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出版者:中国广播电视出版社

作者:卿烈军

出品人:

页数:218

译者:

出版时间:2000-1

价格:22.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787504334176

丛书系列:

图书标签:

• 单簧管
• 乐器
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弦音之舞：小提琴演奏技法精要 一、导言：探寻弓弦间的灵魂共鸣 《弦音之舞：小提琴演奏技法精要》并非一本针对初学者的入门指南，它旨在为已经具备一定演奏基础的小提琴学习者和演奏者提供一套深入、系统且富有洞察力的技术深化路径。本书的核心目标是超越机械化的指法和运弓练习，触及音乐表现的深层机制，引导读者将技术训练与艺术理解完美融合，最终实现“以心驭弓，以指传情”的境界。 本书的创作灵感来源于对传统小提琴教学理念的审视与现代化演奏实践的融合。我们认识到，精湛的技艺是优秀音乐表达的基石，但如果缺乏对音色塑造、乐句呼吸以及风格理解的精微把握，演奏终将流于匠气。因此，全书结构围绕“技术——音乐——风格”的递进关系展开，力求为读者构建一个全面、立体的技术提升框架。 二、弓法系统深化：从力量到色彩的掌控 运弓是小提琴演奏的灵魂所在，它决定了声音的本质。本书在弓法技术部分投入了大量的篇幅进行深入剖析，远远超出了基础教材中对“平稳运弓”的简单要求。 2.1 弓的物理学与控制哲学： 我们首先探讨了弓杆的重量分配、马尾与琴弦接触点的力学关系。详细分析了不同弓段（弓尖、中弓、弓根）在速度、压力和接触点这三大变量相互作用下，如何产生从“细语般的弱音”到“洪钟般的强音”的全部音色光谱。 2.2 换弓的艺术与流畅性： 换弓常常是暴露演奏者功力的一大关卡。本书系统梳理了十余种换弓技巧，包括： “双重换弓”技术（Double Engagement）： 针对快速连奏中换弓时产生的断裂感，提出了独特的“预加载”和“卸载”弓尖微动方法，确保换弓点如丝般顺滑。 速度平衡换弓： 在不同速度的乐句中，如何根据乐句的呼吸点动态调整弓速的增减，使换弓动作成为乐句自然延伸的一部分，而非突兀的中断。 弓根的张力释放： 探讨了在强奏或歌唱性乐段中，如何通过精准控制弓根的启动和停止，避免声音的“挤压”或“拖沓”，实现饱满而有弹性的音头。 2.3 分弓技巧的精细化： 对于需要清晰颗粒感和高度分离度的分弓（如巴洛克奏鸣曲或炫技段落），本书提供了针对性的训练方案，强调“短促但非僵硬”的运弓概念，重点在于对弓毛的瞬间“抓取”与“释放”，而非简单的短线切割。 三、指法逻辑与触弦体验：精确的延伸 左手技术是实现音乐意图的执行者，本书着重于提升指法的“智能化”与“效率化”。 3.1 换把技术的“空间感”训练： 许多演奏者依赖视觉，而本书强调建立纯粹的听觉和肌肉记忆相结合的“空间感”。我们引入了非音高的定位练习，例如对手指在指板上相对距离的精确感知训练，从而大幅提高换把的速度和准确性，尤其是在大幅度换把或模糊把位（如高把位）时的稳定度。 3.2 揉弦的深度解析与情感注入： 揉弦绝非简单的“抖动”。本书将揉弦分解为“轴心运动”与“幅度控制”两个维度。 轴心定位： 探讨了不同指型（V形、U形、直线型）对音色温暖度和穿透力的影响，并结合不同的作曲家风格选择最适宜的轴心。 速度与幅度调制： 详细指导如何在同一音符内实现揉弦速度和幅度的渐变（如从宽广的摇摆到细密的颤动），以模拟人声的呼吸起伏和情感波动。书中还特别讨论了在极弱奏（ppp）和极强奏（fff）下，如何维持有效且不失控制的揉弦。 3.3 左手“松弛”与“准备”的哲学： 高效的指法训练在于“不必要的紧张”的消除。我们深入分析了如何通过正确的持琴姿势，将持琴的重量转移到颈部和肩带的自然支撑上，解放左手腕和手指的灵活性，使手指能以最小的能量实现最快速的动作。 四、音乐性提升：从符号到意义的转化 技术是手段，音乐表达才是最终目的。本书的后半部分专注于如何将精湛的技术转化为富有感染力的音乐。 4.1 乐句的呼吸与结构： 借鉴管乐和声乐的理论，本书将小提琴的演奏视为一种“气息”的流动。 “结构性呼吸”： 指导读者如何识别乐句中的“主干音”与“连接音”，并在重要的结构节点处进行“技术性换气”（即无声的、内化的弓速和压力调整）。 张力与释放的建筑学： 教授如何通过音量、音色和节奏的微小变化，精心构建乐句的高潮（Climax），并引导听众自然地抵达并回落，避免平铺直叙。 4.2 调性中心与音准的动态调控： 纯粹的平均律音准在弦乐上是受限的。本书详述了“主导音”理论在小提琴演奏中的应用。例如，在C大调中，如何根据和声关系（如属七和弦的主导音）对三度、六度音进行微小的、听觉上的“调性校准”，使和声听起来更“纯净”和“稳定”。 五、风格的辨识与演绎：跨越时代的对话 对不同时期和流派作品的风格把握，是成熟演奏家的标志。《弦音之舞》特别提供了跨越不同音乐时期的风格指导。 5.1 巴洛克时代的“清晰性”： 探讨了在巴赫、维瓦尔第等作品中，如何运用更短的弓、更少的揉弦（或使用更窄的揉弦），以及更清晰的非和声音处理，以还原作品原有的“脉动感”和“结构透明度”。 5.2 浪漫主义的“歌唱性”： 针对勃拉姆斯、柴可夫斯基等作品，本书重点指导如何运用宽广的弓幅、饱满的音色和富有情感的揉弦，让小提琴真正“开口说话”，强调旋律线如同最优美的女高音咏叹调般连贯、深情。 5.3 现代作品的“音色实验”： 引导读者探索20世纪及以后的写作手法，例如对“噪音”的合理利用（如指定击弦、指甲触弦），以及如何在极简主义和序列主义作品中，精准把握作曲家对音色、节奏非传统要求的执行标准。 结语：持续精进的旅程 《弦音之舞：小提琴演奏技法精要》并非终点，而是一张详细的地图，指引演奏者走向更深层次的自我超越。它要求学习者带着批判性的思维去对待每一个练习，将每一次演奏都视为一次技术与艺术的再创造。

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我必须得说，这本书的装帧和纸质简直是一场灾难。作为一本工具书，它应该耐得住反复翻阅和练习时的汗渍口水，但这本书的封面设计极其单薄，拿在手里轻飘飘的，感觉一不小心就会被撕裂。更严重的是印刷质量，那些乐谱的五线谱线条粗细不均，有些小节线甚至有些模糊不清，尤其是在高把位的音符部分，那些#和b的记号经常和谱线混在一起，让人看得十分费力。对于初学者来说，清晰准确的视觉反馈是建立正确读谱习惯的关键，而这本书在这方面完全失职。我第一次尝试对照书本吹奏一段简单的练习时，光是辨认那些被印得模模糊糊的十六分音符时值，就浪费了大量时间。此外，书中对于节奏的标注也缺乏细致的说明，比如附点音符和三连音的演奏感觉，书中完全没有用任何文字或图表来辅助解释，只是冷冰冰地把音符画在那里。这使得我不得不依赖听觉去模仿，而这本书本该提供的“视觉指导”的价值，却因此大打折扣。我期待的是一本能陪我走过无数次练习的“战友”，而不是一本看了两次就可能卷边的“一次性用品”。从实用性和耐用性的角度来看，它远低于一本合格的教材标准。

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我发现这本书在理论知识的引入上存在明显的断层和逻辑跳跃，这对于需要构建完整知识体系的初学者来说，是极其不利的。比如，在讲到指法图表时，它会突然插入一段关于“簧片的湿度与硬度对超吹音色的影响”的专业讨论，但对于“什么是超吹音”以及它在什么情况下使用，书中却只用了一句话带过，没有深入解释其原理和可行性。这种“高深理论与基础操作并列”的编排方式，使得知识点之间的联系变得松散而难以吸收。一个初学者面对这样的内容，很容易陷入“我学了A，但不知道它和B有什么关系，更不知道什么时候该用”的困境。更让人费解的是，它对于一些重要的乐器维护知识几乎没有提及。例如，如何正确地拆卸和组装连接部分以避免对软木磨损，如何定期清洁管体内部，以及针对不同气候条件的调养方法，这些在日常演奏中至关重要的问题，在这本书里完全找不到踪影。我不得不承认，这本书更像是一份写给已经熟练掌握乐器的人进行“查漏补缺”的参考手册，而不是一本从零开始构建知识框架的“教程”。它错失了培养学生全面素养的最佳时机。

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这本号称“基础”的乐器教材，给我的感觉就像是想把一个初学者直接扔到交响乐团的独奏台前，然后告诉你：“自己摸索吧！” 我记得我满怀憧憬地翻开第一页，期待着手指位置、气息控制这些最基本的东西能被掰开了揉碎了讲清楚。结果呢？它仿佛默认你已经完成了某所知名音乐学院的预科教育。第一个章节就直接跳到了关于“半音阶的快速换指练习”，我连中音区C和D的指法都没完全确定，更别提什么“精确的簧片振动控制”了。书里的图示极其简洁，简直可以用“草图”来形容，完全没有给出不同手型在不同指位下可能会产生的气流偏差的详细解析。更让我抓狂的是，关于口型和嘴唇肌肉群的训练部分，文字描述干巴巴的，没有一张能让人看懂的横截面结构图，也没有任何针对初学者常见错误（比如过度用力导致音色扁平）的预警和纠正方法。我甚至怀疑作者是不是从来没有真正教过一个零基础的学生。这本书对于我来说，与其说是教程，不如说是一份专业演奏家才看得懂的“高级练习曲目索引”，让我这个想入门的人，直接就被困在了门槛之外，连门把手都没摸到。我的练习进度完全停滞，因为我不知道书上那些抽象的术语到底对应我嘴巴和手指上哪个具体动作。我不得不去网上找那些“野路子”的视频教程，反而比这本书靠谱得多，这实在是一种讽刺。

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这本书的配套资源，或者说作者预期的“听觉辅助”，是完全缺失的，这在当代音乐学习中是致命的缺陷。单簧管的学习，尤其是气息控制和音准的把握，离开了听觉示范是寸步难行的。我非常期待这本书能够附带一张CD或者提供一个可供下载的音频链接，里面包含书中所有练习曲的示范演奏，最好能有慢速和常速两个版本，以便我对比和跟练。然而，这本书拿到手时，里面空空如也，没有任何提示。这就导致我在练习一些复杂的节奏型或者需要特殊音色的段落时，完全处于“盲人摸象”的状态。我不知道正确的音高应该是怎样的，不知道作者期望的节奏型听起来是何种感觉。这种缺乏听觉反馈的学习方式，极大地增加了我自我纠正的难度和时间成本。学习一门乐器，听比看更重要，而这本书恰恰剥夺了学习者最核心的听觉参考工具。它只是一堆静止的符号，缺乏生命的流动性，让人感到枯燥和孤立，仿佛只能对着纸张进行一场单向的、没有回应的对话。

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这本书在曲目选择上的倾向性强得令人侧目。它似乎是为某个特定流派或者某个特定时代的音乐爱好者量身定制的，但对于一个想要全面了解单簧管艺术的初学者而言，它的视野显得过于狭隘和偏执。前三分之一的内容，几乎被一些冗长且技术性极强、但音乐性上略显枯燥的“技术练习曲”所占据。我理解技术训练的重要性，但教程不应该只是技术堆砌，它应该是一座通往音乐世界的桥梁。这本书很少收录一些旋律优美、能让人产生情感共鸣的短小乐曲片段。例如，我非常希望能在初期接触到一些改编自民谣或者简单古典小品的片段，这样能够激励我持续练习的动力。然而，这里只有无穷无尽的音阶和琶音变体，而且变体的逻辑性也不够清晰，有时感觉像是为了凑页数而硬塞进去的。当我翻到后面部分，希望能看到一些合奏或者室内乐的入门片段时，发现也是寥寥无几。这让我感到非常失望，因为单簧管的魅力很大一部分来自于它与其他乐器的配合，这本书似乎完全忽视了这一点，它把单簧管塑造成了一个孤立的、纯粹的技术展示工具，而不是一个富有表现力的乐器。

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