具体描述
《中國繪畫史》一書英文、法文及德文版於1960年首度由瑞士著名美術書籍出版家史基拉（Albert Skira）出版以來曾多次再版，極受好評。作者融合了德國藝術史和漢學法學方法，以各斷代最具代表性的繪畫作品為中心，討論及分析繪畫風格如何銜接與轉變，兼論畫家創作時代的社會背景及文化型態。以實在的例子、具體的詞彙、漸進的敘述、專業的語法，使讀者不覺障礙，順利地與作者一同進入歷史的軌道。
作者简介
1950年获加利佛尼亚伯克利大学东方语言系学士学位，1952、1958分别获密歇根Ann Arbor大学艺术史系硕士和博士学位。
作为中国绘画史研究的资深元老，高居翰曾长期担任加利佛尼亚伯克利大学（The University of California at Berkeley）艺术史和研究生院的教授，以及美国华盛顿弗利尔美术馆（The Freer Gallery of Art）中国书画部顾问，他的著作多是由在各大学授课的讲稿修订，或是充分利用博物馆资源编纂而成，皆是通过风格分析研究中国绘画史的经典书籍，享有世界范围的学术声誉。后期，他又对中国古代绘画中的性别问题产生兴趣。
目录信息
读后感
今日的小文是要向一位作者和译者表示敬意和谢意。数月来床头一直放着高居翰先生写于半个世纪前的《图说中国绘画史》（Chinese Painting—A Pictorial History），几乎每日睡前，都在高的指引下凝视中国山水人物画。目光从唐宋穿越至元明清，从一座峰峦溪流移向另一片远山河川，...
评分 评分 评分 评分大学时读李泽厚《美的历程》，读罢感觉中国历史、中国文化、中国艺术渊源流长，博大精深，深不可测。每每合上书，闭上眼，整个人就笼罩在一种宏阔飘渺沟壑纵深的境界和情绪里。虽然如此，大约22岁的我在看完书后，定定神掸掸衣，佯装站在一个更高的角度，带着一种只可意会不可...
用户评价
这本书在提供大量历史事实和艺术分析的同时，也穿插了一些生动有趣的历史轶事和传说，使得阅读过程充满了趣味性。作者并没有将自己置身于高高在上的学术权威地位，而是用一种相对平易近人的方式，与读者进行对话。比如，在介绍唐代画家阎立本时，书中不仅仅提到了他的《步辇图》，还讲述了他因为画画过于逼真，而被皇帝认为“罪孽深重”的典故，这种带有烟火气的描写，让我感觉艺术家的生活也并非总是阳春白雪。再比如，书中在讲述五代画家荆浩时，描述了他为了创作《匡庐图》，隐居山林，与自然融为一体的经历，这种“采风”的故事，充满了浪漫主义色彩。还有关于宋代画家张择端的《清明上河图》的创作背景，书中通过对当时社会生活的细致描绘，让我更加直观地理解了这幅巨作的艺术价值和历史意义。这些小故事和传说，就像点缀在历史长河中的珍珠，让原本可能枯燥的学术内容变得鲜活起来，吸引着我不断地翻阅下去，去发现更多隐藏在画作背后的故事。
评分我对这本书最满意的一点是，它并没有把中国绘画史写成一部“艺术家传记”的合集，而是更加关注绘画的“技术”和“材料”的演变。书中在介绍各个时期绘画风格时，会穿插对当时纸张、墨、颜料、画笔等材料的考究，以及绘画技法的进步。例如，在描述宋代山水画的“皴法”发展时，书中不仅提到了李成的“卷云皴”、范宽的“雨点皴”，还详细阐述了这些皴法的形成与山川地貌的对应关系，以及它们在表现山石肌理、体积感和空间感上的作用。读到关于水墨画的发展时，书中对墨的浓淡干湿、枯润的变化，以及如何通过笔墨的提按顿挫来表现物体的质感和精神，都有非常细致的描述。我还对书中关于“设色”的探讨很感兴趣，从早期矿物颜料的厚重，到植物颜料的细腻，再到青绿山水、浅绛山水、没骨画等不同的设色技法，都让我对古代画家们在色彩运用上的智慧和创新有了新的认识。这种对绘画“硬件”和“软件”的同步分析，使得对绘画的理解更加立体和深入，不仅仅是欣赏画面，更能体会到创作过程中的匠心独运。
评分这本书给我最大的惊喜在于它对绘画理论和美学思想的探讨。它不仅仅是一本介绍绘画作品的图录，更是一部关于中国绘画哲学思考的集大成之作。作者在分析具体画作时，常常会引申出相关的绘画理论，比如“以形写形，以色貌色”的论述，或是“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写”的“六法论”在不同时期的体现和演变。我尤其对书中关于“意境”的解读印象深刻，作者通过对大量山水画、花鸟画作品的分析，阐释了中国画家如何通过笔墨的皴擦点染，营造出超越具体物象的精神世界，让观者在画面中感受到的是一种情、景、理的融合，一种“可游可居”的理想境界。书中还探讨了“神似”与“形似”的关系，以及“笔墨情趣”在绘画中的重要性。这些理论的讲解，不是枯燥的学术术语堆砌，而是结合了具体的画例，使得抽象的理论变得生动易懂。我感觉自己仿佛置身于古代的文人雅集，听着他们高谈阔论，品味着笔墨的精妙，理解着绘画背后的东方哲学。这种对深层内涵的挖掘，让这本书的阅读体验超越了单纯的知识获取，更上升到了对中国传统文化和审美精神的感悟。
评分这本书在介绍中国古代绘画的各个流派时，表现出了极高的专业性和细致性。我之前对许多流派只有模糊的概念，通过这本书的阅读，我才真正地理解了它们的区别与联系。例如，关于“浙派”的论述，书中将其定位为以戴进为代表的，强调水墨淋漓、笔势雄健，具有学院派的严谨与民间画师的粗犷相结合的风格，其作品往往充满力量感和动感。而“吴门画派”则被清晰地描绘为以沈周、文徵明为代表的，强调文人情怀、笔墨雅逸，风格秀润、清雅，更侧重于抒发个人情志。书中还对“扬州画派”的“怪”进行了深入的分析，指出他们的“怪”并非哗众取宠，而是对传统绘画模式的一种挑战，是对个性解放和精神自由的追求。在介绍花鸟画时，书中对“黄家富贵”和“徐家野逸”两种风格的区分，以及它们各自的代表人物和艺术特点，都让我茅塞顿开。这种对流派特征的精准概括和深入剖析，使得我在阅读过程中，能够清晰地辨别不同画派的艺术语言，理解它们在中国绘画史上的地位和贡献。
评分我一直对中国古代的绘画大师们的生平和创作心路历程充满好奇，尤其是那些流传千古的作品，总让人想知道它们背后的故事。这本书就像一位博学的引路人，带着我穿越时空，去探访那些丹青妙手们的生活环境，感受他们创作时的心境。它不仅仅是罗列了画作和朝代，而是试图去还原一个鲜活的历史场景。例如，在描述唐代山水画的兴盛时，书中不仅仅提到了李思训和李昭道的父子传奇，更深入地剖析了当时社会经济的繁荣、文人阶层对自然的热爱，以及佛教艺术的影响，这些宏观因素如何共同孕育出了气势磅礴的“金碧山水”。当我读到关于宋代文人画的兴起时，那种“士”的精神，那种“逸格”的追求，那种将个人情感与自然景物融为一体的表达方式，让我深受触动。书中对郭熙“林泉高致”的解读，对马远、夏圭“马夏”风格的分析，以及对赵孟頫“复古”思潮的阐述，都让我对这些大师的创作理念有了更深刻的理解。我甚至能想象出，在寂静的画室里，毛笔在纸上游走，墨色在晕染，心中所思所想，所见所感，最终都化作了笔下的山川河流，花鸟虫鱼。这种对艺术创作过程的挖掘，使得这本书的内容不再是冰冷的史料堆砌，而是充满了生命力和人文关怀。
评分这本书在梳理中国绘画发展脉络方面做得非常出色。从远古时期的岩画、陶器纹饰，到商周青铜器上的饕餮纹、神灵形象，再到秦汉壁画中浓郁的现实主义风格和神话传说，直至魏晋南北朝时期佛教艺术的传入与本土化，它提供了一个宏大而清晰的视野。作者没有停留在简单的时间顺序，而是深入挖掘了各个时期绘画风格演变的内在逻辑和外部驱动力。例如，书中对唐代绘画的论述，不仅仅集中在人物画和山水画的代表人物上，更细致地探讨了当时的开放包容的文化氛围、丝绸之路带来的异域影响，以及宫廷画院和民间画工的不同生态，是如何共同塑造了唐代绘画雍容华贵、气象万千的面貌。读到五代十国时期的绘画，书中将其描述为承前启后的关键时期，既有晚唐的余韵，又孕育了宋代绘画的新生。而对宋代绘画的深入分析，更是将中国山水画推向了一个新的高峰，书中对全景式山水、折枝山水、文人画等不同风格的细致区分，以及对当时文人审美趣味的深刻洞察，让我印象深刻。书中对元、明、清绘画的阐述，也同样脉络清晰，对各时期代表流派、重要画家及其艺术主张的介绍，都让我对中国绘画艺术的跌宕起伏和丰富多彩有了更为全面的认识。
评分这本书的装帧设计着实让人眼前一亮。封面采用了古朴典雅的宣纸质感，上面印制的中国山水画元素，无论是远山的黛青还是近水的碧波，都显得栩栩如生，仿佛可以直接触碰到那份宁静与悠远。书脊的烫金字体“中國繪畫史”显得庄重而不失雅致，拿在手中，就能感受到一种沉甸甸的历史厚重感。翻开书页，纸张的触感也很不错，厚实且有韧性，印刷的色彩还原度极高，那些精美的画作在纸上呈现出别样的光彩，即使是细节处也清晰可见，没有模糊或失真的情况。每一幅配图都经过精心挑选，不仅仅是作为插图，更像是与文字内容相互呼应的独立的艺术品。作者在排版上也下足了功夫，文字与图片之间的留白恰到好处，既不会显得拥挤，也不会过于疏散，使得阅读体验非常舒适。章节的划分也显得很有条理，大标题、小标题的层层递进，让读者在庞杂的中国绘画历史长河中，能够清晰地找到自己的阅读脉络。装订方面，采用的是比较牢固的精装，即使经常翻阅，也不担心书页松散。整体来说，这本书在物理层面上就给予了我极大的愉悦感，让我迫不及待地想要深入其中，探索那些隐藏在书页背后的辉煌篇章。这种对细节的关注，无疑是创作者对读者体验的高度重视，也是对中国绘画艺术本身的尊重。
评分对于我这样一个非专业的读者来说，这本书最大的优点在于其清晰的逻辑和循序渐进的讲解方式。我之前对中国绘画史一直存在一些零散的认知，比如知道一些名家名作，但总觉得缺乏一个系统的梳理。这本书就像一本完整的教科书，从最基础的概念讲起，逐渐深入。开篇部分对中国绘画的起源和早期发展进行了简要介绍，然后顺着朝代的更迭，一步步推进。在介绍每一个时期或流派时，作者都会先给出一个整体的概括，然后点出最重要的画家和代表作品，再深入分析其艺术特点和历史意义。这种结构化的叙述方式，让我很容易就能把握住中国绘画史的大致脉络。即使遇到一些相对复杂的理论概念，作者也会用通俗易懂的语言进行解释，并且辅以大量的插图，帮助我理解。我不需要具备深厚的专业知识，也能在阅读过程中不断地积累和理解。这种“由浅入深”的编排，让我在轻松愉悦的氛围中，逐渐建立起对中国绘画史的完整认知，从一个门外汉，慢慢变成了一个有一定了解的欣赏者。
评分这本书中对不同地域绘画风格的细致描绘，让我看到了中国绘画艺术的地域多样性和独特性。作者在梳理历史脉络的同时，也注意到了不同地区在绘画创作上所形成的独特风貌。比如，在谈到元代绘画时，书中不仅提到了以赵孟頫为代表的“浙派”和“吴门画派”的早期萌芽，还深入探讨了“松江派”的崛起，以及他们对笔墨趣味的独特追求。当我读到关于明代“吴门画派”的章节时，那些如沈周、文徵明、唐寅、仇英等大师的作品，在书中被赋予了新的解读，不仅仅是画技的精湛，更是他们所处的江南地区温润的气候、富饶的物产、以及浓厚的文化底蕴，是如何影响了他们的创作风格，使其呈现出淡雅、细腻、充满文人气息的特点。书中还提及了扬州画派的“扬州八怪”，他们不落俗套、个性张扬的艺术风格，以及他们对社会现实的关注，都让我看到了中国绘画在保守与革新之间不断寻求突破的生命力。这种地域性的视角，让我意识到中国绘画并非铁板一块，而是如同一幅壮丽的锦绣，在不同的地域特色中绽放出迷人的光彩。
评分这本书最大的价值在于，它不仅仅是回顾了中国绘画的辉煌过去，更是在某种程度上，为我们提供了一个理解当下中国当代艺术发展的重要参照系。作者在论述古代绘画的演变时，时不时会触及到一些现代性的萌芽，或者在古代艺术家的创新中找到与当代艺术相呼应的精神。例如，书中对元代文人画中那种超然物外的精神追求，以及对笔墨自由表达的探索，让我联想到当代一些艺术家对传统笔墨的创新性运用。对明清时期画坛上出现的各种“复古”思潮和“革新”探索，也让我看到了艺术发展中那种在传承与颠覆之间不断拉扯的张力，这与当今艺术界的讨论不无相似之处。更重要的是，书中对中国绘画中“气韵生动”的追求，对“意境”的营造，这种东方特有的审美理念，至今仍然对许多当代艺术家产生着深刻的影响。读完这本书，我感觉自己对中国绘画的理解，已经从简单的欣赏，上升到了对中国文化基因的更深层认识。这种历史与现实的连接，使得这本书的阅读价值得以延伸，让我不禁开始思考，在当下这个全球化的时代，中国绘画的精神内核将如何继续传承和发展。
评分写得很好啊！！
评分每有高人之语。这册书的论调尤其无忌，与不羁的陈传席很像。
评分将中西画家做一种类比 很有新意
评分每有高人之语。这册书的论调尤其无忌，与不羁的陈传席很像。
评分绘画通识。言简意赅。
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