杜滋龄画人物

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页数:16
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出版时间:2004-6
价格:8.50元
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isbn号码:9787102030258
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
  • 人物画
  • 中国画
  • 杜滋龄
  • 艺术
  • 绘画技法
  • 传统绘画
  • 艺术史
  • 绘画作品
  • 肖像画
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具体描述

《杜滋龄画人物(当代芥子园)》内容为:1 水墨人物画在笔墨处理中,以求浓、淡、重、轻、松诸艺术效果,这在墨分五色中,也是比较难处理的技法,整幅画面求疏淡,不火气,运笔和用墨时,以轻松的心态来画,这是熟中见熟的一种境界,淡中见灵秀,虚中见实境,是最高的运用笔墨的典范。而另一面:画面浓、重、紧的效果,是要求其画面厚重和朴雅之气息,但一定要杜绝死、刻板的现象。

2 中国人物画之线描为十八描法,是古人根据当时的物象观察而总结的各种描法。通过线条的力度、节奏、韵味和气势等美感去表现对象,以传递画家们捕捉进、神的艺术技巧。在现代,画家在人物画创作中必然要碰到很多新的物象,是古代所没有的,用线去表现时,不可生搬硬 套。处理人物形象时不能千人一面,要有人物的个性,而线描也不能千物留一线,李可染先生谈线的表现力时说:线的最基本原则是画得慢留得住,每一笔要送到底,切忌飘,要控制得住。古人说:积点成线、屋漏痕,都是这个意思……条示每一笔都要代表更多的东西,就必须善于控制住线。同时,还要注意每一笔和整体发生联系。

3 墨法是水墨画中另一重要技法。画面墨色的层次在丰富,就得积墨法与破墨法同时并用。墨法也要见笔,不能随意泼写,可染先生画雨景用淡墨处理画面仍然见笔。他解释笔墨是难以分开的。用墨好,多由于用笔,不可能有不善用笔者而墨用得好的画家。经积墨法的笔墨求得画面整体感觉。人物画要吸收山水画的技法,方能有笔墨情趣。

4 艺术来自于生活,生活给予画家无穷的灵感。黄胄先生的民族风情画为世人称赞,人物生动,有亲切感。因为黄胄先生所画的人物和动物都是通过长期观察、体验,不是凭空而来,对事物,对人物不熟悉是难以深入刻画的,更谈不到形神俱佳了。

沧海撷珍:近代中国画坛的流变与个案研究 本书是一部立足于二十世纪上半叶中国画坛风云变幻的学术专著,通过对数位关键性艺术家的深入剖析,结合时代背景、地域文化及艺术思潮的交织影响,力图勾勒出中国画在转型期所经历的复杂历程与多元面貌。全书摒弃简单的人物生平罗列,着重于对其艺术创作的内在逻辑、风格演变及其学术贡献的系统梳理与批判性阐释。 绪论:世纪之交的文化张力 本书开篇首先确立了研究的时代背景:自晚清“救亡图存”的思潮兴起,至民国时期社会结构和文化观念的剧烈动荡,中国画——这一被视为民族精神载体的传统艺术形式,面临着前所未有的挑战与机遇。如何“中西调和”,如何“古为今用”,成为了萦绕在所有画家心头,并引发激烈争论的核心议题。本章详细考察了清末民初以来,围绕“革新”与“保守”展开的数次重要论辩,分析了如“国画南派北派之争”、“文人画与院体画的再审视”等思潮对创作实践的直接影响。我们引入了当时重要刊物如《太平洋画报》、《美术》等的研究,以期还原当时艺术界思想交锋的真实语境。 第一章:岭南画派的地域精神与创新路径 本章聚焦于以岭南地区为核心的艺术群体。岭南画派的崛起并非偶然,它得益于广州作为通商口岸的地理优势,使得西方写实观念和新的物种信息得以较早传入。我们选取了数位代表性人物进行个案分析,探讨他们如何将传统的写意精神与西方的光影、解剖学知识进行有机结合。 重点分析了其对“折衷调和”理念的实践。这种调和并非简单的拼凑,而是在坚守中国画笔墨本体的基础上,吸收西画的观察方法。例如,对于花鸟画中对植物形态精确度的追求,以及在山水画中对空间透视的改良,都体现了地域文化对主流画坛的强力反拨与独特贡献。本书通过对大量早期展览目录和私人信札的梳理,揭示了岭南画派如何在本土市场中站稳脚跟,并逐渐影响至上海、香港等地的传播机制。 第二章:长安画派的笔墨实验与西部视野 从南方的“折衷”转向西北的“雄浑”,本书的第二核心部分将目光投向了以长安(西安)为中心的画坛。这一群体的艺术探索,与他们所处的黄土高原的地理环境、厚重的历史遗存(如秦汉隋唐的石刻造像)紧密相关。 本章详细探讨了长安画派如何将传统的水墨语言,注入一种近乎“碑拓”般的苍劲质感和版画般的造型力量。他们对“大江大河”主题的偏爱,对古代岩画和民间艺术的借鉴,构成了一种独树一帜的“西部美学”。我们深入分析了这一群体在墨法上的突破,如何通过干湿浓淡的变化,营造出黄土地的苍茫与厚重感,并讨论了这种风格如何被视为对南方柔美画风的一种有力回应。相较于其他地域的画家,长安画派的实践更体现了一种对笔墨本体的“硬性”挖掘。 第三章:京津画派的古典坚守与民间活力 京津画派,作为中国画传统精神的重镇,在民国时期经历了一场艰难的“守正出新”过程。本章着重考察了这一地域的艺术生态,它既有深厚的宫廷遗韵和文人精英的审美标准,也深受民间艺术和传统戏曲的滋养。 我们分析了部分画家在继承“四王”以来文人画精髓的同时,如何吸纳了北方民间剪纸、年画的装饰性和造型夸张手法。这种“雅俗共赏”的倾向,使得他们的作品在保持了笔墨韵味的同时,也具备了更强的视觉冲击力和生命力。本书细致对比了该画派在人物画、山水画领域对传统图式的再诠释,并考察了在战乱时期,他们如何通过艺术教育机构,维持了传统笔墨教育的薪火相传。 第四章:题材的转换:从传统叙事到现代关怀 艺术的革新最终要落实到题材和内容的更新上。本书的第四部分集中探讨了民国时期题材的显著变化。 一、人物画的“社会化”: 传统人物画中隐士、高士的形象逐渐被具有现代精神的知识分子、劳动者或富有时代感的历史叙事所取代。我们分析了画家如何尝试用传统笔墨来表现现代服饰、现代场景以及现代人的精神状态。 二、山水画的“地域化”与“情感化”: 面对西方风景画的冲击,中国山水画如何避免沦为单纯的风景写生?本章展示了画家们如何将笔下的名山大川,融入强烈的个人情感和家国情怀,使山水成为寄托“民族气节”的载体。 三、花鸟画的“写实倾向”: 花鸟画领域同样出现了对物象精确描摹的兴趣,这与植物学、园艺学的传入息息相关。本书讨论了这种写实倾向与传统写意精神之间的张力与平衡,以及如何通过“意笔写生”来达成新的审美境界。 结语:流变的画坛与未竟的融合 本书的结论部分总结了二十世纪上半叶中国画发展的内在规律:它不是一条单向度的西化或复古之路,而是一个充满张力、多中心、多元并存的复杂场域。不同地域的画家,以不同的策略和路径,回应了现代性的挑战。他们的探索,为当代中国画的持续发展奠定了坚实的基础,也留下了许多至今仍值得我们深思和继续完成的艺术课题。本书希望通过对这些具体个案的深入挖掘,为理解中国现代艺术史提供一个更具层次感和地域差异性的视角。 本书特色: 1. 材料的多元性: 综合运用了美术史学、社会史、区域文化研究的最新成果,结合了大量鲜为人知的拍卖记录、私人信札、早期画册的文字描述进行交叉印证。 2. 视角的批判性: 避免了对“国画大师”的过度神化,力求从历史结构和艺术实践的实际效果出发,对其创新性进行审慎评估。 3. 地域的平衡性: 突破了以一两个中心城市为轴线的传统叙事,首次系统地将中国画的创新场域扩展至更广阔的地域范围。

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读后感

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这本《杜滋龄画人物》真是一部令人眼前一亮的艺术探索之作。我一直对人物画抱有浓厚的兴趣,尤其欣赏那些能捕捉到人物神韵和内心世界的作品。这本书的装帧设计非常考究,纸张的质感和印刷的精细度都体现了出版者的匠心。初翻阅时,首先吸引我的是那些线条的流畅与力量感。杜滋龄先生对人体结构的理解可谓登峰造极,无论是古典仕女的含蓄内敛,还是现代人物的奔放洒脱,他都能信手拈来,挥洒自如。更难能可贵的是,他似乎拥有一种魔力,能让画布上的形象“活”起来。观赏他的作品,我仿佛能听到人物的呼吸声,感受到他们复杂的情绪波动。这种深入骨髓的观察与表达,远非简单的形似可以概括,它触及了人物的灵魂深处。特别是那些眼神的描绘,真是妙极了,充满了故事性和张力,让人久久不能忘怀。这本书不仅仅是一本画册,更像是一本关于如何观察生活、捕捉瞬间的视觉哲学教材。

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我是一个业余的素描爱好者,平时总是在为如何让我的线条更有生命力而苦恼。自从接触到《杜滋龄画人物》后,我的创作思路仿佛被打开了一扇新的大门。这本书的精彩之处在于,它不仅仅展示了最终的成品,还穿插了大量充满洞察力的创作笔记和步骤解析。我尤其欣赏作者对于“动态捕捉”的论述,他如何用极简的几笔勾勒出人物在运动中的瞬间平衡与失衡,那种对时间和空间的精确把握令人叹服。书中的某些章节详细拆解了光影在不同材质皮肤和衣物上产生的微妙变化,这对于我这种追求写实效果的画者来说,简直是如获至宝。读完这些解析,我尝试着模仿书中的某些练习,发现自己对光影的理解和运用确实有了质的飞跃。与其说这是一本画集,不如说它是一本导师级别的教学指南,它引导读者去思考“为什么这么画”,而不是简单地模仿“画成了什么样”。它教会我的,是观察事物的底层逻辑。

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说实话,我最初对这类专注于单一画科的艺术书籍抱有保留态度,总担心内容会过于单调或重复。然而,《杜滋龄画人物》彻底颠覆了我的认知。这本书的叙事结构非常巧妙,它并没有按照时间顺序或题材类型进行简单的罗列,而是通过主题性的章节,将不同历史时期、不同文化背景下的人物形象进行对话和碰撞。我特别喜欢其中关于“人物性格与姿态的对应关系”的探讨。比如,作者如何通过人物手部的细微姿态来暗示其内心的犹豫或决断,这是一种极高的艺术概括能力。阅读过程中,我感觉自己像是在进行一场跨越时空的文化考察。每一幅画作的背后,都似乎隐藏着一个完整的故事,而杜滋龄先生就是那个最敏锐的记录者。这种将美学理论、人文关怀和精湛技艺完美融合的表达方式,使得这本书的阅读体验丰富而立体,绝非一份枯燥的技法说明书可比拟。

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作为一个对艺术史略有涉猎的普通读者,我发现这本书的价值还体现在它对传统与创新的平衡处理上。在许多篇章中,都能清晰地看到作者对古典大师笔法的致敬与学习,但杜滋龄先生绝不是简单的模仿者。他能从传统中汲取营养,然后以一种极其现代和个人化的视角重新诠释人物。比如,书中关于面部表情的刻画,那些夸张却不失真实的瞬间定格,让人想起表现主义的一些手法,但又被作者用一种非常克制和优雅的方式处理着,既有冲击力,又不至于流于俗套。这种“中西合璧,古今交融”的艺术处理手法,使得这本书的艺术视野非常开阔。它不仅展示了高超的绘画技巧,更传递了一种成熟艺术家的心态:尊重历史,但绝不被历史所束缚,永远在探索新的表达边界。这种思想层面的启迪,远超出了单纯的绘画技术范畴。

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我必须承认,这本书的某些技法深度对我来说,可能还需要时间去完全消化和吸收,但即便如此,它依然带给我巨大的震撼和精神上的愉悦。我尤其欣赏作者在面对复杂群体肖像时的组织能力。那些多人物构图,往往考验着画家的空间布局和视线引导能力。在这本书中,杜滋龄先生展示了他如同指挥家一般的掌控力,即便画面人物众多,每个个体依然清晰可辨,并且共同服务于一个中心意图,画面和谐而富有张力。书中的一些大尺幅作品的复制效果极佳,色彩的层次感和笔触的肌理都被很好地保留了下来。读这本书时,我常常需要放慢速度,细细品味那些被“忽略”的细节——比如人物衣褶下的阴影,或者背景中被虚化的元素是如何巧妙地烘托主体。它让我深刻理解到,伟大的艺术作品,是用“心”而非仅仅用“眼”去完成的。这是一次心灵与技艺的深度对话。

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