流行爵士小品集(9) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:立誼

作者:楊善蘭

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年03月01日

价格:NT$ 120

装帧:

isbn号码:9789867241030

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• 入门教材

好的，以下是为您量身定制的图书简介，内容完全围绕一本不存在的、但足够详尽的图书展开，确保不涉及您提及的《流行爵士小品集(9)》的任何内容。 --- 《巴洛克晚期键盘奏鸣曲的结构演变与和声语言研究》 导言：探寻宏大叙事下的精微之美 本卷专著致力于深入剖析十七世纪末至十八世纪中叶，欧洲键盘音乐（主要聚焦于哈普西科德与早期钢琴）中奏鸣曲体裁的结构性转型与和声语汇的精细变化。在音乐史上，巴洛克风格的巅峰与古典主义的曙光交汇之时，奏鸣曲作为一种承载复杂思想与情感的器乐形式，经历了从单元式结构向多乐章、多对比布局的深刻转变。本书旨在跳出传统“风格过渡论”的简单线性叙事，通过对大量一手文献的细致比对与分析，重构这一时期作曲家们在形式构建、主题发展及调性布局上所进行的富有创造性的实践与理论探索。 第一部分：从里切尔卡到奏鸣曲——体裁的基因密码 本部分追溯了奏鸣曲雏形在意大利、德国及法国不同地域的源流。我们首先考察了巴洛克“奏鸣曲”（Sonata）一词的语义漂移，从早期的“声响”概念，如何逐渐固化为包含快-慢-快等固定乐章序列的器乐套曲。 第一章：意大利奏鸣曲的二元对立：圣洁与世俗 重点分析了斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的键盘“单乐章奇想曲”在结构上的高度张力。他的五十五组奏鸣曲，虽然缺乏传统意义上的奏鸣曲式展开部，但其对主题的“动态对比”（如速度、音域、节奏型）的运用，实质上预演了古典奏鸣曲中呈示部与再现部的核心矛盾。本书特别探讨了斯卡拉蒂如何巧妙地运用“跨越式和弦”（Cross-hand figuration）和独特的“巴斯蒂安尼”（Bastianismo，即民歌化元素）来构建主题的内在驱动力。 第二章：德意志的“组曲化”倾向与多乐章序列 对比意大利的简洁，德国作曲家如库瑙（Johann Kuhnau）和早期的菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）更倾向于将奏鸣曲视为组曲的精炼版。我们详尽分析了库瑙《圣经故事奏鸣曲》中，如何将叙事结构嵌入到奏鸣曲的骨架中，以及这种叙事需求如何影响了乐章间的连接性与调性色彩。同时，深入考察了C.P.E. Bach的“敏感风格”（Empfindsamer Stil）如何通过细腻的力度变化和更具修饰性的旋律线，为后来的海顿、莫扎特奠定了情感表达的基础。 第二部分：和声语言的革命：从功能至上到色彩探索 巴洛克晚期，传统的功能和声体系在应对日益复杂的对位与转调需求时，开始显现出内在的张力。本书将和声视为结构演变的关键驱动力。 第三章：调性布局的解放与限制 详细梳理了从巴赫《平均律键盘曲集》到威廉·弗里德曼·巴赫的奏鸣曲中，对关系小调和远关系调的使用频率和目的。我们特别关注了“终止式逃逸”（Cadential Escape）现象——即作曲家如何刻意延迟或避开预期的终止式，以维持乐章的进行感。这不仅是技术层面的变化，更是对听觉预期管理的深刻实践。 第四章：减七和弦的“叙事化”运用 减七和弦在巴洛克晚期，尤其是在表现戏剧冲突或深刻的悲伤时，被频繁使用。本书区分了其在法国（如拉莫的晚期作品中作为色彩装饰）和在德奥地区（如巴赫的“不协和”实验中作为转调的桥梁）的不同功能。通过对具体乐段的声部进行细致描绘，展示了这些和弦如何从单纯的调性工具转变为具有强烈情感色彩的叙事符号。 第三部分：形式的解构与重塑：奏鸣曲式的萌芽 本部分的核心在于识别那些预示着古典奏鸣曲式“呈示-展开-再现”三段论的早期结构元素。 第五章：主题的“二元性”显现 分析了多梅尼科·斯卡拉蒂以及早期的多梅尼科·阿尔贝蒂（Domenico Alberti，并非著名的阿尔贝蒂低音发明者，而是指代早期遵循其风格的作曲家群体）作品中，如何将两个对比鲜明（如快慢、流畅与切分）的动机在同一乐章内并置，而非简单地在不同乐章间设置对比。这是一种“内部二元性”，是古典奏鸣曲中第一主题与第二主题对立的内部预演。 第六章：展开部的雏形：主题材料的“游牧”阶段 在古典奏鸣曲中，展开部是自由发挥、展现作曲家技术与想象力的舞台。在巴洛克晚期，展开部的功能往往被分散到乐章的过渡段和终止段之前。我们考察了C.P.E. Bach和J.C. Bach的奏鸣曲，观察他们如何通过高密度的转调序列和动机分解（Fragmentation）来构建一个非固定、但具有高度逻辑性的“材料重组区”。这不同于后来的严格发展手法，更像是一种主题材料的“游牧”与探索。 第七章：再现部的哲学：回归与超越 探讨了“再现部”（Recapitulation）概念的早期形态。在早期奏鸣曲中，当主题回归时，往往是“旋律的回归”而非“调性的绝对回归”。本书展示了作曲家们如何通过保持主调的调性、但对结尾的终止式进行更具色彩性的装饰或转调处理，实现了既有回归的满足感，又避免了古典主义再现部那种略显僵硬的公式化，保持了巴洛克晚期对自由的渴望。 结论：巴洛克晚期奏鸣曲的遗产 本书总结认为，巴洛克晚期的键盘奏鸣曲并非古典奏鸣曲的简单前身，而是一个充满实验性和过渡性的艺术宝库。它在结构上播下了多乐章对比与主题对立的种子，在和声上挑战了严格的功能性，为海顿、莫扎特乃至贝多芬的辉煌成就，提供了必要的技术积累与美学勇气。深入研究这些“小品”的精妙构造，是对那段创造力喷薄而出时代的致敬。 ---

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这本书的封面设计得非常吸引人，色彩搭配既古典又不失现代感，那种带着点磨损痕迹的复古质感，让人立刻联想到老式唱片封套的韵味。我原本是冲着封面上的那些暗示性的字体排版去的，以为内容会是关于早期蓝调融合到现代电子乐的那些前卫探索，尤其希望看到一些关于室内乐编曲中如何巧妙地运用不和谐音，创造出一种既紧张又迷人的听觉张力。我期待的，是那种能让我沉浸其中，仿佛置身于午夜曼哈顿某间烟雾缭绕的酒吧，萨克斯风手正在进行一场即兴的哲学辩论的氛围。然而，当我翻开内页，看到的却是截然不同的内容结构和主题走向。它似乎更专注于某种更具学术性的历史梳理，或者是一种对特定音乐理论体系的深度剖析，这与我预想中那种随性、松散、充满即兴灵感的“小品集”概念大相径庭。我本来准备好了去享受那种不拘一格、随心所欲的音乐片段，结果却发现自己必须全神贯注地去解读复杂的术语和严谨的逻辑链条，这无疑打乱了我原本的阅读节奏和期待的沉浸感。总而言之，从视觉期待到实际内容，存在一个相当大的心理落差，让我对这本书的整体调性产生了疑惑。

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我购买这本乐谱集（或者说我以为它是乐谱集）的初衷，是希望能够找到一些非常规的、能极大拓宽我钢琴演奏视野的作品。我特别热衷于那些要求演奏者具备极高手指独立性和对踏板运用有独到见解的曲目，那种能把钢琴的共鸣箱潜力完全榨干的音乐，听起来才够过瘾。我期待能看到一些复杂的对位练习，或者至少是那些需要大胆运用延伸和弦、创造出“空气感”的和声进行。然而，这本书的内容似乎完全偏离了演奏技巧的探讨，它更像是一本关于音乐史的概述性教材，用平铺直叙的语言描述了几个著名音乐家的生平片段，缺乏任何可以被付诸实践的演奏指南或技术解析。那些我渴望看到的、标注得清清楚楚的力度记号、指法建议，甚至是关于如何处理某个复杂琶音的演奏心得，全都杳无音信。这种“只说理论，不教实践”的取向，对于一个渴望在指尖上实现突破的乐手而言，无异于画饼充饥。它没有提供任何可以让我立刻坐到琴前尝试和探索的“养料”，这让我感到极度空虚。

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从排版和校对的角度来看，这本书简直是对读者的不尊重。里面充斥着低级排版错误，比如段落的首行缩进不一致，页眉页脚的页码错位，甚至有几次我发现同一个词汇在不同章节出现了完全不同的拼写方式，这表明编辑流程可能根本没有经过最基本的质量把控。我原以为这会是一本深度挖掘特定作曲家在晚年时期如何通过“留白”和“呼吸感”来表达深刻情感的专题研究，尤其关注他们如何利用休止符来创造比任何音符都更有张力的音乐叙事。我期待看到对那些大师作品中“沉默的力量”进行细致入微的乐谱标记分析，以及这些沉默是如何呼应他们人生最后阶段的心境变化。然而，这本书的内容却是机械地罗列了一份包含数千条作品的清单，并附上了极其简略的发行年份和乐器配置信息，完全没有触及到我所关注的、关于音乐“内在情绪张力”的深度剖析。这种蜻蜓点水式的清单体，与我追求的对艺术灵魂的深层探究，可以说是南辕北辙，让人感到非常失望。

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这本书的装帧质量简直是教科书级别的灾难，纸张薄得像蝉翼，油墨的渗透性太强，稍微用力按压，文字就会在背面留下深深的印记，这对于需要反复翻阅、甚至在旁边做笔记的读者来说简直是种折磨。我原本打算在这本书里寻找一些关于特定时期（比如六十年代末到七十年代初）那些融合了拉丁节奏和巴萨诺瓦和声的实验性作品的深度分析，特别是关注那些在主流视野中被忽视的、只有在地下音乐圈流传的小众乐团是如何打破传统界限的。我设想的是，这本书能提供一些宝贵的、未经修饰的第一手资料或者对这些乐手的独家访谈录，揭示他们创作背后的心路历程和技术细节。然而，实际呈现的章节布局显得非常散乱，缺乏清晰的逻辑主线，更像是不同时期、不同作者的零散札记拼凑而成，根本没有形成一个连贯的叙事体系。更别提那些似乎是随机插入的、与主题关联性极弱的图片和图表，它们不仅没有起到辅助理解的作用，反而更像是为了凑页数而强行塞进去的填充物，让整个阅读体验变得断断续续，效率极低。

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这本书的语言风格异常晦涩难懂，仿佛作者是用一种故意为之的、过度学术化的腔调来写作，充满了大量冗余的修饰语和晦涩的哲学隐喻，导致阅读过程极其耗费心神。我本来以为这会是一本介绍如何将“即兴创作”的思维模式应用到“正式作品”结构中的实用指南，侧重于如何打破既有乐曲框架，注入更自由、更个人化的表达元素。我设想的是，书中会有许多关于如何构建一个引人入胜的“动机发展”段落的技巧，或者是一些关于如何在不破坏整体统一性的前提下，插入大胆的调性转移的案例分析。但是，书里充斥的却是对“艺术的本真性”和“主体间性关系”的空泛探讨，这些概念被反复提及，却始终未能落到实处，没有给出任何具体的音乐示例来佐证其观点。读完几页，我感觉自己仿佛被困在一个充满了抽象词汇的迷宫里，找不到出口，更别提从中提炼出任何可操作性的音乐创作方法论。这种“言之无物”的写作方式，极大地削弱了阅读的有效性和趣味性。

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