名家談繪畫(一)

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出版者:香港商務
作者:香港商務編輯部選編
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:20010801
价格:NT$ 230
装帧:
isbn号码:9789620753770
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 艺术
  • 名家
  • 绘画技巧
  • 艺术史
  • 中国画
  • 绘画理论
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  • 绘画教学
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具体描述

「意」是一種只可意會而難以言傳的藝術境界,它是以現實為基礎,而又超出了現實,被藝術家加以理想化了的藝術境界。它能給人以一種美的享受……已經是一件藝術的作品。在繪畫中「意境」的創造,是作者的浪漫主義高度發展的結果,王維畫過雪裡芭蕉,蘇東坡畫過朱竹,他在試院時,興到無墨,遂用朱筆畫起來,「蓋五彩同施,竹本非莫,今墨可代青,則朱亦可代青矣」。南宋陳興義墨梅詩:「意足不求顏色似,前身相馬九方皋」,這就是說,只要是一個藝術的境界,一個藝術的創作,在現實的基礎上,畫家可以「得其精,而忘其粗;在其內,而忘其外;見其所見,不見其所不見;視其所視,而遺其所不視」。只要是千里馬,管牠是黃是黑,是牡是牝,這些在九方皋是不去注意的,也不屑注意的。這不是浪漫主義是什麼呢?

《名家谈绘画(一)》是一本旨在深入浅出地剖析绘画艺术的入门与进阶读物。本书精选了数位在中国美术史上具有重要影响力的艺术家,他们以自身丰富的创作经验和深刻的理论洞察,就绘画的诸多方面进行了详尽的阐述。 在内容编排上,本书并非简单罗列名家语录,而是经过精心梳理与组织,力求形成一个逻辑清晰、循序渐进的学习路径。全书围绕绘画创作的核心要素展开,从基础的笔墨运用、色彩感知,到构图的经营、意境的营造,再到不同画种(如山水、花鸟、人物)的风格特点与表现技法,一一进行了深入的探讨。 例如,在探讨笔墨的运用时,书中会引用某位大家关于“皴法”的精妙论述,详细讲解不同皴法的起源、演变及其在表现山石肌理上的不同效果,并配以具体的图例分析。读者可以从中了解到,同样的笔墨,在不同大师的手中,如何能幻化出千变万化的山川气象。同样,在色彩的运用方面,本书不仅会介绍传统中国画对色彩的独特理解,也会提及西方绘画色彩理论对中国画坛的影响,并展示艺术家如何巧妙地融合古今、中西,形成自己独特的色彩语言。 构图是绘画的骨架,本书对这一环节的讲解尤为详尽。书中会分析多幅经典画作的构图方式,如“三远法”在山水画中的应用,如何通过“虚实相生”来拓展画面空间,以及如何在有限的画幅中营造出“计白当黑”的意境。艺术家们会分享他们构思画面的过程,如何从自然万物中提炼元素,如何进行取舍与组合,最终达到“形神兼备”的艺术效果。 本书的另一个亮点在于,它不仅仅停留在技法的层面,更侧重于对绘画内在精神的解读。艺术家们会分享他们创作的灵感来源,如何从诗词、音乐、哲学中汲取养分,并将这些精神层面的感悟融入到笔墨之中。他们会谈论“意境”的创造,以及如何通过画笔传递出作者的情感、思想和对生活的感悟。对于如何培养艺术家的“胸中丘壑”,如何做到“外师造化,中得心源”,书中都有精彩的论述。 此外,本书还包含了艺术家们对于绘画史的梳理和对后辈学习者的建议。他们会回顾中国绘画的发展脉络,分析不同历史时期绘画风格的演变,并对当下绘画创作的趋势进行思考。对于初学者,他们会给出具体的学习方法和心态建议,强调基础的重要性,鼓励多看、多画、多思考,并保持对艺术的赤诚之心。 《名家谈绘画(一)》以其内容的深度、视角的广度以及语言的通俗性,能够满足不同层次的读者需求。无论是对中国传统绘画感兴趣的初学者,还是希望提升艺术修养的绘画爱好者,抑或是正在从事绘画创作的专业人士,都能从中获得启发与收获。本书力图成为一座连接过去与现在、理论与实践、技法与精神的桥梁,引导读者走进绘画的迷人世界,感受艺术的魅力。

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读后感

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用户评价

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这本书的附录和注释部分,充分体现了作者严谨的治学态度,这对于严肃的艺术爱好者来说,是极其宝贵的财富。我特意查阅了几处作者引用的文献来源,发现它们大多是权威的博物馆研究报告或罕见的早期艺术评论集。这种扎实的学术支撑,使得书中的论断充满了力量和可信度,而不是空泛的个人臆测。特别是那份按主题分类的推荐阅读书单,简直是为我后续的深入研究指明了方向,省去了我大量筛选和辨别文献的时间。不过,如果能加入一些高质量的图表,例如不同时期“色彩光谱对比图”或“透视几何原理简化图”,对于那些偏好视觉化学习的读者会更有帮助。总而言之,这是一本能让人在阅读后产生“知识富足感”的书籍,它不仅满足了我作为读者的好奇心,更像是一位资深导师,引导我走上了更专业、更精细的艺术鉴赏之路。

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这本书的内容深度和广度令人称赞,它巧妙地在宏观的历史脉络梳理和微观的技法剖析之间找到了一个绝佳的平衡点。你既能了解到某个流派兴起背后的社会文化动因,又能深入到某位大师在调色板上是如何调配出那种独特色彩的秘密。我特别喜欢其中关于材料学的探讨部分,作者详细介绍了不同时期画家对矿物颜料、油剂媒介的运用,这对于理解古代绘画的耐久性和色彩的演变提供了全新的维度。例如,他对威尼斯画派中“湿碰湿”技法与后期印象派笔触的对比分析,简直是教科书级别的精彩阐述。然而,我个人感觉,如果能再增加一些关于当代艺术对传统绘画的“反思性借鉴”的案例分析,那就更全面了。毕竟,艺术史是一个动态的过程,了解过去是为了更好地理解现在,这种跨越时代的对话,总是能带来更丰富的思考。

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这本书的行文风格非常具有启发性,它不是那种枯燥的学院派说教,而是充满了与读者对话的温度。作者似乎懂得如何将深奥的艺术理论“翻译”成我们日常可以理解的语言,用生动的比喻和贴切的现代案例来阐释那些跨越时空的艺术理念。我尤其欣赏作者对于“观看”这一行为的重新定义,他不仅仅是讲解画家如何画,更引导我们思考“我们是如何被一幅画所观看的”。这种视角转换是极其新鲜的,它迫使我重新审视自己过去那些“走马观花”式的观展体验。读到某些段落时,我甚至会停下来,拿起手边的速写本,尝试着模仿作者描述的某种笔触或光影处理方式,虽然结果不尽如人意,但那种被激发出的创作冲动却是真实而强烈的。这本书的魅力就在于,它不仅提供了知识,更重要的是,它点燃了你内在对美更深层次的探求欲,让你觉得,原来艺术的讨论可以如此鲜活有趣,不再是博物馆里蒙尘的古董。

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这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的印象,厚实的纸张带着一种沉甸甸的质感,封面设计简约而不失格调,那种低饱和度的色块搭配精妙的留白,让人一眼就能感受到一种沉静的艺术气息。光是摩挲着书脊,就能感受到制作者对书籍本身的尊重。内页的印刷质量更是没得挑剔,色彩还原度极高,即便是那些需要精细笔触和微妙光影捕捉的古典作品,也能在纸面上展现出惊人的清晰度。我特别注意到作者在排版上的用心,文字和图片之间的呼吸感处理得恰到好处,既不会因为大段文字的堆砌而令人窒息,也不会因为图片过多而显得零散杂乱。尤其是那些大幅的画作插图,跨页的布局处理得非常大气,让人在阅读理论分析的同时,也能获得一种直观的视觉享受。这不仅仅是一本知识的载体,更像是一件值得收藏的艺术品,体现了出版方对于艺术图书制作的匠人精神。我甚至忍不住想,如果能在书中附带一些高质量的图录索引或者艺术史年表,那就更完美了,毕竟,当我们谈论视觉艺术时,细节的呈现至关重要。

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这本书的结构安排,坦白说,刚开始阅读时需要一些适应。它没有采用传统的时间线或者地域划分的线性叙事,而是采用了一种主题式、并置式的编排方式,将不同时代、不同地域的艺术家放在一起进行横向的比较和对话。这要求读者必须保持高度的专注力,因为前一章还在讨论文艺复兴时期的透视法,下一章可能就跳跃到了十九世纪末期对客观视角的解构。起初,我有些迷失在这些看似跳跃的章节之间,但坚持读完三分之一后,我开始领悟到作者的深意——他试图打破僵化的艺术史框架,强调普世的美学原理和永恒的人类情感表达,这些才是跨越时空连接艺术家的真正纽带。这种非线性的叙事方式,虽然增加了初读的门槛,但一旦适应,它带来的那种“融会贯通”的顿悟感,是传统编年史所无法比拟的。

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