新电脑学校 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:北京大学出版社

作者:委会

出品人:

页数:472

译者:

出版时间:2004-7

价格:39.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787301075739

丛书系列:

图书标签:

• 电脑基础
• 电脑教学
• 电脑技能
• 电脑入门
• 办公软件
• 电脑应用
• 信息技术
• 数码
• 学习
• 教程

《光影迷踪：二十世纪电影的视觉革新与叙事转向》 一部深入剖析二十世纪电影艺术语言演变、技术革新与主题深化的恢宏巨著。 本书并非一部讲述基础电脑操作或日常科技应用的指南，而是聚焦于电影艺术本身，对二十世纪，这个电影史上最为动荡、创新与成熟的百年进行一次彻底的、多维度的扫描与解析。我们试图揭示，在技术（如胶片、摄影机、剪辑理论）与社会思潮（如战争、殖民、现代主义思潮）的双重驱动下，电影这一媒介是如何从一种新奇的娱乐形式蜕变为与文学、戏剧并驾齐驱的“第七艺术”。 第一部分：默片时代的视觉奠基与形式探索（1900-1927） 本部分将追溯电影语言的原始冲动与早期规则的建立。我们首先考察梅里爱（Georges Méliès）的魔术性幻觉与卢米埃尔兄弟（Lumières Brothers）的纪实性瞬间之间的张力，这构成了电影叙事可能性的两极。 重点分析格里菲斯（D.W. Griffith）在《国家的诞生》等作品中对平行剪辑、特写镜头和景深运用的规范化，这些手法成为此后所有叙事电影的语法基础。然而，本书并未止步于对好莱坞黄金时代的简单赞美。我们深入探讨了欧洲的先锋运动，特别是德国表现主义（如《卡里加里博士的内阁》）如何利用布景的扭曲来表达人物的内在恐惧与社会失序；以及苏俄蒙太奇学派（爱森斯坦、普多夫金）对“非连续性剪辑”的哲学思辨，他们将剪辑视为一种辩证的、能够产生新意义的工具，而非仅仅是连接镜头的手段。这部分将详细展示，视觉符号如何在没有对白的情况下，承载起复杂的情感重量和意识形态批判。 第二部分：有声时代的挑战与类型片的定型（1927-1945） 有声电影的到来，是电影史上的一次断裂性革命。本书探讨了技术升级（录音设备）如何最初反而束缚了电影的运动性——固定机位、舞台化的对白。我们详细分析了那些成功驾驭声音的先驱者：他们如何将音乐、音效（Sound Effects）融入叙事，而非仅仅作为背景陪衬。 这一时期，好莱坞的“制片厂制度”达到了顶峰，本文将审视经典好莱坞叙事模式（Classical Hollywood Narrative）的成熟，以及由此催生的稳固类型片体系：西部片（对美国边疆神话的重塑）、黑色电影（Film Noir，对战后焦虑的潜意识投射）和歌舞片（对现实的逃避与对集体欢乐的渴望）。对黑色电影的分析将侧重于其独特的视觉风格——低调照明（Low-key Lighting）、强烈的明暗对比以及对“蛇蝎美人”（Femme Fatale）形象的心理投射。 第三部分：战后反思与艺术电影的崛起（1945-1970） 二战结束后，欧洲的知识分子对电影的“欺骗性”和“娱乐性”产生了深刻的质疑。本部分是本书的理论核心之一。我们将深入剖析意大利新写实主义（Neorealism）如何将镜头推向街头，使用非职业演员和自然光，以一种近乎残酷的诚实来记录战后欧洲的贫困与道德困境。 随后，我们转向法国新浪潮（Nouvelle Vague）的激进突破。特吕弗（Truffard）、戈达尔（Godard）等导演不再视导演为阐释者，而是将其视为电影的唯一作者（Auteur Theory）。他们运用跳接（Jump Cuts）、手持摄影、即兴表演和对传统叙事结构的公然破坏，试图展现“生活的真实质感”，而非“虚构的完美故事”。这不仅是美学上的探索，更是一种对僵化电影工业的反抗。同时，我们也考察了日本电影大师小津安二郎（Yasujirō Ozu）的“物哀”美学，其低机位（榻榻米视角）和对日常片段的重复性描绘，如何表达了时间流逝中人际关系的微妙变迁。 第四部分：新好莱坞、风格化与当代语境的交织（1970-2000） 七十年代，老一辈好莱坞体系崩溃，年轻一代受欧洲艺术电影熏陶的导演（如科波拉、斯皮尔伯格、斯科塞斯）掌控了权力。本书将分析“新好莱坞”如何将作者论的个人风格注入到商业类型片中，创作出既具深度又极其成功的作品（如《教父》、《出租车司机》）。这标志着艺术性与商业性的成功融合。 随着技术的飞速进步，后期制作和视觉特效（VFX）开始成为叙事的重要组成部分。本部分将探讨乔治·卢卡斯和史蒂文·斯皮尔伯格如何利用技术推动了新的奇观美学（Spectacle Aesthetics），以及如何利用高概念（High Concept）叙事来吸引全球观众。最后，我们审视九十年代的后现代主义回潮——昆汀·塔伦蒂诺对类型片的解构与重组，以及大卫·林奇对潜意识梦境的持续挖掘，展示了电影语言在世纪末的自我反思与无限延伸。 结论：超越镜头的凝视 全书的最终目标是提供一个清晰的脉络，说明二十世纪的电影是如何在不断的自我颠覆中，发展出理解人类经验的独特视角。它探讨了光影如何塑造认知，剪辑如何组织时间，以及声音如何构建空间。这不是一本关于如何操作设备或软件的教材，而是对一种成熟艺术形式的历史、哲学与美学深度的探究。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆