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出版者:湖南美术出版社

作者:曾宪荣

出品人:

页数:112 页

译者:

出版时间:2004-8

价格:45.0

装帧:平装

isbn号码:9787535620378

丛书系列:

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探寻光影的诗篇：经典油画肖像的奥秘与实践 本书旨在深入剖析西方古典油画肖像的创作精髓与实践技法，为致力于提升人物造型能力与光影表现力的艺术学习者提供一份详尽、可操作的指南。我们聚焦于如何捕捉人物的神韵、理解复杂的面部结构，并通过油画媒介的独特质感，塑造出具有永恒魅力的肖像作品。 --- 第一部分：肖像的哲学与历史回响 1. 肖像艺术的本质与功能 本章首先探讨肖像画在人类文明史中的地位与演变。它不仅仅是对一个外貌的记录，更是对特定时代精神、个体性格乃至画家内心世界的深刻剖析。我们将追溯肖像画从宗教象征性描绘到人文主义个体赞颂的发展轨迹，理解不同历史时期肖像所承载的文化重量。 2. 历代大师的肖像语言 我们将精选伦勃朗、提香、维拉斯克斯、弗朗西斯科·戈雅等几位对肖像艺术产生深远影响的大师。重点分析他们的用光方式（如伦勃朗光、三角光）、色彩运用、笔触处理以及如何通过背景的虚实处理来突出主体。例如，深入研究提香在肌肤处理上的“空气感”与层次构建，以及维拉斯克斯在表现贵族服饰光泽和材质上的精湛技艺。 3. 心理深度与叙事性 一个成功的肖像，其核心在于“眼神”与“姿态”所传达出的内在世界。本部分将指导读者如何观察人物的微表情，理解不同姿态（如侧脸、四分之三侧面、正面对视）在叙事性上带来的差异，并学习如何通过环境暗示或道具设置，为肖像增添故事性。 --- 第二部分：解构人体：严谨的造型基础 4. 头颅骨骼与肌肉的精准定位 油画肖像的根基在于扎实的解剖学知识。本章将详细拆解头骨的结构，包括颧骨、下颌骨、眼眶等关键支撑点。随后，聚焦于面部主要肌肉群（如眼轮匝肌、口轮匝肌、额肌）在不同表情下的动态变化。我们将提供清晰的结构图解，并辅以写生练习，确保学习者能够准确把握头部的三维空间形态。 5. 黄金比例与动态平衡 探讨古典美学中对面部比例的考量，包括“三庭五眼”的古典法则，以及如何在写实的基础上进行适度的艺术提炼与夸张。此外，我们将讨论头部在颈部和肩部结构上的稳定性和动态连接，避免“漂浮”或“僵硬”的头部效果。 6. 捕捉瞬间的动态速写 在正式上油画之前，快速捕捉人物神态至关重要。本章着重训练用炭条或稀释的油画颜料进行快速动态写生，强调“抓神”而非“雕琢细节”，为后续的精细描绘打下动态基础。 --- 第三部分：油画的魔力：材料、媒介与光影的转化 7. 油画材料的特性与选择 详细介绍不同品牌的油画颜料的着色力、透明度及干性。探讨各类媒介剂（如松节油、达玛光油、亚麻籽油）对油画流动性、光泽度和干燥速度的影响，指导读者根据个人绘画习惯调配合适的“稀释剂”。 8. 经典底层的准备与应用 底层的质量直接决定了油画最终的质感和色彩纯度。本章将教授如何制作传统的多层底层（如石膏层、油层），以及现代常用树脂胶底料的快速制备方法。重点演示如何通过控制底层的厚度和粗糙度，来实现对画面光线反射的不同效果。 9. 色彩科学：从色彩理论到肤色的调配 本章深入研究色彩的温度与饱和度在肖像中的应用。详细拆解“固有色”、“受光色”、“灰面色”、“反光色”与“投影色”的相互关系。特别设立一节，专注于肤色调配的复杂性，演示如何根据不同年龄、种族和光照条件，精确调配出既生动又不失灰调的中间色。 10. 光影的雕塑：塑造体积感的核心技法 这是肖像技法的核心。我们将系统讲解“明暗五调子”在三维形体塑造中的应用。指导读者如何通过笔触的控制（薄涂、厚涂、刮擦），精准描绘出高光（Highlight）、亮部（Light）、灰面（Halftone）、反光（Reflected Light）和暗部（Shadow）的过渡，实现皮肤表面的光滑感和内在的体积感。 --- 第四部分：技法实践：从起稿到完稿的完整流程 11. 严谨的起稿与定位 介绍从测量法到目测法在肖像起稿中的应用。重点讲解如何使用稀释的赭石或熟褐色颜料，在画布上干净利落地确定人物的五官位置、头部倾斜角度以及主要明暗交界线，确保整体结构准确无误。 12. 多层绘制法（Fat Over Lean）的精细化运用 系统阐述古典油画的“瘦层在上，肥层在下”原则。分为铺大色层、塑造结构层、细化光影层和罩染（Glazing）层四个阶段，详细指导每一步颜料的厚度、媒介的使用和干燥时间的控制，以构建出富有深度的层次感。 13. 细节的提炼与处理 眼睛的描绘： 讲解如何处理眼球的高光、虹膜的层次，以及眼睑与眼球的衔接，使眼神“有神”。 嘴唇的质感： 区分湿润与干燥唇部的色彩变化，处理唇部的体积起伏。 头发的绘制： 不把它看作单一的色块，而是光线与发丝束的集合体，运用排线和光影对比来表现发丝的走向和质感。 14. 现场“湿碰湿”（Alla Prima）的挑战 针对追求快速捕捉瞬间效果的学习者，本章介绍湿碰湿技法在肖像中的应用。强调在颜料未干时如何巧妙地融合色彩，利用笔触的肌理感直接形成视觉效果，适合表现松弛、富有生命力的形象。 --- 第五部分：后期处理与修复基础 15. 调整、统一与最终的“韵味” 讲解如何使用罩染（Glazing）和薄涂（Scumbling）技术对已经干燥的画面进行色彩校正，统一画面的冷暖倾向，增加画面的整体和谐感。 16. 画作的保护与装裱 涵盖油画颜料完全干燥后的凡尼斯（Varnish）使用指南，包括临时保护和永久性保护，以及基本的画框选择与装裱常识，确保作品能够经受时间的考验。 本书是艺术工作者对古典肖像技艺的一次系统性回归与现代化解读，它提供的是一套严谨的、可复制的工艺流程，目标是让学习者超越简单的“描摹”，达到对光影、结构与人类精神的深刻驾驭。

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这本书的装帧设计真是深得我心，那种带着微微粗糙质感的纸张，拿在手里有一种沉甸甸的踏实感，让人忍不住想立刻打开它去探索里面的世界。封面那种留白的艺术处理，虽然没有直接展示任何具体的风景，却营造出一种非常宁静致远的氛围，仿佛预示着一场心灵与自然的对话即将展开。我特别欣赏作者在排版上的用心，文字和留白之间的呼吸感把握得恰到好处，即便是色彩理论这样相对枯燥的部分，也被划分得井井有条，而不是堆砌在一起让人望而生畏。特别是那些技术要点的图示，不仅仅是简单的步骤分解，更像是精美的版画，每一个小小的箭头、每一个阴影的标注，都透露出作者对细节的极致追求。读完前几页，我感觉自己已经不仅仅是在学习绘画技巧，更像是在进行一次艺术史的漫游，那种对材料特性的敬畏感油然而生。这种对“物”的尊重，使得整本书的阅读体验提升到了一个更高的层次，它不仅仅是一本工具书，更像是一件值得珍藏的艺术品。

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我是一个偏爱表现主义风格的画者，对那种严谨的写实步骤常常感到有些拘束。所以，当我看到这本书居然有一个章节专门探讨“情绪化用笔与笔触的张力”时，简直惊喜万分。它没有强迫我模仿任何既定的笔法，而是鼓励我去“倾听”画笔在纸上摩擦的声音，去体会湿润画笔在干燥纸面上留下的阻力。作者提供的示范图例，虽然看起来随性洒脱，却处处暗藏着对形体的控制，那是一种游刃有余的自由。这种探讨艺术心理层面和物理动作之间关系的章节，极大地解放了我的创作思维。它让我意识到，技法是为人服务的，而不是束缚人的枷锁，学会如何打破规则，远比学会遵循规则更有价值。

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这本书的内容组织逻辑性极强，但更让我惊艳的是它对于“材料特性”的探讨深度。很多教程只是简单地告诉你“用哪种颜料”，这本书却花了大篇幅去解析不同品牌、不同批次颜料的透明度、颗粒感以及它们在不同湿度下对水墨扩散的影响。我过去总是抱怨为什么我调出的蓝色总是“死气沉沉”，现在我明白了，那可能不是我技法的问题，而是我没有理解手中这种铬蓝颜料的“脾气”。作者甚至贴心地标注了某些矿物色粉的化学稳定性，提醒读者在特定环境下要如何储存和使用，这简直是为真正想长期投入绘画的爱好者量身定做的深度指南。这种近乎于“材料学导论”的细致入微，让整本书的含金量瞬间提升了好几个档次，不再是那种浮于表面的速成手册。

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说实话，我对绘画理论的学习一直有点头疼，总觉得那些关于光影、构图的术语太抽象，读起来非常晦涩难懂。然而，这本书在讲解“如何观察光”的那一章节，彻底颠覆了我的认知。作者没有直接扔给我一堆复杂的几何学名词，而是用极其生活化的例子，比如清晨穿过树叶的斑驳光点，或是傍晚水面倒映的橘红色余晖，来引导你去捕捉光线的“情绪”。那种描述方式，简直就像是在读散文，充满了画面感和诗意。我试着跟着书中的引导，走到窗边观察，竟然真的捕捉到了之前从未注意到的微妙色彩变化。这种将深奥的科学原理，巧妙地包裹在感性叙述外衣下的手法，非常高明。它让我明白了，学习技法不是为了成为一个机器，而是为了更深层次地去感受和表达这个世界的美好与瞬间的永恒。

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这本书给我最直观的感受是，它成功地架起了一座连接“初学者”与“专业老手”之间的桥梁。对于完全的新手来说，它提供了清晰的入门路径，让你知道该从哪里开始，避免了“不知从何下手”的迷茫。但对于已经有一定基础的人来说，书中对“水性媒介的非线性控制”的深入剖析，则提供了大量可以进一步打磨和提升的空间。特别是最后几章关于“作品的最终处理与保护”的建议，内容非常专业且实用，涵盖了装裱的防潮、UV防护措施，甚至提到了不同纸基在长时间光照下的氧化风险。这种对作品生命周期的全面关注，体现了作者深厚的从业经验和对艺术品保护的责任感，让这本书的价值远超出了“绘画技法”的范畴，更像是一份全面的艺术实践手册。

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