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出版者:Princeton University Press

作者:Sarah Greenough

出品人:

页数:302

译者:

出版时间:2005-1-24

价格:USD 60.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780691121147

丛书系列:

图书标签:

• 摄影
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《安德烈·科特兹》 这是一部献给安德烈·科特兹（André Kertész）的影像集，旨在深入探索这位20世纪最伟大的摄影大师之一的艺术生涯。本书并非简单罗列其作品，而是力图通过精心挑选的图片和深入的文本分析，呈现科特兹独特的视觉语言、他与时代背景的深刻互动，以及他对摄影艺术产生的深远影响。 本书的结构设计力求引人入胜，从科特兹早期的匈牙利时期开始，追溯他如何在20世纪初的布达佩斯萌发艺术的种子。读者将看到他如何以敏锐的观察力捕捉日常生活中的诗意瞬间，如何将瞬间的感动凝固成永恒的画面。本书将重点呈现他早期作品中对光影、线条和构图的独特运用，例如他对爱尔顿·莫利恩（Méliès）风格的戏仿，以及他对城市景观的诗意化表达。 进入巴黎时期，本书将聚焦科特兹艺术上的成熟与突破。在这里，他接触到了当时最前沿的艺术思潮，并与诸多艺术家、作家和评论家结下了不解之缘。本书将深入分析他在巴黎时期创作的经典作品，如《蒙马特街头》、《桥上的女人》等，阐释其如何在现实主义的基础上，注入象征主义和超现实主义的元素，创造出一种既真实又充满想象力的视觉叙事。本书还将探讨科特兹在这一时期如何运用浅景深、低角度拍摄等技巧，打破传统的摄影视角，赋予画面以新的生命力。 随着二战的爆发，科特兹被迫离开巴黎，本书将详细记录他移民美国后的创作历程。在美国，他的摄影风格经历了怎样的演变？本书将通过分析他在纽约、长岛等地拍摄的作品，展现他如何将对人类情感的深刻洞察融入到全新的环境中。重点将放在他后期对人物肖像的探索，以及他对生活细节的细腻捕捉，例如他为《生活》杂志拍摄的那些充满温情的家庭场景。本书还将探讨科特兹在美国时期如何平衡商业摄影与个人艺术创作，以及他对摄影媒体的发展所做的贡献。 本书最独特之处在于，它不仅仅是一本画册，更是一次关于摄影本体的深刻探讨。作者通过对科特兹作品的细致解读，揭示了他作品中蕴含的哲学思考。例如，他如何通过对日常事物的重新观看，唤醒观者被忽略的美感？他如何捕捉到转瞬即逝的情感，并使其在画面中得到恒久的体现？书中将深入剖析科特兹著名的“变形”系列，探讨其在视觉语言上的实验性，以及他对主体与客体关系的思考。 此外，本书还将关注科特兹作为一位孤独的观察者，他在其创作生涯中所经历的心路历程。他如何面对时代的变迁？他如何坚持自己的艺术信念？本书将通过引用科特兹本人的言论，以及当时评论家的评价，力求还原一个真实、立体的艺术家形象。 本书的影像选择极为考究，涵盖了科特兹毕生创作中的精华，许多作品是首次在中国出版。每一幅图片的呈现都经过精心的排版和印刷，力求最大程度地还原原作的质感和细节。搭配深入浅出的文字解读，本书将带领读者走进安德烈·科特兹的艺术世界，感受他那超越时空的永恒魅力。 总而言之，《安德烈·科特兹》是一部集学术性、艺术性和阅读性于一体的摄影专著。它不仅是摄影爱好者和专业人士的必备读物，也适合所有对艺术、历史和人性感兴趣的读者。本书将帮助您理解一位摄影大师是如何用他的眼睛，记录下时代的脉搏，触动了无数人的心灵。它将引导您重新审视周遭的世界，发现那些被遗忘的诗意与美。

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坦白说，我过去对早期的黑白摄影了解不深，总觉得缺少了现代摄影的色彩冲击力。但接触了这本书后，我的看法有了彻底的转变。这里的黑白并非单调的灰阶，而是充满了微妙的过渡和丰富的层次。层次感深邃得让人甚至能“听”到照片中的声音，比如清晨雾气弥漫时的寂静，或是午后广场上稀疏的人声。特别是对阴影的运用，简直到了出神入化的地步。阴影不再是光线的缺失，而成为了画面的主体，它构建了结构，引导了视线，甚至承载了叙事。很多照片的焦点似乎并不在被摄主体本身，而在于光线与阴影交界处的那道锋利的边缘，那种边缘的锐利感仿佛能切割时间。这种对光影的极致探索，让整本书的阅读体验变成了一种近乎于光影的“品鉴会”。每张照片都像是一个光线的剧场，观众被邀请进入一个由明暗交织而成的梦境。我个人认为，这本书的价值在于它提供了一种极简主义的美学范本，它证明了只需要最基础的元素——光和影，就可以表达出最复杂、最深邃的人类情感和空间体验。这是一次物超所值的精神投资。

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我通常不喜欢过于强调“艺术家个性”的摄影作品，更偏爱那些主题明确、叙事清晰的作品。然而，这本影集的魅力在于它的“无我”之境。你几乎感觉不到创作者强烈的个人意志在干预，他更像是一个被动的记录者，一个忠实的见证者，将时间流动的痕迹原封不动地呈现在我们面前。这种克制，恰恰是力量的源泉。书中的许多画面，尤其是那些捕捉街头场景的作品，展现出一种近乎纪录片的真实感，但又远远超越了单纯的纪实。其中对于“动态模糊”的处理，非常值得玩味。那些匆匆走过的行人，他们的动作被柔化成流动的线条，与画面中那些静止的、永恒的物体（比如雕塑、建筑立面）形成了鲜明的对比，这种对“动”与“静”的辩证处理，是这本作品中最打动我的技术层面之一。 它没有宏大的宣言，没有刻意的煽情，只是用最朴素的语言——光影、线条、形状——讲述着关于“此地此时”的故事。对于那些厌倦了过度修饰和矫揉造作的当代视觉艺术的读者来说，这本书无疑是一剂清新的良药，它提醒我们，最深刻的美，往往就潜藏在我们最不经意的日常生活中，只是需要一双懂得发现的眼睛去捕捉。

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说实话，当我拿到这本书时，最初的期望值是比较高的，毕竟名头摆在那里。然而，真正深入其中后，我发现它带来的冲击远超我的想象，它不是那种让你一眼就觉得“哇，好厉害”的炫技之作，而是一种缓慢渗透、逐渐占据你心智的力量。最让我着迷的是他如何处理空间感和透视关系，那些低角度的拍摄，那些利用窗框、门洞进行的“画中画”构图，简直是教科书级别的示范。他似乎有一种天赋，能将二维平面上的图像，转化为具有三维深度的体验。那些街道场景，往往通过一个被拉长的影子，或者一块被阳光切割得锐利无比的几何形状，瞬间激活了整个画面的张力。而且，这种构图的严谨性，丝毫没有让人感到束缚或僵硬，反而因为结构的稳定，使得画面中的情感表达更为自由奔放。我特别注意到那些涉及水面的反光，处理得极其细腻，波光粼粼的质感和下方坚实的地面形成了鲜明的对比，这种对立统一的手法，极大地丰富了画面的层次感。对于那些学习摄影构图的新手来说，这本书简直是一部无声的、却又无比清晰的实践指南，它教你的不是公式，而是如何去“看”世界。我强烈推荐给所有对视觉艺术有追求的人，它会彻底重塑你对“平衡”和“失衡”的理解。

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这本影集实在令人惊艳，简直是一场跨越时空的视觉漫步。我一直对那些捕捉日常生活中转瞬即逝的诗意瞬间的摄影师怀有特殊的敬意，而这位大师显然将这种能力发挥到了极致。翻开书页，你不会看到那种刻意摆布的戏剧性场面，更多的是一种不动声色的观察力，它将那些被我们习以为常的场景，比如光影在老旧建筑墙面上的拉扯，或者一个不经意投射在地上的影子，提升到了近乎形而上的哲学高度。书中的构图总是那么精准而又自然，仿佛是命运偶然安排好的，却又蕴含着某种不言自明的和谐。尤其欣赏他对于“决定性瞬间”的把握，那种对时间精确到秒的捕捉，使得照片中的人物动作定格在最富张力、最能引发观者遐想的那个节点。 翻阅这本书，感觉自己仿佛化身为一个幽灵，行走在布达佩斯、巴黎那些充满历史气息的街道上，感受着那个时代特有的那种忧郁而又充满生机的氛围。每一张黑白照片都像是经过了时间的洗礼，颗粒感十足，散发着一种老电影胶片的质感，这比任何高清数码照片都更具有灵魂。我常常在一张照片前驻足良久，试图解读画面中人物眼神里那一闪而过的复杂情绪，那种难以名状的疏离感和深沉的思考，让人不禁反思自己当下的处境。这本书绝对是摄影爱好者书架上不可或缺的珍藏，它不仅仅是记录了历史的侧面，更是提供了一种看待世界的方式——一种更敏锐、更富有人文关怀的观察视角。

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这本书带给我一种强烈的怀旧感，但这种怀旧并非是对逝去黄金时代的盲目歌颂，而是一种对“存在”本身的深沉眷恋。摄影师的视角非常独特，他似乎总能找到那些被主流叙事所忽略的角落，那些普通人生活中那些微不足道的瞬间，却被他用镜头定格，赋予了永恒的意义。我尤其喜欢那些室内场景的捕捉，光线处理得极富戏剧性，像是伦勃朗的画作从油画媒介中挣脱出来，化为了黑白的影像。那些从百叶窗射入的条状光影，将室内的陈设分割得支离破碎，却又以一种奇妙的方式重新聚合在一起，创造出一种既疏离又亲密的氛围。在这些画面中，人的存在感往往是很微弱的，他们可能是模糊的剪影，可能是被遮挡的侧脸，但正是这种“缺席”或“模糊”，反而让观者得以将自己的情感和故事投射进去，形成一种与作品强烈的共鸣。 这本书的装帧设计也值得称赞，纸张的质感和墨色的深沉度，都完美地衬托了原作的调性，没有丝毫的廉价感。它不只是一本照片集，更像是一件精心制作的艺术品，值得反复摩挲和品味。读完后，我感觉自己仿佛刚从一场漫长而宁静的冥想中醒来，内心世界得到了极大的沉淀与洗涤。

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最喜欢的摄影师之一

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love it

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上次看Kertesz的照片是高中了？好像当时重点学他的构图吧，忘得差不多了。我以为我记性不好，没想到这么不好

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最喜欢的。

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