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出版者:荣宝斋出版社

作者:卢德龙

出品人:

页数:28

译者:

出版时间:2004-3

价格:28.0

装帧:平装

isbn号码:9787500307099

丛书系列:

图书标签:

• 书法
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翰墨流芳：中国古代书画鉴赏与收藏指南 前言 中华文明绵延数千年，其中书画艺术无疑是其璀璨的瑰宝之一。它不仅是审美情趣的载体，更是历史风云、文人精神与时代思潮的深刻烙印。本书旨在为广大书画爱好者、初涉鉴赏领域的藏家，以及对中国传统艺术抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统、深入且实用的鉴赏与收藏指南。我们摒弃晦涩的术语堆砌，力求以清晰的脉络、丰富的实例，带领读者走进中国书画的浩瀚世界。 第一章：溯源——中国书画的千年流变 本章将系统梳理中国书画自萌芽至成熟的漫长历程。从新石器时代的陶器刻符，到殷商青铜器上的铭文，再到春秋战国时期帛画与简牍的初步发展，勾勒出艺术形态的雏形。 秦汉的“一统”与实用性转型： 重点探讨秦朝小篆的规范化对书法的影响，以及汉代隶书的成熟与碑刻的兴盛。在绘画方面，则聚焦于马王堆汉墓出土的帛画，解析其神话色彩与早期设色技法。 魏晋风骨与士人精神的觉醒： 这是一个书画艺术发生质变的时代。王羲之的“书圣”地位的确立，标志着书法从实用性走向纯粹的艺术性。顾恺之的“传神论”成为绘画理论的基石，奠定了中国人物画的精神内核。本节将详述“魏晋风度”如何渗透于笔墨之间。 唐代的恢弘与多元化： 唐代国力强盛，艺术风格也呈现出博大精深的面貌。楷书的“法度森严”（欧阳询、颜真卿、柳公权），行草的奔放洒脱（张旭、怀素），以及吴道子的“吴带当风”所代表的盛唐气象，都将被细致剖析。绘画上，青绿山水与人物画达到了前所未有的高峰。 宋代的理性与文人画的兴起： 宋代美学追求“格物致知”的内敛与精致。院体画的成熟（如宋徽宗的瘦金体与写生画），标志着技法的巅峰。与此同时，苏轼、米芾等人提倡的书画合一、抒发胸臆的“文人画”思潮，为后世的艺术发展指明了方向。 元明清的承继与革新： 元代四家（黄公望、倪瓒等）将元气淋漓的笔墨趣味推向极致。明代“吴门画派”与“浙派”的风格分野，反映了地域文化的差异。清代则在继承传统的基础上，出现了董其昌的“南北宗论”对后世产生的巨大影响，以及“四王”的集大成与“扬州八怪”的异军突起。 第二章：形神兼备——中国画的技法解析 本章深入探讨中国画的核心技术体系，强调“以线造型”的独特之处。 笔法的奥秘： 详解“十八描”等传统人物画用笔技法，区分中锋、侧锋、偏锋在不同物象中的应用。 墨法的变化： 探讨“墨分五色”的内涵，从焦、浓、重、淡、清的层次变化，讲解破墨法、积墨法在山水画中的具体实践。 设色与晕染： 区别“青绿山水”的矿物颜料运用，与“水墨淡彩”中赭石、花青的微妙调和。讨论中国画中留白（计白当黑）的审美价值。 文人画的笔墨语言： 重点剖析“皴法”的种类（披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等），阐释皴法如何体现山石的肌理和艺术家的性情。 款识与印章的艺术： 讲解古代书画中的题跋文化，分析书法与画面的呼应关系，以及印章在增强画面平衡感和完成艺术流程中的作用。 第三章：法度森严——中国书法的审美结构 书法作为“无声之音”，其美学价值建立在对笔画结构、章法布局的严格把控之上。 汉字的演变与字体结构： 从甲骨文、金文的古朴，到篆书的对称美，隶书的蚕头燕尾，系统分析不同字体在结构上的美学要求。 楷书的结体之道： 以颜体、欧体的经典范式为例，探讨点画的轻重缓急、横平竖直的内在平衡，以及如何处理偏旁部首间的疏密关系。 行草的“意”与“韵”： 阐释行书的“行云流水”与草书的“连绵不绝”。分析“间架结构”在连带关系中如何保持清晰可辨，并引导读者理解“飞白”和“涨墨”等特殊笔法的意境。 章法的布局艺术： 探讨长卷、条屏、册页三种常见书写形式下的章法差异，以及如何通过行距、字距、边距的调整来控制作品的气势与节奏感。 第四章：入市与养眼——书画收藏的实用策略 鉴赏的目的是收藏，收藏的基石在于知识与审慎。本章提供一套务实的收藏入门指南。 真伪辨识的核心要素： 强调“看时代，辨风格”。分析古代书画仿品（伪作）的常见破绽，尤其关注纸张、墨色、款识的时代特征差异。例如，明代中晚期以后制纸工艺的变化对作品保存的影响。 明清书画的“版本”与“流传有序”： 探讨书画作品在历代流传中的“题跋”价值，明确“递藏有序”对作品价值的提升作用。分析“重要收藏家印鉴”对作品 provenance（出处）的确认意义。 保养与装裱的学问： 详细介绍宣纸、绢本等不同材质对装裱工艺的要求，包括托裱、镶边、绫绢的选择。强调控制湿度与光照对书画生命力的重要性。 市场动态的理性分析： 引导读者区分艺术价值、历史价值与市场热度。建议初学者应从“可信来源”和“明确的艺术脉络”入手，而非盲目追逐天价拍品。 结语 中国书画艺术是中华民族精神气质的具象表达。欣赏它们，不仅是审美的愉悦，更是一场穿越时空的对话。愿本书能成为您步入这一宏大艺术殿堂的可靠阶梯，让您在品鉴墨痕与线条的同时，领悟其背后深厚的文化意蕴与人文情怀。

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这本画册的装帧设计简直是艺术品本身，从封面那种略带肌理感的纸张选择，到内页的留白处理，无不体现出对传统美学的深刻理解。我尤其欣赏它在排版上的匠心独运，每一页的布局都像是经过了精心计算的，字与字、行与行之间那种微妙的呼吸感，让人在翻阅时都能感受到一种宁静致远的气韵。特别是那些大幅作品的呈现方式，装裱的边框设计得恰到好处，既衬托了书法本身的磅礴气势，又没有丝毫的喧宾夺主。装订工艺也极其考究，即便是翻阅到较厚的跨页，也依然平整服帖，完全没有松散的感觉。对于一个注重阅读体验的收藏者来说，这种对手工质感的执着追求，是比内容本身更能打动人心的。看得出来，出版方在印制环节投入了巨大的心力，色彩的还原度非常高，墨色的浓淡干湿变化，仿佛能从纸面上渗透出来，让人有种置身于墨香四溢的书房之感。这种对细节的极致把控，使得每一次捧读都像是一次郑重的仪式，而不是简单的信息接收。

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这本书的选材角度非常新颖，它并没有仅仅停留在展示作品的“形”，而是深入挖掘了艺术家创作背后的精神脉络和时代背景。我发现作者（或编者）在导读部分，用非常现代且富有洞察力的语言，剖析了中国书法在当代语境下的传承与创新，这一点对我这个业余爱好者来说，提供了极佳的切入点。它不像那些枯燥的理论书籍，而是将艺术史的纵深感融入到对具体作品的解读之中。比如，有一幅作品，通过对其笔法中“侧锋”的运用分析，巧妙地联系到了魏晋风度对后世文人精神的影响，这种跨越时空的对话感非常震撼。书中收录的几篇评论家的深度文章，观点独到，论证有力，为理解这些作品的艺术价值提供了多维度的视角。读完之后，我感觉自己对“笔墨精神”的理解又上了一个台阶，不再是走马观花地欣赏线条的粗细，而是开始品味其中蕴含的哲学思辨和人文情怀。

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这本书的整体编辑脉络安排得极具匠心，它不仅仅是简单的年代排序或风格分类，更像是在构建一条清晰的艺术心路历程。从早期的楷书的严谨端正，到中期行草的自由奔放，再到晚期那种返璞归真的苍茫感，读者可以清晰地追踪到艺术家在不同人生阶段对“道”与“法”的理解是如何演变的。特别是其中收录的几篇关于创作手稿和修改草稿的展示，这对于任何一位想要深入学习书法的人来说，都是无价之宝。通过对比定稿和草稿，我们能清晰地看到创作者在构思布局、提按顿挫上的斟酌与取舍，这种“幕后花絮”的呈现，极大地拉近了读者与大师之间的距离。它不再是一本高高在上的艺术理论书，而更像是一位导师在耐心地为你拆解创作的奥秘，启发我们思考，真正的艺术创造力是如何在无数次的选择与放弃中诞生的。

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这本书的装帧设计确实是为那些对视觉美学有着高要求的读者量身定制的。我注意到，即便是最简单的作品展示页，其边框和留白的比例也遵循了黄金分割的原则，使得每一个单独的作品都像是一幅独立的小品被精心陈列。更值得称赞的是，它没有采用那种过于光亮的铜版纸，而是选用了偏哑光的纸张，这种处理极大地降低了反光，保证了在不同光照条件下，墨色的层次感都能得到真实、饱满的还原。对于书法这种对光影极其敏感的艺术形式来说，这是一个非常关键的选择。此外，一些特定风格的作品，比如那些追求“飞白”效果的激昂之作，在放大展示时，纸张的纤维纹理与飞白处墨迹的干枯感完美融合，让人几乎能“听”到笔锋划过纸面的声音，这种沉浸式的体验，是其他印刷品难以比拟的。

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我购买过不少国内顶尖书画家的作品集，但很少有能像这本一样，在“文”与“图”的平衡上做到如此恰到好处。很多画册要么是图太多，文字导读少得可怜，要么就是文字堆砌，影响了对视觉艺术的直观感受。而这本在这一点上处理得非常老道。图版清晰度固然重要，但更难得的是，它对作品的题跋、印章乃至作者的批注，都给予了足够的重视和精细的放大展示。有些作品上的题跋内容，其书法水平和思想深度，丝毫不亚于主体作品，但往往在其他出版物中被一笔带过。这本书却将这些“副文本”提升到了应有的地位，让读者能够完整地捕捉到艺术家创作时的心境变化和交流互动。这种细致入微的呈现，极大地丰富了作品的叙事层次，让观者能更全面地构建起创作者的艺术世界。

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