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出版者:四川美术出版社

作者:樊萍

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2005-1

价格:12.00元

装帧:

isbn号码:9787541024931

丛书系列:

图书标签:

• 花朵的书
• 绘画
• 美术入门
• 绘画基础
• 儿童美术
• 素描
• 色彩
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• 艺术启蒙
• 绘画技巧
• 初学者

穿越时空的艺术之旅：古典雕塑的审美与技艺深度解析 一本献给所有渴望触摸历史脉搏、理解人类创造力巅峰的艺术爱好者、专业学者及创作者的权威指南。 本书并非聚焦于初学者的绘画入门技巧，而是深入挖掘一项源远流长、影响深远的艺术形式——古典雕塑。我们将带领读者，以一种前所未有的细致和敬畏之心，重新审视那些沉默在博物馆角落，却承载着千年人类精神重量的石与铜的杰作。 第一章：从神话的泥土到永恒的石膏——古典雕塑的起源与哲学基石 雕塑，作为人类最早的造型艺术之一，其诞生与文明的曙光紧密相连。本章将追溯美索不达米亚、古埃及的早期纪念性雕塑，重点剖析其服务于宗教、权力与不朽的叙事功能。 随后，我们将把核心聚焦于古希腊的黄金时代。不再仅仅停留在“米洛的维纳斯”或“掷铁饼者”的表层欣赏，我们将详细解析“理想化的人体”背后的哲学思辨。探讨从古风时期的僵硬到古典时期的“动感中的宁静”（Symmetria与Harmonia的实现），再到希腊化时期对极端情感与戏剧性张力的追求（Pathos的爆发）。我们将解读不同时期雕塑家如何运用“比例律”（Canon）来表达宇宙秩序与人类潜能的统一。 第二章：材料的宿命与工匠的魔法——技艺的深度解构 雕塑的生命力，一半在于其思想，一半在于其载体。本章将系统梳理古典雕塑常用的材料——大理石、青铜、陶土——的物理特性、开采难度及其对最终美学效果的影响。 大理石的呼吸： 探讨卡拉拉大理石的细腻纹理如何被精心地挑选和利用。我们将深入研究“块面处理法”，剖析雕刻家如何通过细微的凹凸变化（sfumato在石雕中的体现）来模拟皮肤的柔软、肌肉的紧张与衣物的褶皱。我们还将对比干凿、细磨、抛光等不同阶段的工艺，揭示为何一件完成品可能需要数年甚至数十年。 青铜的铸就： 详细阐述失蜡法（Lost-wax casting）的复杂流程，从泥模的塑形、石膏外壳的制作，到金属熔化与浇铸的精确温度控制。理解青铜铸件的“分段接合”技术如何使得宏伟的雕像成为可能，并分析青铜氧化层（铜锈）如何成为时间赋予作品的第二层皮肤。 第三章：动态的静止——古典雕塑的构图与透视法则 与平面艺术不同，雕塑具有三维空间性，它要求观者围绕作品移动。本章将重点分析古典大师如何通过精妙的构图来引导观众的视线和体验。 视点控制（Viewpoint Control）： 剖析古希腊建筑群中的雕塑（如帕特农神庙的三角楣饰）如何针对特定的仰视角度进行“变形设计”，以确保从地面观看时形态的完美无缺。 “对角线驱动”与“S形曲线”： 深入研究希腊化时期雕塑如《萨莫色雷斯的胜利女神》中，如何运用强烈的对角线结构和动态的身体扭转（Contrapposto的极端化）来创造强烈的运动感，即使作品主体已然静止。我们还将讨论“空间渗透”的概念，即雕塑如何将周围的空间纳入其形态之中，而非仅仅占据空间。 第四章：从希腊到罗马——风格的演变与政治的镜像 本章将对比分析希腊原作与罗马复制品之间的细微差异。罗马人对希腊雕塑的继承与创新，是理解古典艺术流变的关键。 罗马的写实主义冲击： 探讨罗马肖像雕塑对希腊理想化传统的颠覆。从早期的“写实头像”（Verism）如何记录政治家的真实皱纹、缺陷与年龄，到奥古斯都时代如何将希腊式的“永恒青年”与罗马的“权力象征”融合（如《奥古斯都元首像》）。 纪念碑的叙事： 重点分析图拉真柱、马克·奥勒留骑马像等大型纪念碑的“连续叙事带”（Continuous Narrative Frieze）技法，解析这些作品如何成为宏大的历史文献，将战争、胜利与神意巧妙地编织在一起。 第五章：被遗忘的色彩与重塑的经典——古典雕塑的真相 一个长久以来被误解的真相是：我们今天看到的纯白色大理石雕像，在古代其实是色彩斑斓的。本章将运用现代科学分析方法（如拉曼光谱分析）来揭示古代雕塑表面的颜料残留。 我们将探讨“色调”（Polychromy）如何服务于叙事：眼睛如何被涂上虹膜和瞳孔，衣物如何被赋予鲜艳的纹理，以及这种色彩实践如何彻底改变我们对古典审美的认知。最后，本章会简要触及文艺复兴时期，米开朗基罗等大师如何“修正”了这种色彩的缺失，并确立了白色大理石作为“纯粹艺术”的经典形象，以及这一审美如何延续至今，并成为我们理解古典艺术时的最大障碍。 本书旨在提供一种批判性的、多维度的、技术驱动的视角，带领读者超越“美”的表面赞叹，进入到雕塑家深邃的思考、严苛的技艺训练以及作品背后的时代精神之中。它是一把钥匙，能开启通往人类艺术史上最坚实、最深刻的创造性表达的大门。

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这本书的阅读体验是极其流畅和愉悦的，仿佛作者深知初学者的痛点，并提前布置好了每一个“避雷点”。我过去尝试过几本美术入门书籍，它们往往在初期就对人体解剖和复杂的透视要求过高，导致学习兴趣迅速消退。然而，这本书的梯度设计堪称教科书级别的典范。它从最简单的线条控制和形状识别开始，然后逐步过渡到光影的渐变和纹理的刻画，每一步都建立在前一步稳固的基础上。我印象特别深刻的是它关于“色彩的心理学应用”那部分。它不仅仅告诉我们红配绿或蓝配黄的理论搭配，而是深入讲解了如何利用色彩的冷暖对比来制造画面的空间景深，以及如何通过饱和度的控制来引导观众的视觉焦点。作者的语言风格幽默风趣，时常穿插一些艺术史上的轶事，比如某位大师在创作某个名作时遇到的趣事或窘境，这极大地拉近了读者与艺术史之间的距离，让学习过程充满了趣味性。这本书最大的价值在于，它成功地将艺术创作中那种需要多年积累才能领悟的“直觉”，通过系统化的训练和清晰的逻辑分解，转化为任何人都可以理解和实践的方法论。它真正做到了让零基础的人，能够有信心地迈出扎实的第一步，并对艺术的未来充满憧憬。

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这本书的书名虽然直白，但其内容的广度和深度却远超我的预期。我原本以为它会专注于某一种绘画技巧的教授，比如素描的阴影处理，或者色彩搭配的固定法则。然而，它展现的是一个更为宏大的艺术哲学观。作者似乎在引导读者去思考“我们为什么要画画？”这个问题，而不是仅仅停留在“怎么画”的层面。书中探讨了从古典主义的严谨结构到现代主义的抽象表达，如何在人类历史的长河中相互影响和演变。有一章专门讲解了“构图的韵律感”，它没有简单地套用三分法或黄金分割，而是将音乐的节奏感引入到视觉艺术的布局中，让我对画面平衡的理解上升到了一个新的维度。更让我惊喜的是，它还涉及到了绘画与心理学的交叉领域，探讨了颜色如何影响观看者的情绪，以及线条的走向如何暗示动势和情绪的流动。这种跨学科的视野，让这本书的厚度瞬间增加了好几倍。对于一个渴望全面提升自己艺术素养的读者来说，它提供的知识体系是完整且自洽的。它教会我的，不仅仅是如何用画笔去描绘世界，更是如何用心灵去解读和重塑这个世界，它是一本激发思考的哲学指南，而非仅仅是技法手册。

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我必须承认，我是在一个极其偶然的情况下接触到这本关于绘画启蒙的书籍的，当时我正处于一个创意枯竭的低谷期，急需一些能重新点燃我内心火花的外部刺激。这本书给我的感觉，不像是一本教科书，更像是一份精心策划的艺术探索之旅的路线图。它的排版设计非常大胆和现代，大量的留白和高质量的艺术史插图交错出现，使得阅读过程本身就成了一种视觉享受。我注意到作者在介绍不同艺术流派时，并没有采用平铺直叙的编年史方式，而是巧妙地将不同时期的画家和他们的核心理念进行对比和连接，比如将印象派的光影捕捉与后来的表现主义的情感外露进行对比，这极大地拓宽了我对“艺术表达”的边界认知。书中关于材料特性的讨论也极其细致入微，比如不同品牌水彩颜料的颗粒感差异，或者油画颜料晾干后的光泽变化，这些细节对于追求真实质感的创作者来说，是黄金般宝贵的经验。我尤其欣赏它对“失败”的包容态度，书中明确指出，每一次看似失败的尝试都是在逼近最终的成功，这种积极的心理引导，让我这个容易因为一笔画错就全盘放弃的人，重新拾起了画笔。读完后，我不再满足于简单的临摹，而是开始尝试将书中介绍的技法与我自己的情感体验相结合，去创作一些更具个人色彩的作品，那种从模仿到创造的飞跃，是这本书带给我最震撼的礼物。

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这本书简直是艺术殿堂里的一把万能钥匙，我作为一个业余爱好者，过去对着素描和色彩理论总是云里雾里，总觉得那些大师的技巧高深莫测，遥不可及。直到我翻开它，那种感觉才彻底改变。它没有堆砌那些晦涩难懂的专业术语，而是用极其生活化的语言，一步步引导你走进绘画的世界。比如，它讲解透视原理时，不是直接甩出一堆复杂的几何公式，而是用“观察窗户的边框”或者“远处的电线杆如何汇聚”这种场景来类比，让人豁然开朗。我尤其喜欢它关于“光影塑造体积感”的章节，作者没有满足于简单地说“亮面、灰面、暗面”，而是深入探讨了环境光、反射光对物体表面的微妙影响，配图清晰得仿佛能触摸到模特的皮肤质感。这本书的结构安排也非常人性化，它没有强迫你一开始就去画复杂的风景或人物肖像，而是从最基础的几何体开始，让你扎实地建立起对空间和形态的理解。对我来说，最大的收获在于它培养了一种“看”的视角，我现在走在街上，看到的不再是杂乱的物体，而是线条、明暗和结构关系的集合体，这简直是一种全新的感官体验。阅读过程中，我能感受到作者对艺术发自内心的热爱，这份热情是通过文字渗透出来的，让人甘愿沉浸其中，而不是感到被说教。它更像是一位经验丰富的导师，在你身旁耐心陪伴，随时准备为你解答每一个关于“为什么”的疑问，让我这个“门外汉”第一次真正体会到了创作的乐趣和严谨性。

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坦白说，我是一个对传统美术教育体系抱有一种敬畏又疏离感的人，总觉得那些学院派的训练过于刻板和束缚创造力。因此，当我拿起这本被誉为“初学”的书时，心里是带着一丝怀疑的：它会不会又是一本老生常谈的工具书？事实证明，我的担忧完全是多余的。这本书的魅力在于它的“去中心化”叙事方式。它并没有把某一种画风奉为圭臬，而是像一个导游，带领读者游览了世界各地、不同文化背景下的视觉表达方式。比如，书中有一部分专门对比了东方水墨画的“留白”哲学与西方文艺复兴时期对“完整填充”的追求，这种对比极具启发性，让我理解到“缺失”本身也是一种强大的艺术语言。再者，它对工具的介绍也非常与时俱进，不仅涵盖了传统的炭笔、墨水，还探讨了数位板在基础造型训练中的应用与限制。最让我感到实用的是，它提供了一套非常清晰的“自我纠错机制”，当你完成一幅作品后，书中的清单能让你从光线、比例、情感传达等多个维度去审视自己的作品，而不是茫然不知所措。这本书更像是一个互动的伙伴，它激发你拿起工具，同时又在你遇到瓶颈时，提供一个冷静的、多角度的分析框架，让你能够自我迭代和进步。

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