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出版者:文魁

作者:張仁川

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:20040401

价格:NT$ 340

装帧:

isbn号码:9789861251943

丛书系列:

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• 数码相机
• 摄影技巧
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深度探索人像摄影的艺术与技巧 本书将带您走进人像摄影的迷人世界，从基础理论到高级布光，全方位解析如何捕捉人物最动人的瞬间与神韵。 本书并非关于数码相机硬件的百科全书，也无意探讨数码存储或后期处理软件的冗杂设置。我们的焦点，始终聚焦于“人”——如何通过镜头语言，展现模特的内在世界与外在美感。这是一本献给所有渴望提升人像摄影水平的创作者的实战指南，内容涵盖了从前期策划到后期精修的每一个关键环节，旨在帮助您建立起一套完整、高效、富有艺术感的人像拍摄流程。 第一章：人像摄影的哲学与定位 人像摄影的本质，是捕捉“灵魂”而非简单的“记录”。本章首先探讨了人像摄影的历史演变及其在当代视觉文化中的地位。我们将深入剖析什么是“好的肖像”，它不仅仅依赖于清晰的焦点和完美的曝光，更在于眼神中的故事感、姿态中的情绪表达以及光影对人物性格的烘托。 肖像的分类与目的： 商业肖像、艺术肖像、纪实肖像的异同及拍摄侧重点。 建立与模特的连接： 如何在镜头前打破隔阂，建立信任，引导出自然、真实的情绪反应。 视觉心理学基础： 理解观众如何解读面部表情和肢体语言，从而进行有目的性的引导和构图。 第二章：镜头选择的艺术——视角与透视的魔力 好的摄影师深知，不同的焦段会产生截然不同的视觉效果和心理感受。本章将详细讲解中焦、长焦、广角镜头在人像拍摄中的具体应用，以及它们如何影响面部的透视关系和环境的纳入程度。 焦距与畸变： 分析50mm、85mm、135mm等经典人像焦段的特性，以及如何利用透视关系美化或强调人物特征。 景深控制的精妙： 不仅仅是虚化背景，更重要的是如何通过精确控制景深来引导观众视线，突出主体。我们会探讨大光圈镜头的实战技巧与局限性。 从变焦到定焦的思维转换： 如何通过“定焦思维”来强迫自己更专注于构图和与模特的互动，而非依赖焦段的随意切换。 第三章：光影的雕塑——自然光与人工光线的精细运用 光线是人像摄影的灵魂。本章摒弃复杂的参数讲解，专注于如何“阅读”光线，并将其转化为塑造人物的强大工具。 3.1 自然光：捕捉转瞬即逝的氛围 黄金时刻与蓝色时刻： 详细解析一天中不同时间段自然光线的色温、方向性和强度，以及如何利用它们营造浪漫或戏剧性的氛围。 窗口光与阴影的层次： 在室内，如何利用窗户这一天然柔光箱，通过简单的反光板或黑旗板，创造出伦勃朗光、蝴蝶光等经典布光效果。 侧逆光的人像处理： 掌握利用侧逆光勾勒人物轮廓的技巧，以及如何使用补光工具来平衡高光与阴影的对比度。 3.2 人工光：精确控制情绪的工具箱 本节不涉及复杂的闪光灯型号对比，而是聚焦于闪光灯作为“造型光”的本质。 影室布光（Strobe）： 深入讲解伦勃朗布光、分割布光、环形布光等基本造型光的搭建原理和视觉效果，重点分析主光、辅光和轮廓光的相互作用。 柔光附件的实战： 柔光箱（Softbox）、雷达罩（Beauty Dish）、伞等工具对光线质量的影响，以及如何根据拍摄主题选择最合适的附件。 离机闪光的自由度： 如何在外景中模拟影棚布光效果，通过无线引闪实现复杂的多光源布局，彻底摆脱环境光的束缚。 第四章：构图的语言——平衡、引导与叙事 构图是照片的骨架。本章超越基础的三分法，探讨如何利用构图元素引导观众的目光，讲述一个完整的故事。 框架式构图与前景的运用： 如何利用环境元素（如门洞、树枝、模糊的人群）作为天然的画框，增加画面的纵深感和故事性。 动线设计与视觉流向： 人物面部朝向、眼神指向、肢体延伸线在构图中的导向作用。 负空间（Negative Space）的哲学： 留白不是浪费，而是提升主体表现力的有力手段。如何通过大面积的留白来营造极简、宁静或压抑的氛围。 第五章：姿态与情绪的导演——与模特沟通的艺术 技术是手段，情绪是目的。本章是全书最注重“人”的部分，指导摄影师如何成为一位出色的情绪引导者。 肢体语言的解码与设计： 基础站姿、坐姿的调整技巧，以及如何通过微小的调整（如手部位置、肩部倾斜）来消除僵硬感。 场景化的引导练习： 提供一系列“情景剧本”，例如“假装在等待远方的爱人”、“刚刚听到一个秘密”、“在人群中感到孤独”，引导模特进入真实的情绪状态。 抓拍瞬间的判断力： 即使在摆拍中，也要捕捉那些“半成品”的、最接近真实反应的瞬间。训练快速反应和连拍的精准度。 第六章：后期处理：光影的二次塑造与风格的统一 后期不再是弥补错误，而是完善艺术构思的最后一步。本章将侧重于人像修饰中的“克制”与“风格化”。 色彩风格的建立： 从建立自己的色彩偏好（如胶片模拟、特定色调）入手，确保系列作品的视觉统一性。 皮肤处理的精细化： 区分“磨皮”与“细节保留”。掌握频率分离技术（Frequency Separation）的原理，实现自然、通透的皮肤质感，避免“塑料感”。 光影的再塑造： 如何在修图中利用蒙版和曲线工具，加强原片中的光影对比，弥补现场布光的微小不足，进一步雕塑面部轮廓。 通过本书的学习，您将不再满足于拍下一张清晰的照片，而是学会如何通过光线、构图和情绪引导，创作出能够与观众进行深刻情感交流的、富有生命力的人像作品。这是一场关于“看见”与“表达”的深度修行。

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**评价四：** 我是一个偏爱人文纪实摄影的爱好者，过去总觉得那些关于光圈、快门速度的讨论，和我拍摄街头人物、捕捉转瞬即逝的表情似乎关系不大。直到我读了书中关于“抓拍的艺术与伦理”的章节，我的观点发生了根本性的转变。作者深刻地探讨了在不打扰拍摄对象的前提下，如何预判场景的变化，实现“意料之外，情理之中”的完美定格。他分析了著名纪实摄影作品的构图规律，特别是关于“引导线”和“负空间”的运用，这些理论知识被巧妙地融入到了对真实街景照片的拆解中。例如，书中有一张关于雨天行人撑伞的侧影照片，作者详细分析了伞的几何形状如何与背景建筑的线条形成有趣的互动，以及环境光如何巧妙地勾勒出人物的轮廓。更重要的是，他对拍摄对象的“尊重”这一主题进行了深入的探讨，提醒我们在追求视觉冲击力的同时，不能忘记对被摄者隐私和尊严的保护。这种对摄影师社会责任感的强调，让整本书的层次瞬间拔高，不再仅仅停留在技术的层面，而是上升到了人文关怀的高度。

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**评价五：** 这本书的互动性和自我检验机制做得非常出色，这让阅读过程充满了挑战和乐趣。在每一章的结尾，作者都会设置一个“自我挑战任务”，这些任务不是简单的选择题，而是要求读者走出家门，在特定的环境下完成一个微型摄影项目。比如，完成“只用单色调表达三种情绪”的任务，或者“在同一物体上，尝试用三种不同的光线角度拍摄出完全不同的质感”。这种强迫性的实践，极大地加速了知识的内化过程。我尤其喜欢其中关于“镜头语言”的讨论，作者将不同的焦距比作不同的“叙事视角”：广角镜头是“全景沉浸”，长焦镜头是“特写审视”，标准镜头则是“客观记录”。我按照书中的建议，特意带着一支定焦镜头去拍摄了一组人像，尝试完全依靠身体的移动而不是变焦来改变构图，结果发现这种限制反而激发了我的创造力，让我对主体与环境的关系有了更深刻的理解。总而言之，这本书的设计哲学是“学以致用”，它不仅教会了我如何使用工具，更重要的是，它教会了我如何用影像去思考和表达。

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**评价三：** 这本书的排版设计简直就是一场视觉革命，它彻底颠覆了我对技术书籍那种刻板印象的认知。纸张的质感非常细腻，那种微微哑光的表面处理，让印在上面的色彩照片看起来既有深度又不刺眼。最让我感到惊艳的是作者对“色彩科学”这部分内容的解读。他并没有直接丢出CIE色域图表，而是从油画大师的调色板开始讲起，追溯到人眼对色彩的感知过程。他用大量的对比图展示了“白平衡”设置对画面情绪的巨大影响——同样一个场景，在暖色调下烘托出温馨怀旧感，而在冷色调下则立刻变得冷静甚至疏离。作者还专门开辟了一个篇幅，详细解析了不同光照条件下（如钨丝灯、LED、日光）的色彩漂移现象，并提供了现场快速校准的“小窍门”，比如利用一张白纸或灰卡作为参考物。这种将艺术审美与技术原理完美结合的讲解方式，让我意识到，摄影不仅仅是按下快门，更是一门关于“如何控制光线和色彩来表达情感”的学问。看完这部分内容，我对每次拍摄前的准备工作都多了一层对色彩的敬畏心。

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**评价二：** 说实话，我对市面上那些动辄上千页的摄影百科全书一直敬而远之，感觉它们更像是图书馆里的古籍，适合被供起来而不是被随时翻阅学习。然而，这本小册子（我指的是它的便携性，内容绝不含糊）却恰恰满足了我这种追求“效率至上”的现代读者的需求。它最厉害的地方在于其“模块化”的知识结构。每一章都像是一个独立的小工具箱，你可以根据你当前遇到的具体问题，直接跳到对应的章节进行查阅，完全不需要从头读到尾。比如，我最近迷上了拍摄静物特写，对着镜头老是失焦，赶紧翻到了关于“微距拍摄的景深控制”那一节。作者非常精准地指出了微距拍摄中景深极浅的特性，并清晰地列出了几种解决办法：一是使用BOKEH效果来突出主体，二是利用焦点堆栈技术，并且针对每种方法都给出了具体的镜头选择建议和光线布局图。这种即翻即用的实用性，在我的实际拍摄过程中帮了我大忙。我特别欣赏它对“器材的理性选择”这一部分的论述，它没有盲目推崇最昂贵的镜头或机身，而是强调根据自己的拍摄题材和预算来配置“最适合你的武器库”，这种务实的态度，在充斥着商业推销的行业里，显得尤为难得和真诚。

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**评价一：** 这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种深邃的蓝色调配上金色细致的纹理，一下子就抓住了我的眼球。我原本对这种技术类的书籍抱有一定程度的“阅读恐惧”，总觉得会是一堆晦涩难懂的专业术语堆砌而成，但翻开第一页后，我的顾虑就烟消云散了。作者的叙事方式非常流畅自然，仿佛在和一个经验老道的摄影前辈在私下交流心得。他没有急于抛出那些复杂的参数设置，而是从最基础的“光影的魔力”讲起，用非常生动的生活化场景来解释光圈、快门和ISO之间的微妙平衡。我记得有一章专门讲如何捕捉“动态瞬间”，作者用了一个很形象的比喻——“把时间凝固在你的指尖上”，通过对不同快门速度下水滴飞溅效果的对比图文分析，我立刻就明白了那些枯燥的数字背后的真正含义。更让我惊喜的是，书中还穿插了许多不同场景的实战案例分析，比如在阴雨天的城市街景中如何保证画面的色彩饱和度，或者在傍晚黄昏时分如何利用好那短暂的“魔幻时刻”。那些详尽的后期处理步骤，也是图文并茂，即使是像我这种对Photoshop只停留在基础裁剪程度的“小白”，也能大致跟上思路。这本书与其说是一本工具书，不如说是一本充满温度的摄影心法指南，它真正做到了化繁为简，让摄影的乐趣回归到观察世界的本质上。

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