其住宅改造项目的部分最感兴趣，那些在既有结构中植入新秩序的努力，那种对现有空间语法的尊重与颠覆，比全新的建造更考验功力。读完后，我脑海中浮现的不是一个个具体的建筑体块，而是一系列关于“入口”、“序列”、“围合”和“渗透”的抽象概念，这正是这本书的最高价值所在——它提升了我们对空间体验的敏感度，教会我们如何真正地“居住”在被设计的环境之中。

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这位建筑大师的作品集，简直就是光影的诗篇，每一次翻阅都像是在进行一场沉浸式的冥想。我尤其欣赏其中关于“光”的运用，那种将自然光线巧妙地引入室内，使其成为空间叙事一部分的手法，实在令人叹为观止。书中的照片和图纸，以一种近乎克制的优雅展示了清水混凝土那种独特的质感和力量感。它不是那种张扬炫耀的建筑，而是深植于土地，与周围环境进行着一场无声的对话。比如介绍的那些宗教建筑，那种极简到极致的内部空间，反而能最大程度地激发观者的内心感受，让人在纯粹的几何形式中找到精神的皈依。这本书的排版设计本身也体现了安藤先生的哲学——干净、精准，没有任何多余的装饰。从早期的住宅项目到后期的公共建筑，你能清晰地看到他如何一步步确立和深化自己对“场所精神”的理解。对于任何一个对现代主义建筑有热情的人来说，这本书都是一本不可或缺的教科书，它教导我们如何用最少的元素，去表达最深远的情感。读完之后，我似乎对“空”的价值有了全新的认识，那种留白的美学，比任何华丽的堆砌都更有力量。

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坦白说，这本书的文字部分读起来略显晦涩，但那种“晦涩”恰恰是其魅力所在，它要求读者带着敬畏心去解读，而不是简单地接收信息。它不是一本面向大众的“速成读物”，更像是一本留给专业人士和深度爱好者的“参禅笔记”。书中探讨的很多概念，比如“内在的自然”、“时间的维度”，都需要读者结合自己的生活经验去体会。我特别喜欢其中几篇关于安藤先生早期生活经历的侧写，它们解释了为什么他对形式的纯粹性如此执着，那份对秩序和永恒的追求，似乎源于他对生命无常的深刻洞察。当我看到那些用钢筋混凝土筑成的巨大体块，在强烈的日光下投下锐利阴影时，我感受到的不仅是建筑的实体感，更是一种对人类精神力量的致敬。书中的案例研究，往往会配上几张非常规视角的照片，比如从一个极小的开口向上看的视角，或者聚焦于墙角缝隙的细节特写，这些都迫使我跳出常规的观赏模式，去重新评估建筑的“边界”和“连接”。

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这本书的叙事节奏把握得相当到位，它没有陷入那种流水账式的介绍，而是通过精选的项目案例，串联起了安藤先生数十年来的设计演变轨迹。最让我心折的是，书中对那些极具挑战性的场地，比如崎岖的山地、狭小的城市角落，他是如何通过精准的几何切割和对材料的极度尊重，将不可能变为可能。我常常对着那些剖面图和轴测图研究许久，试图理解他是如何计算出那些精确的角度和高度，让光线在一天中不同时段投射出截然不同的情绪。它更像是一本关于“如何倾听场地”的指南。作者（或者说编辑）的选材非常具有洞察力，他们没有过多纠缠于技术细节的冗余描述，而是聚焦于安藤先生面对特定问题时所展现出的哲学思考。比如关于“水”的运用，那些平静的水景如何反射天空，如何成为建筑的动态边界，这种处理方式简直是大师级别的对环境的诗意回应。每一次重读，我都能捕捉到一些之前忽略的细微之处，比如墙体与地面的交接处理，那种严丝合缝的精确感，是需要极高专注度和对工艺近乎苛刻要求的才能达成的。

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从装帧设计和印刷质量上来看，这绝对是一本值得收藏的精品。纸张的厚度和触感，与书中展示的建筑的物质性形成了奇妙的呼应——厚重而不失细腻。很多建筑书籍在表现清水混凝土时，往往会显得灰暗沉闷，但这本书的影印技术似乎捕捉到了混凝土表面那些极其微妙的纹理变化，那些浇筑时留下的模板痕迹，在这里被清晰地呈现出来，赋予了冷硬材料以温度。我将它放在书架上，它本身就是一件雕塑般的物品。内容上，我尤其关注了书中对安藤先生在不同文化背景下进行创作的比较分析。例如，当他面对日本传统建筑的语境与欧洲古典主义的冲突时，他是如何保持自我语汇的纯粹性，并成功地实现了跨文化的对话。这本书让我意识到，真正的建筑大师，他们的语言是共通的，不需要过多的翻译，只需用心去感受空间和光线给予的启示。这不仅仅是一本关于建筑的书，它更像是一部关于坚持、关于如何将个人哲学转化为具体物质形态的励志史。

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