中國歷代畫派新論 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:藝術家

作者:劉奇俊

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001年03月15日

价格:NT$ 680

装帧:

isbn号码:9789578273849

丛书系列:

图书标签:

• 中国绘画史
• 历代画派
• 绘画理论
• 艺术史
• 美术史
• 中国艺术
• 绘画风格
• 艺术流派
• 文化艺术
• 绘画研究

翰墨丹青，時代縮影：中國古代繪畫藝術的流變與精神 本書聚焦於中國古代繪畫藝術自萌芽至鼎盛時期的恢弘歷程，深入剖析各個歷史階段的風格演變、美學思想的轉折，以及藝術家們在時代洪流中的精神追求與技法創新。 第一部：肇始與奠基——史前至魏晉南北朝的萌芽與精神確立 本書的開篇，將引領讀者回溯至中國繪畫的遠古源頭。從新石器時代的岩畫與陶器紋飾中，探尋早期人類對自然物象的初步摹寫與符號化表達，探討「圖畫」如何從實用功能逐漸脫離，內涵出審美意趣的雛形。 隨後，筆鋒轉向先秦時期，重點考察漆器圖案、帛畫的考古發現，如長沙馬王堆漢墓出土的T形帛畫，分析其宗教觀念、喪葬文化與早期構圖原則的結合。這一階段的繪畫，重在「載道」與「象形」，為後世的線描和意境營造奠定了基礎。 魏晉南北朝，是中國繪畫史上一個至關重要的轉捩點。在玄學清談與佛教傳播的雙重影響下，繪畫開始確立其獨立的學術地位。本書將詳盡闡述顧愷之「遷想妙得」的理論，分析其對人物畫「傳神寫照」的確立性貢獻。同時，佛教造像藝術對中國繪畫的影響無可替代，特別是敦煌莫高窟早期壁畫的風格，展現了犍陀羅與本土文化的深度交融，以及對人體結構、空間處理的初步探索。南北朝時期，南方文人畫的先聲（如南朝的畫家論）與北方士族階層對山水畫的初步偏好，也將得到細緻的梳理。 第二部：確立與高峰——隋唐五代盛世的格局營建 隋唐五代時期，隨著社會的空前繁榮與文化的自信，中國繪畫迎來了第一次高峰。 在人物畫領域，本書將專注於閻立本和吳道子。閻立本的《步輦圖》，體現了唐代宮廷畫的雍容氣度和規範性；而「畫聖」吳道子的「吳帶當風」，則標誌著線條表現力的極致昇華。我們將分析唐代畫家如何通過線條的粗細、曲直、頓挫，來模擬物體的體積感和運動感，這對後世的白描技法影響深遠。 山水畫的勃興是隋唐五代的另一大主題。李思訓、李昭道的「金碧山水」，以其絢麗的色彩和嚴謹的界畫形式，展現了盛唐的富麗堂皇。而荊浩、關仝在五代時期對北方山水的開創性描繪，則確立了「全景式」、「高遠法」的格局，使山水從陪襯地位躍升為主體藝術。本書將探討這些早期山水畫家如何將個人的胸襟與自然萬物的氣勢相融合，完成從「物象描摹」到「意境營造」的過渡。 第三部：轉折與文人化——宋代的院體精微與士人氣象 宋代，是中國繪畫藝術在技法上最為成熟、風格最為多元的時期。 首先，對宋徽宗主導下的翰林圖畫院（院體）的精微之處進行深入剖析。以院體畫為代表的「格物致知」精神，要求畫家對自然界進行極度細緻的觀察與描繪。從院畫的審核標準、花鳥畫（如崔白、趙佶）的工整嚴密，到山水畫（如范寬、郭熙）對氣象與理學的結合，都體現了宋代士人對「真」與「理」的追求。 然而，宋代繪畫最為深遠的影響，在於文人畫的成熟。本書將重點考察蘇軾、米芾父子對繪畫理論的革新。他們高舉「以書入畫」的旗幟，強調「意在筆先」，將繪畫視為抒發個人性情、寄託儒道思想的載體，而非僅僅是謀生或取悅權貴的技能。米芾的「刷筆」技法，以及對水墨淡雅風格的推崇，為元代繪畫的爆發埋下了伏筆。 第四部：氣韻生動與筆墨遊戲——元、明、清的傳承、轉化與複興 元代，在政治變革的背景下，文人畫徹底佔據主導地位。本書將深入探討「元四家」（黃公望、吳鎮、倪瓚、王蒙）的創作動機與風格差異。倪瓚「蕭疏淡逸」的風格如何反映出避世情懷；黃公望在《富春山居圖》中對筆墨語言的融匯與創新，標誌著筆墨自身開始成為藝術的獨立主題。 明代繪畫呈現出「兩大主流」的對峙與交融。一方面，以「院派」餘緒為基礎的浙派（以戴進、吳偉為代表），延續了宋代院體的雄勁，強調筆墨的力度感。另一方面，以沈周、文徵明為代表的「吳門畫派」，繼承了元代文人畫的精髓，強調溫潤、秀雅的文人氣質，並進一步將詩、書、畫三者結合推向極致。本書還將考察董其昌提出的「南北宗論」對後世畫史觀的巨大影響。 清代繪畫的內容極為豐富。本書將分析宮廷畫的繼承與創新，如「金陵畫派」的地域特色。更重要的，是「四僧」（弘仁、髡殘、八大山人、石濤）的個人化表達。他們在明清易代之際，將山水畫推向了極致的「個人化」與「表現主義」。八大山人孤傲的造型、石濤對筆墨的自由掌控與「我自抒性」的理論，展現了中國繪畫在技法成熟後的精神解放與內向探索。 結語：不朽的線條與不滅的精神 本書試圖透過對中國古代繪畫藝術的歷時性考察，揭示出中國藝術家們始終追求的核心價值：「氣韻生動」的生命精神，「以線造型」的東方美學，以及「筆墨當隨時代」的文化自覺。這不僅是一部繪畫史，更是一部流動的中國士人精神史。

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这本书的结构设计非常精妙，仿佛一座层层递进的迷宫，每深入一层，都能发现新的惊喜和更深层次的联系。作者似乎非常擅长构建内在的逻辑网，不同章节之间并非孤立存在，而是通过一些微妙的线索相互勾连，形成一个有机的整体。例如，我在阅读到关于某一地域性画派的论述时，忽然意识到，其形成的基础早已在前面关于地域文化对审美取向影响的章节中埋下了伏笔。这种布局上的匠心，使得阅读过程充满了“啊哈！”的顿悟时刻。此外，作者在行文过程中，对史料的引用和取舍也十分老道。他懂得在关键时刻点到为止，留给读者想象和思考的空间，而不是用冗长枯燥的注释淹没读者。这种节奏感的把握，显示出作者深厚的文学素养和对读者体验的体贴。读完一个大的章节，我总有种意犹未尽的感觉，迫不及待想知道下一个转折点会指向何方。这种设计，让原本可能略显枯燥的学术探讨，变成了一场引人入胜的智力冒险。

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从整体阅读体验上来说，这本书具有极强的“重读价值”。第一次读，我或许会被其广博的知识面和宏大的叙事所震撼；但随着时间的推移，我发现每一次重温，都会从那些曾经被忽略的角落里，发掘出新的理解层次。这就像是一颗结构复杂的宝石，初看闪耀夺目，细品之下，才能发现其内部流动的光影和隐秘的切面。特别是书中所提出的某些创新性的观点，初读时或许会引起我的疑问或保留，但经过后续的沉淀和自身的思考，我反而能更深刻地理解其立论的基础和深意。这种能够经受住时间考验、不断自我充实和完善的著作，才是真正有生命力的。它不只是提供一个既定的结论，而是提供了一套观察和分析问题的工具箱。我想，这本书未来会成为我书架上经常被翻阅的参考书之一，每次拿起，都能在其中找到新的启迪，这才是好书最核心的魅力所在。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，那种沉甸甸的质感就透露出一种不凡的气息。封面采用的哑光纸张，触感细腻，印着烫金的书名，在灯光下泛着低调而优雅的光泽。内页的纸张选择也颇为考究，厚实且不反光，即便是长时间阅读也不会让眼睛感到疲惫。装订工艺更是体现了出版方的用心，书脊平整有力，翻阅时能感觉到书籍本身的韧性。我特别欣赏它在排版上的用心，字体大小适中，行距和字间距都拿捏得恰到好处，使得长篇的文字阅读起来毫不费力。尤其是那些需要细品的段落，作者巧妙地运用了留白，让读者的思绪有喘息的空间。整体来看，这本书不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，光是放在书架上，都能为整个空间增添一份文化底蕴和品味。我可以想象，当夕阳西下，捧着这样一本精心制作的书，在洒满余晖的房间里静静阅读，那将是多么惬意的享受。这种对实体书制作的尊重，在如今这个电子阅读盛行的时代，显得尤为珍贵。

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初读此书的引言部分，我就被作者那种旁征博引、气势恢宏的叙事风格所吸引。它并非那种干巴巴的学术罗列，而是充满了历史的烟火气和学者的洞察力。作者似乎拥有穿越时空的能力，能够将那些晦涩难懂的古代艺术理论，用现代人能够理解的语言娓娓道来。我特别留意到，在描述某个历史时期艺术思潮的变迁时，作者并未简单地做时间线上的梳理，而是深入挖掘了背后的社会结构、哲学思想乃至文人的个人际遇是如何共同作用，最终催生出那些流传千古的风格。这种将艺术置于宏大历史背景下考察的视角，极大地拓宽了我的认知边界。阅读过程中，我时常会停下来，反复咀嚼某些精妙的比喻和论断，仿佛与一位博学的老友促膝长谈。这种深入浅出的阐释能力，让原本高高在上的艺术史知识变得亲切可感，极大地激发了我继续探索下去的渴望。这种阅读体验是极其愉悦且富有启发的，它不仅仅是信息的输入，更是一次思维的碰撞和升华。

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我不得不佩服作者在细节考据上的严谨态度，这绝非一般作者能够企及的深度。在探讨某一绘画流派的技法传承时，作者不仅引用了文献记载，还结合了对现存作品的微观分析，甚至不惜笔墨去辨析那些难以捉摸的“笔墨趣味”的代际差异。这种对“真实”的执着探求，使得书中的论断具有极强的说服力。举个例子，书中对于某位古代画家的用墨习惯的描述，细致到了墨色浓淡变化在不同天气下的微妙影响，这种近乎于“田野调查式”的考证，让我感受到了作者为求真理所付出的巨大心血。更难能可贵的是，即便是在讨论如此技术性的细节时，作者也从未让语言变得僵硬，而是始终保持着一种优雅的学术姿态。这本读物，无疑是为那些真正对艺术史抱有敬畏之心、不满足于表面介绍的深度爱好者准备的。它教会我的不仅是知识，更是对待学术研究应有的那种精益求精的精神。

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