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出版者:北京广播学院出版社

作者:刘天礼

出品人:

页数:132

译者:

出版时间:2002-1-1

价格:12.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787810049757

丛书系列:

图书标签:

• 电声乐队配器法
• 音乐教材
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《乐章的织锦：跨越时代的管弦乐配器艺术》 序言 音乐的灵魂，往往寄寓于其丰富的音色与精妙的织体之中。而配器，作为将这些抽象的音乐理念转化为具体声音形态的桥梁，其重要性不言而喻。它不仅仅是将不同的乐器组合在一起，更是一种将作曲家的情感、思想和意图，通过乐器的特性、音响的融合与对位的精巧，淋漓尽致地表达出来的艺术。一本优秀的配器书籍，应当是音乐创作的指南，也是理解伟大作品的钥匙。 《乐章的织锦：跨越时代的管弦乐配器艺术》并非一本浅尝辄止的配器入门手册，而是致力于深入探讨管弦乐配器艺术的精髓，追溯其历史发展脉络，解析各个历史时期配器手法的演变，并着重于现代管弦乐配器在创作实践中的应用与创新。本书旨在为音乐学院学生、作曲家、指挥家、以及所有对管弦乐音乐怀有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而深入的学习与思考平台。 第一部分：配器艺术的根基——历史的回响 本书的起点，将是对西方管弦乐配器历史发展的一次系统梳理。我们将追溯至早期管弦乐队的雏形，探索巴洛克时期复调音乐对乐器组合的影响，以及早期键盘乐器（如羽管键琴）在乐队中扮演的角色。随后，我们将聚焦古典主义时期，分析海顿、莫扎特等大师如何奠定现代管弦乐队的基本编制，以及他们对于弦乐组、木管组、铜管组各自音响特性的早期探索。 进入浪漫主义时期，音乐的情感表达力得到空前释放，这自然也对配器提出了更高的要求。我们将详细剖析贝多芬在交响乐配器上的革命性突破，以及舒伯特、勃拉姆斯、柴可夫斯基等作曲家如何在色彩、力度与织体上不断拓展管弦乐的表现力。特别是瓦格纳，他对于铜管乐器的创新运用、以及对整个管弦乐音响的“色彩化”追求，将是本部分着重探讨的重点。 20世纪至今，管弦乐配器进入了一个更为多元和实验的时代。印象主义、表现主义、新古典主义、序列音乐、电子音乐等思潮的涌现，无不深刻影响着配器手法。我们将分析德彪西如何利用木管乐器的独特音色营造朦胧的氛围，斯特拉文斯基如何通过不寻常的乐器组合制造节奏的冲击力，以及勋伯格及其学生如何探索十二音技法下的配器可能性。此外，对于电影配乐、现代流行音乐中管弦乐元素的运用，本书也将进行有益的探讨，展现配器艺术在不同领域中的生命力。 第二部分：乐器家族的对话——音色、性能与融合 配器的核心在于对各类乐器的深刻理解。本书将系统地介绍管弦乐队中主要的乐器家族，并对其音色特点、演奏性能、音域范围、以及在不同音区和力度下的表现力进行详尽的分析。 弦乐组： 从小提琴的灵动、中提琴的温暖、大提琴的深沉到低音提琴的厚重，我们将探讨其弓法、指法、揉弦、拨弦等技巧如何丰富音响表现。分析弦乐组在旋律、和声、节奏以及织体塑造中的基础性作用，以及如何运用 divisi、泛音、弱音器等技法拓展其表现空间。 木管组： 无论是单簧管的圆润、双簧管的悠扬、长笛的清澈，还是巴松管的低语，木管乐器以其丰富多变的音色著称。本书将深入剖析各管乐器的音域特点，探讨其在旋律线条、和声色彩、以及对位织体中的独特贡献。分析它们如何与弦乐组相互呼应，如何在与铜管的交织中产生奇妙的化学反应。 铜管组： 铜管乐器以其辉煌、雄壮的音响力量，在乐队中占据着不可或缺的地位。我们将深入研究小号的明亮、圆号的柔和、长号的稳重以及大号的深沉。分析其在制造宏大场面、渲染紧张气氛、以及提供强有力旋律支撑等方面的作用。同时，也将探讨如何通过弱音器、转调管等技巧，使其音色更加细腻和富于变化。 打击乐组： 打击乐器是乐队中的“色彩大师”与“节奏引擎”。本书将广泛介绍定音乐器（如定音鼓、马林巴、钟琴）与不定位乐器（如小军鼓、钹、三角铁）的特性，分析它们如何为音乐增添节奏的活力、音色的斑斓以及情感的张力。探讨如何根据音乐的需要，精妙地选择和运用打击乐器，提升作品的整体表现力。 键盘乐器与其他： 除了传统的管弦乐器，本书也将触及钢琴、竖琴、钢片琴、甚至电子合成器在现代管弦乐配器中的应用，分析它们如何为乐队带来独特的音响质感和表现可能性。 第三部分：织体的艺术——从旋律到交响 配器不仅仅是乐器的叠加，更是音响织体的编织。本部分将深入探讨如何构建丰富而富有逻辑的音乐织体。 旋律与声部： 如何将主旋律分配给最适合的乐器，如何通过不同的乐器组合来丰富旋律的色彩？我们将分析复调、主调等不同织体结构下的声部配置原则。 和声与色彩： 和声的构成离不开各声部的协同。本书将探讨和弦的配器原则，分析不同乐器组合对和声色彩的渲染作用。例如，弦乐的厚重和木管的细腻如何共同构建出丰富的情感层次。 节奏与律动： 节奏是音乐的生命。我们将分析打击乐、铜管、以及其他乐器如何共同构建出强劲而富于变化的节奏型，以及如何通过不同声部的节奏互动来制造音乐的张力与活力。 力度与动态： 力度变化是音乐情感表达的重要手段。我们将研究如何通过乐器数量的增减、音域的调整、以及演奏技巧的运用，实现从极弱到极强的动态范围。 音响空间与定位： 好的配器应当能够营造出立体的音响空间感。我们将探讨乐器在高低音区的分布、声部之间的距离感，以及如何利用乐队的布局来影响听众的听觉体验。 第四部分：现代配器的挑战与创新 在21世纪，配器艺术面临着新的挑战与机遇。 技术的影响： 电子音乐、采样技术、数字音频工作站（DAW）的普及，为配器带来了前所未有的可能性，但也对传统管弦乐配器提出了新的思考。本书将探讨如何将电子音效与管弦乐进行有机融合，以及如何利用现代科技手段来拓展配器的表现力。 跨界与融合： 流行音乐、爵士乐、世界音乐等风格的元素，越来越多地出现在现代管弦乐作品中。我们将分析这些跨界合作的配器策略，以及如何保持管弦乐的独特魅力，同时吸纳新鲜的音乐语汇。 个性化与实验： 现代作曲家在配器上更加注重个性的表达与大胆的实验。本书将介绍一些前卫的配器手法，例如利用非常规演奏技巧、非传统乐器组合、以及对乐器音响进行解构与重塑等。 结语 《乐章的织锦：跨越时代的管弦乐配器艺术》希望通过对配器艺术历史、乐器特性、织体构建以及现代创新的全面探讨，为读者构建一个系统而深刻的配器知识体系。配器是作曲家手中一把神奇的画笔，它能够将无形的音符转化为可见可感的色彩、情感与画面。愿本书能够激发读者对管弦乐音乐更深层次的理解与热爱，并在自身的创作与欣赏中，领略配器艺术的无穷魅力。

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这本书绝对是音乐制作新手的福音！我之前对编曲和混音完全是一头雾水，尤其是在处理电声乐队这种多乐器配置时，简直不知道从何下手。市面上那些教程要么太理论化，要么就是针对特定风格的，找不到一个全面又实用的入门指南。这本书的出现简直是雪中送炭。它没有直接给我一堆枯燥的术语，而是非常直观地讲解了吉他、贝斯、鼓、键盘这些核心乐器在乐队中的职能划分和声部编排逻辑。比如，它深入浅出地分析了如何让贝斯和底鼓在低频部分既能相互支撑又不至于互相“打架”，这对于构建扎实的节奏基础至关重要。我尤其喜欢它对“空间感”的描述，作者竟然能用文字把混音台上的推子和旋钮所带来的物理感受描绘得淋漓尽致。读完前几章，我立刻尝试按照书中的建议去调整我自己的Demo，效果立竿见影，原本浑浊不清的段落瞬间变得清晰有力，每个乐器都有了自己的“位置”。对于那些和我一样，想把脑海中的音乐画面真正落地成高质量成品的朋友来说，这本书提供的操作层面的指导价值是无可估量的。它更像是一位经验丰富的制作人坐在你身边，手把手教你如何平衡乐队的声场，而不是冰冷的教科书。

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读完这本书，我最大的感受是它成功地打破了我对“标准配置”的刻板印象。以前我总觉得电声乐队就得是标准的“双吉他、一贝斯、一鼓、一主唱”模型，任何偏离都会显得不完整或突兀。然而，作者在关于“乐器功能替换与音色互补”的章节里，提出了许多大胆而富有创意的观点。他探讨了如何用合成器（Synth Pad）来替代部分冗余的节奏吉他功能，以在不增加混乱的前提下拓宽音场宽度；或者在缺少第二把吉他手时，如何通过精妙的延迟和调制效果，让一把吉他同时模拟出两种不同乐器的听感。这些“非常规”的解决方案，都是建立在对传统配器法深刻理解的基础上的“创新性偏离”。这本书最可贵之处在于，它教会了读者如何“打破规则而不损害结构”，而不是盲目地遵循每一个既定模板。它鼓励创作者去探索自己乐队独特的音色指纹，让每一个乐器的存在都拥有不可替代的合理性。对于那些厌倦了千篇一律流行编曲模式，渴望找到自己声音的乐队成员来说，这本书简直是一剂强心针，提供了打破思维定势的有力工具。

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说实话，我是一个非常注重细节和理论深度的音乐人，平时阅读的都是一些关于和声学发展史或者音色物理特性的专业文献。坦率地说，我最初对这类声称“包罗万象”的实战指南是抱有怀疑态度的，总觉得它们会牺牲深度来换取广度。然而，这本书在某些特定领域的剖析深度，却远超我的预期。例如，关于低音吉他和底鼓之间的“相位关系”处理，作者不仅给出了常见的解决方案（如错开时间点或使用相位反转），还详细分析了在不同速度和不同音乐风格（如放克、金属）下，哪种处理方式能更好地服务于律动的“感觉”，这已经触及到了录音工程中最微妙的哲学层面。书中对于“打击乐组的层次感构建”的论述也极为精妙，它不是简单地告诉你“军鼓要亮，通鼓要深”，而是通过分析不同打击乐器在节奏结构中的“角色定位”——是提供推进力，还是提供装饰性铺垫——来指导你选择相应的混响时间和压缩比率。这种由功能决定技术实现的思路，让我对如何更具目的性地设计音色有了全新的认识。对于希望把技术运用上升到艺术决策层面的进阶学习者来说，这本书提供了一个极佳的思考框架。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为一个小型独立音乐节准备现场演出，对如何将录音室的精细编排移植到现场，特别是如何让乐队的五六件乐器在有限的音箱系统中听起来“饱满而不拥挤”感到非常困惑。市面上流传的很多现场音响技术书籍侧重于麦克风摆位和功放匹配，但极少有从“编曲思维”角度切入来指导现场配置的。这本书恰恰填补了这个空白。它并没有直接讨论调音台的参数，而是回溯到了乐队声部的“必要性”和“冗余性”判断上。书中关于“动态余量”的章节对我启发极大，它教会我如何在编曲阶段就预留出足够的动态空间，这样在现场演出时，即使某些乐器音量稍有波动，整体听感依然能保持专业水准，避免了后期为了弥补编曲缺陷而过度依赖效果器和均衡器的窘境。我甚至发现，书中的一些编配原则，比如如何构建一个既有冲击力又不失清晰度的吉他Riff，可以完美应用于现场失真和Clean音色的切换策略中。这本书的价值，在于它将录音室的精细雕琢与现场的粗犷爆发力做了一个非常高明的桥接，让我在控制现场声压和保持音乐细节之间找到了一个美妙的平衡点。

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这本书的排版和图示设计简直是教科书级别的典范，这是我作为一个视觉学习者最看重的一点。在学习任何复杂的技术流程时，文字的描述往往会让人感到抽象和枯燥，但这本书通过大量的、精心绘制的系统图和流程图，将抽象的配器概念具体化了。比如，当它讲解如何处理一个“厚重”的摇滚吉他音墙时，它不是用一段密密麻麻的文字来解释多轨录音的层次，而是直接提供了一个三层吉他堆叠的示意图：底层是宽广的立体声基础，中层是核心旋律的单轨聚焦，顶层则是偶尔出现的泛音或技巧性扫弦。每个声部都有明确的EQ和PAN（声像）参考值范围。这种“看图说话”的学习方式极大地提高了我的效率。我甚至发现，有些复杂的信号流图，清晰度甚至超过了我参加过的某些专业工作坊的PPT。对于我这种需要将学习成果快速应用到项目中的人来说，这种直观的视觉引导，无疑是加速掌握复杂配器技巧的最佳途径。它把“应该这么做”的知识点，转化成了“就是这么看”的直观体验。

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太捞了！=口=从排版到行文到举例到价值观都太捞了OTZ

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当时也不知道哪里来的热情原价买下，一口气看完，还写了一封信给刘老师，虽然没见到回信，突然想起来还是很可爱的，只怕这样的热情不再了…

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