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出版者:民族出版社

作者:徐恩存主编

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2004-6

价格:39.00元

装帧:

isbn号码:9787105063819

丛书系列:

图书标签:

• 中国美术
• 美术史
• 艺术史
• 绘画
• 书法
• 工艺美术
• 2004年出版
• 艺术作品
• 文化艺术
• 中国艺术

中国历代书画名迹赏析 图书简介 本书汇集了自新石器时代陶器纹饰至近现代的中国书画精品，旨在为读者提供一个全面而深入的中国视觉艺术发展脉络。全书共分上下两册，内容详实，图版精美，力求在梳理历史脉络的同时，展现历代艺术家的创作精髓与时代精神。 第一卷：上古至宋元——笔墨的肇始与意境的探索 第一章：史前与先秦——艺术的萌芽与图腾的魅力 本章聚焦于中国艺术的源头。从仰韶文化、马家窑文化的彩陶图案中，我们可以窥见早期人类对自然和宇宙的朴素认知。这些几何纹饰、动物纹样，是日后抽象艺术的雏形。随后，进入商周时期的青铜器铭文和纹饰，探讨了“礼器”背后的社会结构与象征意义。青铜器上饕餮纹的神秘性、错综复杂的雷纹，不仅是高超的铸造技术体现，更是早期宗教观念和权力体系的物化表达。 春秋战国时期，礼崩乐坏，思想空前活跃，艺术审美也开始转向对个体精神和生活场景的关注。漆器、玉器的制作工艺达到了新的高峰，特别是楚文化中那充满奇诡想象力的神祇与动物形象，预示着后世浪漫主义艺术思潮的出现。 第二章：秦汉——线条的奠基与气韵的生成 秦汉时期是中国艺术体系确立的关键阶段。本章重点分析了秦代小篆的规范化对汉代隶书形成的影响。隶书“蚕头燕尾”的独特笔法，不仅是书写效率的提高，更确立了中国书法“笔法”的系统性基础。 绘画方面，汉代墓室壁画和画像石成为重要的研究对象。从徐州汉画像石的叙事性场景到马王堆帛画中精妙的“升仙图”，我们能清晰地看到早期中国人物画的造型特点——注重气势而非写实，以及宇宙观的初步构建。董越、蔡邕等人的艺术实践，标志着文人艺术的初步自觉。 第三章：魏晋南北朝——士人精神与艺术的独立 这一时期是中国艺术史上的“士人时代”。随着玄学的兴起和佛教的东传，艺术开始摆脱单纯的功用性，向着追求精神自由的方向发展。 书法： 王羲之被誉为“书圣”，本章将详细剖析其行书与楷书的革新之处。王羲之如何将魏晋风度融入笔端，使书法从工整的法度中解放出来，达到“尽善尽美”的境界。同时，我们也介绍其子王献之以及“二王”一脉的传承。 绘画： 顾恺之“传神写照”的理论，成为后世人物画的最高准则。曹不兴开创的南方画风，以及北朝石窟造像中犍陀罗艺术与本土审美的融合，展示了多重文化交汇的张力。 第四章：隋唐盛世——气象万千与格调的确立 唐代是中国封建社会的巅峰，其艺术风格也呈现出雄浑、博大、雍容的时代特征。 书法： 初唐的欧阳询、虞世南、褚遂良，奠定了楷书的“法度森严”；盛唐的颜真卿以浑厚雄健的书风，体现了盛世气象，其“颜体”成为后世楷书的典范。张旭、怀素的狂草，将书法的抒情性推向极致。 绘画： 吴道子“吴带当风”的画风，标志着人物画技法的高度成熟。阎立本擅长历史画和肖像画，其精准的笔墨奠定了唐代工笔画的基础。盛唐时期，山水画开始独立发展，李思训、李昭道父子的金碧山水，展现了富丽堂皇的皇家气派。 第五章：五代两宋——写实与写意的双峰对峙 宋代是中国古典艺术的黄金时代，美学趣味高度精致化，理学思想深刻影响了艺术创作。 山水画的巅峰： 荆浩、关仝的北方雄伟山水，与南唐董源、巨然开创的江南温润“披麻皴”风格，共同构成了宋初山水画的两大源流。北宋范宽的《溪山行旅图》体现了“可行、可望、可游、可居”的理想境界；郭熙的“三远法”，标志着空间处理的系统化。 文人画的兴起： 苏轼提出的“论画以形似，见与 শিল্পী之低”，将审美标准从技法转向“意趣”。米芾的“米家山水”，以墨色渲染取代传统皴法，成为水墨写意画的先声。 花鸟与人物： 两宋院体画将写实推向极致，如黄筌、赵佶（宋徽宗）的瘦金体与写实花鸟，体现了对自然形态的精确把握和对贵族审美的迎合。 第六章：元代——士人的归隐与水墨的解放 元代，汉族知识分子在异族统治下，将艺术视为寄托情怀和保持气节的最后阵地。“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，将山水画彻底推向了纯粹的精神领域。倪瓒的“折芦添竹”、萧疏的画面，是典型的文人“逸品”风格的体现。书法上，赵孟頫倡导“复古”并以晋唐为法，强调线条的“骨法用笔”。 第二卷：明清至近现代——世俗化、地域性与艺术的转型 第七章：明代——格体的演变与地域流派的纷呈 明代艺术呈现出多元化和世俗化的倾向。 早期： 继承元代衣钵的“江南四家”（沈周、文徵明、唐寅、仇英），以吴门画派为代表，将文人画的抒情性推向成熟，唐寅的潇洒和仇英的工丽形成鲜明对比。 中后期： 松江派董其昌倡导“南北宗论”，将中国山水画的历史划分为“有笔墨趣味的文人画”与“偏重物象的院体画”，这对后世审美产生了巨大影响。晚明时期，陈淳、徐渭的写意花鸟画，以奔放、奇肆的笔触，充满了强烈的个性表达。 明代书法： 延续了赵孟頫的晋唐风尚，但以祝允明、文徵明、董其昌等人的笔墨，使行草书更具抒情性和装饰性。 第八章：清代——学院派的回归与地方的觉醒 清代统治者对艺术的推崇，使得官方美术（如宫廷画家、四王集团）在技法上达到了传统中国画的巅峰，但创造性受到一定限制。 四王合流： 王时敏、王鉴、王翚、王原祁以“集古”为最高目标，将前代大师的笔墨元素进行整合，形成了规范化、程式化的画风。 地域与个性： 与四王相对的是以“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、石涛）为代表的个性化探索。他们的画作笔墨奇崛，意境苍茫，充满了对故国之思和个人精神的表达。石涛的“一画论”，强调主体性与创造性，对后世影响深远。 写实新风： 冷枚、郎世宁等西方传教士带来的透视法和光影技法，在宫廷画中形成了中西融合的独特风格。 第九章：近代转型——西风东渐与艺术的现代性探索（1840-1949） 晚清至民国是中国艺术经历巨大变革的时期。在西方现代性的冲击下，中国艺术界开始反思传统，寻求出路。 传统派的坚守与发展： 岭南画派（高剑父、陈树人）吸收日本画的色彩和香港的写实手法，力求“折衷中外，融汇古今”。吴昌硕以金石入画，其浑厚苍劲的笔墨成为晚清绘画的压轴之声。 学院派的建立： 蔡元培、林风眠等人推动了中国美术教育的现代化。林风 তুলেছে倡导的“中西调和”思想，主张在继承传统的基础上，吸收西方造型训练，促进了中国画向现代的转化。徐悲鸿以素描为基础，对人物画进行了结构上的改革，强调“素描为中西画之桥梁”。 第十章：艺术的传承与展望 本章总结了中国书画艺术中贯穿始终的几个核心命题：以线条为核心的造型体系、对“意境”的极致追求，以及文人艺术对个体精神的强调。通过梳理历代大师的贡献，展现了中国艺术在不同历史阶段所展现出的强大生命力和自我革新的能力，为当代艺术的创新提供了深厚的文化资源。 全书特色： 1. 图文并茂，精选高清图版： 每一重要作品均配有原色高清图，并附有详细的艺术史背景与鉴赏分析。 2. 理论与实践结合： 不仅介绍画家生平，更深入剖析其笔墨技法与美学思想，如皴法、点法、章法、用墨的流变。 3. 脉络清晰： 以时间为序，辅以地域和流派分析，使读者能清晰把握中国艺术史的复杂演进过程。 本书适合艺术史研究者、专业院校师生，以及所有热爱中国传统文化的读者作为系统学习和鉴赏的参考用书。

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这套书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，拿在手里就有一种对艺术的敬畏感。内页的纸张选择也十分考究，光泽度适中，使得那些精美的图版色彩还原度极高，即便是印刷品，也能感受到原作的笔触和光影变化。我尤其欣赏它在排版上的用心，文字与图像的留白处理得恰到好处，既保证了视觉上的呼吸感，又没有让重要的信息显得拥挤。比如在介绍某位近现代画家的生平时，那种将小传精炼地嵌入到作品分析框架中的手法，显得非常流畅自然，不会让读者感到被打断。再者，我注意到编者在选取代表性作品时，不仅仅局限于那些耳熟能详的“镇馆之宝”，而是穿插了一些研究价值极高但流传度相对不那么高的珍品。这种广博的视野，让初学者不至于陷入固定的审美框架，而是能接触到更丰富的艺术语言。对于一个致力于深入了解中国艺术脉络的爱好者来说，这种精心策划的“视觉之旅”，远比走马观花的图录要来得更有价值和回味。

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坦白说，我购买这套书是带着一些疑虑的，因为市面上“丛书”的概念往往意味着质量参差不齐，内容拼凑的风险很高。然而，这套书的整体质量之高，超出了我的预期。首先，它的学术注释和参考资料部分做得非常详尽和规范，这对于希望进一步深挖某个专题的读者提供了坚实的后盾。其次，从编纂的连贯性来看，即便是不同卷册可能由不同的专家撰写，文本的风格和术语标准也得到了高度统一，没有出现那种“各说各话”的混乱局面。这种高度的专业化把控，显示了背后组织者的强大执行力和对品质的执着。它给我的感觉是，这不是一套为了赶市场热度而仓促出版的读物，而是倾注了多年心血的、具有持久研究价值的艺术史纲。它更像是一套可以长期置于案头，时常翻阅的工具书和精神食粮的完美结合体。

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作为一名业余的艺术爱好者，我最大的困扰就是市面上很多艺术书籍要么过于浅显，流于普及读物，要么过于晦涩，充满了只有专业人士才能理解的术语。这套书恰好找到了一个绝佳的平衡点。它的叙事口吻非常“接地气”，即便是面对复杂的古代绘画理论，作者也能用生动形象的比喻将其阐释得深入浅出。我记得有一次我在研究明代文人画的“逸笔草草，不求形似”这一理念时，一度感到困惑，但书中通过对比几幅不同画家的作品，清晰地勾勒出“逸”与“散”之间的微妙界限，让我瞬间明白了那种追求精神自由的艺术追求。这种恰到好处的拿捏，体现了编纂者对不同层次读者的尊重。它既能满足资深藏家对细节的苛求，也能让像我这样的门外汉，在轻松愉快的阅读过程中，潜移默化地提升自己的艺术鉴赏力。

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我是在一个非常偶然的机会接触到这套书的，起初只是抱着随便翻阅的心态，但很快就被它那近乎学术论文的严谨性所吸引。它的文字部分，绝非简单的艺术史白话叙述，而是充满了扎实的史料考证和独到的见解。编纂者似乎花费了大量精力去梳理那些复杂的艺术流派之间的相互影响与分野，尤其是在处理跨地域、跨时代的作品对比时，逻辑链条清晰得令人拍案叫绝。我记得有一篇专门分析宋代山水画中“米点皴”演变的文章，它没有停留在技法的表面描述，而是深入挖掘了这种笔墨语言背后所反映的时代心境和哲学思辨。这种深度的剖析，对于那些希望从“看热闹”提升到“看门道”的读者而言，无疑是一座宝库。每次读完一个小章节，都感觉自己的知识体系被重新梳理了一遍，像是得到了一位循循善诱的良师，指点迷津，豁然开朗。

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这套书在宏观的历史脉络梳理上做得极其出色，它没有将中国艺术史切割成孤立的片段，而是努力展现出一种连续不断的文化生命力。从早期的岩画想象，到唐宋的恢弘气象，再到元明清的文人趣味与世俗繁荣，作者像一位经验丰富的导游，带领读者穿越时空，感受不同历史时期美学精神的迭代与传承。尤其让我印象深刻的是，它在介绍某一阶段的艺术高峰时，总能巧妙地将其置于当时社会结构、政治气候和思想潮流的大背景下去考察。比如对元代绘画“士人艺术”的强调，就不仅仅是画笔的转向，更是知识分子精神寄托的投射。这种立体化的解读方式，使得艺术不再是冰冷的图像，而是有血有肉的时代精神载体，读起来酣畅淋漓，代入感极强。

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