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页数:331

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出版时间:2004-8

价格:35.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787121000485

丛书系列:

图书标签:

• 3DS MAX
• 3D建模
• 室内设计
• 动画制作
• 渲染
• 材质
• 建模技巧
• 设计教程
• MAX6
• 电脑绘图

《数字雕塑与角色动画的未来图景：一个前沿探索》 本书导读：超越软件版本的界限，聚焦数字艺术的核心驱动力与未来趋势 本书并非传统意义上的软件操作手册，亦不局限于任何特定版本的工具箱。它是一次对当代数字艺术生态、特别是三维建模、雕刻、纹理绘制以及角色动画领域发展方向的深度剖析与前瞻性思考。我们旨在探讨驱动艺术家创作流程革新的核心理念、新兴技术范式以及面向未来的专业技能储备。 第一部分：数字造型的本体论：从多边形到体素的思维跃迁 本部分着重于深入理解三维资产构建的底层逻辑与哲学思考，而非简单的界面功能介绍。 1. 拓扑学的回归与高精度雕刻的平衡艺术： 我们将详细考察次世代工作流程中，高模雕刻（High-Poly Sculpting）与低模优化（Low-Poly Retopology）之间的动态平衡。内容涵盖如何基于艺术需求，而非软件限制，来决定网格的密度与分布策略。讨论将深入到非流线型拓扑结构在特定艺术表现中的优势与局限，例如在程序化生成艺术中的应用，以及如何有效管理数千万级多边形的工作负载。 2. 体素化工作流与隐式曲面表达： 区别于传统的边、面、点编辑模式，本章将重点探讨体素（Voxels）技术在有机建模和复杂形体塑造中的革命性作用。分析诸如DynaMesh、LiveClay等技术背后的数学原理及其对艺术家直觉的解放。讨论将延伸至基于神经辐射场（NeRF）的未来场景重建技术，以及它们如何挑战现有的基于多边形的渲染范式。 3. 纹理与材质的叙事维度：PBR与程序化纹理的深度融合： 本章超越了基础的PBR（基于物理渲染）参数设置。我们将探讨如何运用程序化工具（如Substance Designer、Houdini的VEX/VOPs）来构建具有“生命力”的、随时间变化的材质系统。内容包括如何设计能自我演化或响应环境参数的复杂着色器网络，以及如何利用光场数据和扫描纹理来提升真实感的边界。 第二部分：角色动画的动态机制与表演的非线性表达 本部分聚焦于让数字角色“活起来”的复杂艺术与工程学交集。 1. 骨骼、肌肉与形变驱动的精细控制： 深入分析现代绑定（Rigging）技术，特别是如何设计能够模拟真实生物力学而非仅仅是关节旋转的复杂驱动系统。讨论将包括肌肉系统的解算（Muscle Solvers）、基于晶格（Lattice）的形变辅助，以及如何利用混合形变（Blend Shapes/Morph Targets）与骨骼绑定进行协同控制，以实现面部表演的细微差别。 2. 动作捕捉（Mocap）数据的清洗与艺术化重塑： 本章不再停留在Mocap数据的导入层面，而是探讨如何成为一个“动作炼金术士”。内容涉及清理穿插（Self-Collision）、漂移（Drift）等数据噪声，以及如何通过关键帧动画（Keyframe Animation）对Mocap数据进行“表演注入”。重点分析如何用动画原理（如时序、加速与减速）来修复或增强由设备局限导致的“机械感”动作。 3. 交互式叙事与实时动画引擎的整合： 探讨游戏引擎（如Unreal Engine/Unity）作为动画工具的潜力。分析如何构建驱动角色状态的蓝图系统（Blueprints）或等效逻辑，以实现角色在不同环境输入下的即时反应动画，这要求动画师具备对数据流和状态机的理解。 第三部分：工作流的革新：自动化、管线与跨平台协作 本部分着眼于如何构建高效、可扩展的专业数字内容制作（DCC）管线。 1. 资产管理与版本控制在三维领域的应用： 强调像Git或Perforce这样的版本控制系统如何应用于场景文件、纹理集和二进制资产。讨论如何制定清晰的“打标签”（Tagging）和“分支”（Branching）策略，以应对多人协作中不断变化的数GB级别的数据流。 2. 程序化生成在环境与细节填充中的应用： 探讨如何利用节点式工作流（Node-Based Workflow）来生成大量的、具有内在一致性的环境资产（如植被、岩石、城市布局）。分析如何创建“种子文件”和迭代规则，使艺术家能够快速预览和调整大规模场景的整体氛围，而非手动放置每一个元素。 3. 渲染范式的演进与生产效率的优化： 比较基于光线追踪（Ray Tracing）与传统栅格化（Rasterization）的渲染优势。重点在于如何根据项目需求（电影预渲染 vs. 实时交互）来选择最优的渲染器和降噪（Denoising）策略，以在保证最终画面质量的同时，有效缩短最终输出时间。 结语：数字艺术家的持续进化 本书的最终目标是培养一种“平台无关性”的思维模式。真正的专业技能并非固守于某个菜单栏的位置，而是对三维世界本质规律的深刻理解——光影、形体、运动与时间。未来的数字艺术家必须是跨学科的思考者，能够驾驭几何、物理、算法与叙事之间的复杂关系。本书提供的是一张通往理解这些核心驱动力的思维地图。

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这本书在案例选择的实用性和前瞻性上做得非常到位，明显是紧跟行业发展趋势的。它并没有过多纠结于已经被淘汰的旧技术或者过时的渲染器设置，而是重点突出了那些在当前主流设计领域（如建筑可视化、产品渲染）中应用最广泛、效果最惊艳的技术组合。我特别关注了其中关于“PBR材质流程”的章节，讲解得非常详尽，涵盖了从贴图的创建、参数的调整到最终在不同渲染引擎下的兼容性表现。这对于我正在接触的实时渲染和游戏资产制作领域来说，简直是及时雨。更值得称道的是，书中展示的很多场景，其复杂度和精致度，已经达到了专业设计公司的水准，这无疑为读者树立了一个清晰可见的努力目标。通过对这些高标准案例的学习，我感觉自己对“什么是好的设计”也有了一个更具象的理解，它不仅仅是功能上的实现，更是视觉冲击力和信息传达力的完美统一。

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坦白说，我购买这本书的初衷是想快速掌握一些高级的建模技巧，毕竟市面上很多入门书籍已经无法满足我当前的需求了。这本书在深度挖掘软件功能方面，确实展现出了极高的专业水准。它并没有停留在基础的“拉伸挤出”层面，而是深入探讨了例如“多边形细分曲面”在高端产品设计中的应用逻辑，以及如何有效地管理和优化高模的拓扑结构，这对于追求模型干净利落的专业人士来说，是至关重要的。书中对“层次化建模”的阐述尤其精辟，它不再是单纯地介绍工具按钮，而是上升到了方法论的层面，教会读者如何建立一个可扩展、易于修改的复杂场景结构。我尝试运用其中关于“非破坏性工作流程”的理念去重构我之前一个失败的项目，结果令人惊喜，修改效率提升了至少三成。这种将工具使用与项目管理思维相结合的教学方式，非常对我的胃口，它让我感觉自己购买的不是一本软件操作手册，而是一份资深设计师的工作心法。

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作为一本工具书，这本书在错误排查和疑难解答方面的构建，体现了极高的用户关怀度。通常情况下，技术书籍在读者遇到实际操作中的“卡点”时，往往束手无策。但这本书的末尾附带的“常见问题与解决方案”部分，简直是救星。它预判了读者在学习过程中最容易在哪里“掉链子”，比如导入导出文件时的比例失真问题、材质在不同显示器上的色差问题，乃至渲染时常见的噪点控制技巧，都给出了简洁明了的对策。这种前瞻性的指导，极大地减少了我在独立摸索中浪费的时间。而且，书中的语言风格非常亲切自然，作者仿佛就在你身边，耐心地解答你的疑惑，而不是高高在上地发布指令。这种交流感，让我在面对一些棘手的技术难题时，也保持了积极的学习心态，充分体现了“零距离”这个书名所蕴含的温度。

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我对这本书的叙事节奏控制非常满意，它完美地平衡了理论深度与实战应用的广度。很多技术书籍，要么过于偏重理论公式的推导，让人读得昏昏欲睡；要么就是一味地堆砌案例，但案例背后的原理却含糊其辞。这本书却巧妙地避开了这两个极端。在讲解“光照与渲染”部分时，作者没有简单地罗列灯光类型，而是先从摄影学的角度，解释了自然光和人工光的物理特性，构建起一个坚实的理论基础，然后再引出3ds Max中对应工具的实际操作。这种“先知其然，后知其所以然”的讲解顺序，极大地巩固了我的理解。例如，书中对“全局照明”算法的解释，虽然采用了精炼的文字，但配合恰当的示意图，使得原本抽象的全局光计算过程变得可以触摸、可以感知。这种由宏观到微观，再回归宏观的讲解脉络，让我的知识体系构建得非常扎实，不会因为某个小技巧的掌握而忽略了整体的艺术效果。

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这本书的排版和设计感实在让人眼前一亮，翻开它就像是走进了一个精心布置的3D视觉艺术展厅。封面那种沉稳又不失活力的色彩搭配，预示着内页绝不会是那种枯燥乏味的纯文字堆砌。我尤其欣赏作者在案例演示时的布局方式，不同于市面上那些把复杂步骤塞满一页的“填鸭式”教学，这里的每一步骤都被拆分得恰到好处，配图的质量极高，每一个模型的细节、灯光设置的参数，都清晰可见，简直是手把手教学的典范。特别是对于初学者而言，那些复杂的几何体操作和材质赋予过程，通过这种图文并茂的呈现方式，立刻变得直观易懂，不再是晦涩难懂的术语堆砌。我花了整整一下午时间，仅仅是研究书中关于“环境光遮蔽”的章节，那几个渲染效果对比图，简直是教科书级别的展示，让我对场景的真实感有了全新的认识。这本书的作者显然对用户体验有着深刻的理解，流畅的阅读体验，让枯燥的学习过程变成了一种享受，甚至我愿意把它放在茶几上，时不时翻阅几页，光是欣赏那些精美的渲染图，都能激发我的创作灵感。

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