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出版者:少年儿童出版社

作者:程逸汝

出品人:

页数:22

译者:

出版时间:2001-12-1

价格:5.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787532447848

丛书系列:

图书标签:

• 童话故事
• 寓言故事
• 讽刺
• 幽默
• 儿童文学
• 成长
• 自我认知
• 勇气
• 接纳
• 缺陷

《光影流转：二十世纪电影艺术的演进与革新》 第一部分：默片的黄金时代与技术的突破（1900-1927） 绪论：光影的诞生与叙事的萌芽 二十世纪伊始，电影作为一种新兴的艺术形式，正处于其最为狂野、最具实验性的阶段。早期的电影制作人，如乔治·梅里爱（Georges Méliès）和爱德文·史蒂文森（Edwin S. Porter），将镜头从单纯记录现实的工具，迅速转变为构建奇观与讲述复杂故事的媒介。本部分将深入探讨默片时代的核心特征——视觉语言的构建、蒙太奇理论的早期探索，以及电影工业在好莱坞的初步集聚。 第一章：视觉的革命——梅里爱的魔术与平移镜头的诞生 本章聚焦于电影早期对“奇观”的迷恋。梅里爱通过双重曝光、慢放和定格等手法，将舞台魔术的虚幻性移植到银幕之上。我们不仅分析《月球旅行记》的文本意义，更重要的是，考察其如何奠定了视觉特效在电影叙事中的基础地位。同时，探讨大卫·格里菲斯（D.W. Griffith）在叙事结构上的突破，特别是他如何利用平行剪辑（Cross-cutting）和特写镜头来增强情感张力和戏剧冲突，尽管其某些作品在历史叙事上存在争议，但其对电影语言的贡献是不可磨灭的。 第二章：叙事的成熟与国际先锋运动的兴起 随着电影篇幅的拉长，叙事复杂度随之增加。在本章中，我们将审视欧洲，特别是德国表现主义（German Expressionism）的崛起。受到一战后社会焦虑和弗洛伊德心理学的影响，如罗伯特·维内（Robert Wiene）的《卡里加里博士的小屋》，电影不再追求客观真实，而是通过扭曲的布景、强烈的对比光影，将人物的内在恐惧和精神错乱外化于银幕之上。同时，苏联的电影理论家，如爱森斯坦（Sergei Eisenstein）和普多夫金（Vsevolod Pudovkin），发展出系统的蒙太奇理论，将剪辑视为思想和情感的碰撞点，而非简单的场面衔接。 第三章：好莱坞的工业化与巨星的诞生 默片时代也是电影制作流程工业化的关键时期。好莱坞的制片厂制度初具规模，制片人开始掌握对艺术创作的绝对控制权。查理·卓别林（Charlie Chaplin）和巴斯特·基顿（Buster Keaton）的喜剧，以其精湛的肢体语言和对社会底层的温情关注，赢得了全球观众。本章分析了这些“巨星”如何通过重复且高度风格化的角色形象，建立起电影工业最早的品牌价值。 --- 第二部分：有声电影的冲击与经典好莱坞的定型（1927-1945） 绪论：声音的革命与电影的媒介重塑 1927年《爵士乐之王》的出现，不仅是技术上的胜利，更是对整个电影艺术的颠覆。声音的加入，使得电影在叙事、表演和音乐运用上进入了一个全新的维度，同时也引发了对默片时代视觉纯粹性的怀念与辩论。 第四章：声音技术的整合与叙事障碍的克服 有声电影的早期并非一帆风顺，笨重的摄影机和麦克风限制了导演的运动自由。本章将细致分析早期有声片如何逐步解放镜头运动，以及声音如何被整合进叙事结构中，例如对白、音效和音乐的层次化处理。同时，我们也探讨了这一技术变革对演员的影响，以及“预先录音”（post-synchronization）等新技术的出现。 第五章：类型片的成熟与“好莱坞黄金时代”的规范 在三十年代，随着制片厂制度的完全确立，电影类型（Genre）得到了最大程度的细化和规范化。本章将剖析黑色电影（Film Noir）的早期萌芽、西部片的英雄主义颂歌以及歌舞片的鼎盛时期。我们着重分析米契姆·柯蒂斯（Michael Curtiz）和弗兰克·卡普拉（Frank Capra）等导演如何在其作品中，巧妙地平衡了商业需求与社会主题，构建出一种稳定的、观众可预期的叙事范式。 第六章：欧洲的流亡者与电影艺术的抗争 二战前夕，欧洲电影界经历了剧烈的动荡。许多优秀的导演和技术人员被迫流亡至好莱坞，带来了不同的艺术视野。本章探讨了流亡艺术家，如比利·怀尔德（Billy Wilder）和弗里茨·朗（Fritz Lang），如何将欧洲的悲剧感和对极权主义的深刻理解融入好莱坞的类型片中，为经典好莱坞的后期发展注入了更深沉的人文关怀。 --- 第三部分：战后挑战与现代主义的觉醒（1946-1965） 绪论：对体制的反思与电影的自我审视 二战的创伤以及冷战带来的不确定性，使得观众和创作者开始质疑经典好莱坞的乐观主义和叙事完整性。电影不再满足于提供逃避现实的幻想，而是转向对社会结构和个人心理的深入剖析。 第七章：意大利新现实主义的回归与真实的力量 战后重建的意大利，电影工作者走上街头，使用非专业演员和自然光，拍摄被战争蹂躏的城市。《偷自行车的人》等影片强调了普通民众的生存困境，其粗粝的质感和对社会不公的直视，构成了对好莱坞精致布景的有力反驳。本章分析新现实主义如何影响了后世的纪录片美学和纪实风格的叙事。 第八章：法国新浪潮——作者论的胜利 五十年代末期，法国电影评论家转变为导演，如让-吕克·戈达尔（Jean-Luc Godard）和弗朗索瓦·特吕弗（François Truffaut），发动了一场电影革命。他们高举“作者论”（Auteur Theory），强调导演是作品的唯一灵魂，并大胆打破叙事常规，引入跳接、现场收音和直接对镜头讲话（Breaking the Fourth Wall）等手法。本章将详细解构《精疲力尽》中那种充满活力和反叛精神的镜头语言。 第九章：好莱坞的自我更新与“黑色电影”的幽暗深处 面对电视的挑战和新浪潮的影响，好莱坞开始允许更具个人风格的导演（如阿尔弗雷德·希区柯克）拥有更大的创作空间。本章着重分析黑色电影如何从早期的对都市腐败的描绘，演变为对个人身份危机和性别政治的探讨，其晦暗的视觉风格和宿命论主题，标志着好莱坞主流叙事开始接纳现代主义的怀疑精神。 --- 第四部分：新浪潮的扩散与全球电影的多元化（1966-1975） 绪论：电影语言的彻底解放 六十年代中后期是电影史上的一个爆发期，各种地域性的电影运动，共享着对既有规范的反叛，并在技术和主题上追求极致的实验性。 第十章：东方电影的崛起——日本与捷克学派的深度探索 本章将目光投向东方。黑泽明（Akira Kurosawa）如何将西方戏剧结构与日本武士精神相结合，创造出史诗般的叙事张力；而捷克斯洛伐克的新浪潮，如米洛斯·福尔曼（Miloš Forman）的作品，则以其尖锐的政治讽刺和对制度的疏离感著称。我们探讨这些非西方中心的作品如何丰富了电影在处理集体记忆和个体自由边界上的复杂性。 第十一章：欧洲的慢节奏与反叙事 在意大利，安东尼奥尼（Michelangelo Antonioni）和费里尼（Federico Fellini）的作品达到了一个高峰，他们不再依赖情节推进，而是通过长时间的定格、重复的场景和对现代人情感的疏离感来营造氛围。本章分析了这种“慢电影”如何迫使观众从被动的接受者转变为积极的解读参与者。 第十二章：美国“新好莱坞”的诞生 在艺术追求与商业压力下，美国涌现出了一批受欧洲现代主义影响的年轻导演，如科波拉（Francis Ford Coppola）和斯皮尔伯格（Steven Spielberg）。他们将欧洲的电影技巧与美国类型片的商业吸引力相结合，创造出既有深刻主题又极具票房号召力的作品。本章以《教父》为例，分析其如何颠覆了传统的好莱坞家庭史诗，将其转化为对美国资本主义和道德沦丧的深刻寓言。 --- 结语：技术迭代与艺术的永恒张力 二十世纪的电影发展史，是一部关于技术革新与艺术表达之间永恒张力的历史。从梅里爱的微型魔术到现代主义的复杂结构，电影不断地在记录与创造、娱乐与反思之间寻找平衡点。理解这些流派的演进，就是理解现代视觉文化如何塑造了我们的世界观。

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