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出版者:福建美术出版社

作者:阎宏等 编

出品人:

页数:28

译者:

出版时间:2002-6

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787539311210

丛书系列:

图书标签:

• 美术基础
• 绘画入门
• 零基础
• 素描
• 色彩
• 构图
• 绘画技巧
• 艺术学习
• 教程
• 绘画

探寻光影与色彩的奥秘：经典素描与色彩理论精要 一、 奠基之作：严谨的观察与精准的表达 本书旨在为所有渴望踏入视觉艺术殿堂的初学者，提供一套系统、深入且极具实践指导意义的素描基础训练。我们坚信，素描是所有造型艺术的基石，是对客观世界进行理智分析与感性重构的第一步。因此，本书的首要目标是培养读者“看”的能力，而非仅仅是“画”的技巧。 第一部分：光影的语言——理解形体结构 本部分将彻底剖析光线与物体形态之间的复杂关系。我们不满足于表面的描摹，而是深入探究光与影如何定义空间、塑造体积。 1. 视觉的解构：点、线、面到体积 透视学的核心原理： 从最基础的一点透视到复杂的三点透视，我们将详细阐释消失点、视平线、视距的构建过程。不同于死板的几何推导，本书将透视法则融入到对真实场景（如街道、室内空间）的观察练习中，强调如何利用透视关系增强画面的深度和真实感。 几何形体的提炼： 如何将复杂的自然形态简化为立方体、球体、圆柱体等基本几何体。这不仅是简化步骤，更是理解物体内在结构的关键。我们将通过大量的实物解剖练习，展示如何通过这些基本形体的组合与切割来精确捕捉对象的比例和动态。 线条的性格与功能： 线条并非只是轮廓。本书将探索不同力度的线条（如轮廓线、结构线、辅助线）在素描中的不同作用。从轻柔的起稿线到坚定的边缘线，每一种线条都承载着不同的信息和情感。 2. 调子的深度：从明度到材质 光影的科学性： 详尽解析光源的类型（点光源、面光源、散射光）对物体受光面的影响，系统区分高光、亮部、灰面、明暗交界线、投影和反光。这不是简单的灰阶划分，而是对光线能量衰减过程的视觉模拟。 明暗层次的渐变控制： 掌握从最黑到最白之间平滑、有逻辑的过渡技巧。我们将专门介绍排线、铺调子、擦抹等多种表现手法，并针对不同材质（如光滑金属、粗糙木材、透明玻璃）所需的明暗处理差异进行对比示范。 环境光与空气透视： 进阶探讨环境光对物体受光和背光面的影响，以及空气中水分和尘埃对远景物体色彩和清晰度的影响（即空气透视法），以实现画面空间感的纵深层次。 第二部分：静物与肖像的实践训练 在掌握了光影和结构的基础后，本部分引导读者将理论应用于具体的写生对象。 1. 静物组合的构图艺术 视觉引导与平衡： 讲解黄金分割、三分法等经典构图法则在静物摆放中的实际应用。重点在于如何引导观众的视线，避免画面呆板。 材质的表现力： 针对水果的湿润、布料的柔软、陶器的哑光等不同质感，提供专门的作画策略。强调通过细节处理和边缘处理来区分材质的差异。 整体性与和谐感： 训练读者在描绘单个物体时，依然保持对整个画面的观察，确保各物体之间的光影关系、空间关系和视觉重量是统一协调的。 2. 基础人像的骨骼与肌肉 头部比例的精确把握： 建立在标准三庭五眼基础上的精确测量方法。重点在于理解头骨结构对外部特征的决定性作用。 五官的解剖学透视： 深入解析眼睛、鼻子、嘴巴在不同角度下的透视变化和光影分布。例如，眼睛的球体结构、鼻子的多面体构成等。 人像的动态与神态捕捉： 不仅画“像”，更要捕捉“神”。通过对颈部和肩部肌肉群的初步了解，使肖像摆脱僵硬感，展现出自然的姿态和情绪。 --- 二、 色彩的交响：从感性认知到科学运用 本书的第二核心部分，旨在系统引导学习者理解色彩的本质属性、相互关系及其在艺术创作中的表现力。它建立在扎实的素描基础上，强调色彩是光线的另一种表现形式。 第一部分：色彩的基础科学与理论体系 本部分是构建色彩认知体系的理论框架。 1. 色彩的物理本质与三要素 色相（Hue）： 对色轮的深入解析，不仅仅是记住三原色，而是理解三间色、复色的构成逻辑。探讨冷暖色系对画面情绪的决定性影响。 明度（Value）： 再次强调明度在色彩中的首要地位，色彩的区分往往首先依赖于明度的差异。如何通过调整色彩的明度来模拟光照强度。 纯度/饱和度（Chroma）： 解释色彩的“灰度”概念。如何通过加入邻近色或对比色来精确控制一个色彩的纯净程度，从而表现距离感和环境影响。 2. 色彩的和谐与对比 色彩的相互关系： 详细阐述互补色、邻近色、类似色的应用规律。重点在于如何利用互补色来增强画面的视觉冲击力，以及如何用邻近色来营造宁静、和谐的氛围。 冷暖的辩证统一： 色彩的冷暖并非绝对，而是相对的。书中将通过大量的实例分析，教导读者如何在同一画面中平衡冷暖色调，以创造空间感和立体感。 色彩的视觉倾向： 分析不同色彩组合对人眼产生的视觉效果，例如如何利用高纯度色彩“前进”，低纯度色彩“后退”的原理来处理画面空间。 第二部分：色彩的实践运用——从调色到场景再现 本部分将理论与油画、水彩的实际操作紧密结合。 1. 科学的调色方法 颜料的特性认识： 了解不同媒介（如油画颜料的覆盖力、水彩的透明度）对色彩表现的影响。重点介绍常见颜料的色性（冷暖倾向、遮盖力）。 “固有色”的修正与环境色的融入： 摒弃“苹果就是红色”的刻板印象。教会读者如何根据光源的色温（如正午的黄光、阴天的蓝光）来修正物体的固有色，使之符合真实光照下的视觉效果。 灰色的调配艺术： 探讨如何通过不同色彩的精确混合来调出丰富且富有生命力的灰色调，这是避免画面“脏乱”和提升色彩高级感的关键。 2. 场景与氛围的色彩表达 风景写生中的色调控制： 专注于如何捕捉和统一大场景的整体色调（如清晨的冷色调、傍晚的暖色调），避免局部色彩的孤立存在。 肖像中的色彩层次： 在面部肤色处理上，强调对红、黄、蓝三基色在受光面和背光面的微妙变化，表现皮肤的血色感和厚度。 透明与覆盖的表现技巧： 针对水彩和油画不同的媒介特性，分别教授如何通过多层薄涂（罩染）来丰富色彩的深度，或通过厚涂、并置色块来创造强烈的色彩肌理。 本书内容环环相扣，从最基础的线条观察延伸至复杂的色彩空间构建，旨在为有志于长期从事视觉艺术创作的人士，打下坚实、科学且富有艺术感染力的基础。学习者通过严格的步骤训练，将能真正掌握“如何看”与“如何表达”这两大艺术核心能力。

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