何绍基临麓山寺碑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:古吴轩出版社

作者:何绍基

出品人:

页数:110

译者:

出版时间:2004-6-1

价格:13.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787805748221

丛书系列:

图书标签:

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《山水之间：中国古典园林艺术赏析》 本书简介 《山水之间：中国古典园林艺术赏析》是一部深度探究中国古典园林设计理念、美学特征、文化内涵及其历史演变的综合性著作。全书以严谨的学术态度和生动的叙事笔触，带领读者穿梭于苏州园林的精巧雅致、皇家园林的恢弘大气，以及文人园林的清幽淡泊之中，揭示“天人合一”的哲学思想如何具体地物化为一方方咫尺山林。 本书并非仅仅停留在对著名园林（如拙政园、留园、颐和园等）的表面描述，而是深入剖析了构成中国古典园林独特魅力的核心要素：叠山理水、花木配置、建筑点缀与空间序列的营造。 第一部分：哲思与源流——园林精神的溯源 本章首先追溯中国园林艺术的哲学根基。重点探讨了道家思想中“虚静”、“自然”的概念，以及儒家“中庸”、“秩序”的思想对园林布局的影响。我们阐明了中国园林与西方古典园林在本质上的区别——前者追求“不出城郭而得山水之趣”，后者则倾向于几何化的对称与人工的彰显。 详细考察了从魏晋竹林七贤的雅集之地，到唐代私家园林的初步形成，再到宋代文人园林理论的成熟（如苏轼、朱熹的观点）。这一部分强调了“诗意栖居”是中国园林艺术的最高追求，园林是文人精神世界的物化载体。 第二部分：造园的艺术——空间、材料与技法 本部分是本书的技术核心，细致阐述了中国园林设计中的关键技术与审美原则： 1. 叠山理水： 深入分析了“假山”的艺术。讨论了堆山常用的手法（如“堆、叠、分、嵌”），不同地域的石材选择（如太湖石的“皱、漏、透、瘦”），以及水体在园林中的象征意义和导向作用（活水与静池的布局哲学）。 2. 建筑的对话： 研究了园林建筑的功能性与装饰性统一。分析了亭、榭、轩、廊等不同类型建筑在空间序列中扮演的角色，以及它们如何通过门洞、窗棂（漏景）实现“移步换景”的效果。重点讨论了“借景”的运用，即如何将远处的山峦、近处的树木纳入有限的庭院空间之中。 3. 花木的语言： 探讨了植物在园林中的“人格化”象征。梅、兰、竹、菊（四君子）的象征意义，松柏的苍劲，以及不同季节花卉的配置如何服务于园林的特定意境（如“疏影横斜水清浅”的禅意）。 第三部分：地域风格与流派变迁 中国地域广阔，园林风格因地制宜，各具特色。本书将园林艺术划分为几个主要的地域流派进行深入对比： 1. 江南私家园林（以苏州为中心）： 强调精巧、内敛、细腻的水墨画意境。分析了小中见大的手法，以及如何通过建筑的掩映营造曲折幽深的感受。 2. 北方皇家园林（以北京为中心）： 突出宏大、规整、中轴对称的“王气”。探讨了其在功能上对礼制秩序的服从，以及在造园手法上对江南园林意境的吸收与改良。 3. 岭南园林： 重点分析了适应炎热潮湿气候的设计策略，如高台、水榭、通风口（雀替、通花砖）的使用，以及对色彩的偏爱。 第四部分：园林中的文学与文化意蕴 园林是“可居、可游、可观”的立体文学作品。本章探讨了园林中蕴含的文化密码： 匾额与楹联： 这些文字艺术如何高度凝练地概括了园林的主题思想和主人的情怀。 文人雅集与园林生活： 描述了园林在古代士大夫日常生活中作为社交、创作、隐逸场所的功能，以及与之相关的琴棋书画活动。 结语：当代园林的传承与反思 最后，本书对现代城市化进程中的园林保护与创新进行了展望。强调继承古典园林中“以人为本，顺应自然”的智慧，而非盲目复古或过度商业化。 《山水之间》不仅是建筑史和园林艺术爱好者的案头参考书，也是所有致力于理解中国传统美学、追求精神栖息地的读者，一本不可多得的指南。它旨在唤醒读者对那份“不出户而观天下”的东方浪漫情怀的向往与珍视。全书配有大量精选的古今图绘、测绘图及高清实景照片，力求将抽象的理论转化为可感的空间体验。

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说实话，拿到这书时，我的第一反应是有些失望的，那种失望并非源于对作者能力的质疑，而是源于我对这本书的“定位”产生了严重的误判。我原以为这是一本详尽的、关于某位书法大家特定时期创作风格的考据性作品，特别是关于其用笔习惯在不同纸张和媒介上的细微变化。我甚至准备好了放大镜，打算去对比那些墨迹中的飞白和枯笔是如何体现作者心境的。但这本书的行文风格极其跳跃，它像是一个醉心于意境的诗人，而非一个恪守章法的工匠。文字描述充满了隐喻和象征，比如“墨分五色，意逾万象”之类的句子频繁出现，这在提升文学性的同时，极大地削弱了其作为工具书或参考资料的实用价值。我试图在其中寻找一些关于“如何临摹”的实用建议，哪怕只是寥寥数语的侧锋运用技巧，但翻遍全书，我只找到了对“气韵生动”的无数种浪漫化的诠释，这让我感觉自己像是在品鉴一幅抽象画，而不是学习一门手艺。

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这本书的排版十分讲究，但这种讲究似乎也恰恰是它与我阅读需求背道而驰的证明。它大量留白，每一页的文字都显得疏朗有致，给予读者充足的“呼吸空间”。我曾期待这本书能像一本详细的文献汇编那样，将大量罕见的拓本图片并置，并配以清晰的批注和不同版本之间的异同说明。我希望看到的是对某一特定碑帖中，因刻手不同而产生的微妙笔法偏差的深入分析。然而，这本书几乎没有提供任何高质量、可供临摹参考的图版，文字描述虽然优美，但缺乏直观的视觉佐证。读完之后，我仿佛听了一场精彩的音乐会，领略了乐曲的意境，却完全记不住任何一个具体的音符或和弦进行。因此，对于那些想通过阅读此书来提高自身技艺、或是进行具体碑帖研究的读者来说，这本书更像是一次高雅的“精神漫步”，而非一次扎实的“学术考察”。

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这本书的装帧设计，坦白讲，非常具有“文人雅士”的做派，厚重的纸张和典雅的字体选择，无疑提升了它的收藏价值。我是一个非常注重阅读体验的人，那种沉甸甸的手感，似乎能让人立刻沉浸到一种静谧的氛围中。然而，阅读的体验是一把双刃剑。当内容与期待产生巨大落差时，精美的外表反而成了一种讽刺。我原以为这会是一本深入探讨清代书法流派中特定地域风格演变的专业书籍，特别是对于某些小型、但对后世影响深远的刻碑风格的比较分析。我尤其关注当时地方士绅在碑刻艺术中扮演的角色。这本书却将叙事重心放在了极度个人化的体验上，探讨了“书写”这一行为本身如何与人的生命节奏、呼吸起伏相契合，这更像是一本关于“身体哲学”的书，而不是书法史论。它几乎没有提供任何可以被量化或经验证实的史料支撑，通篇皆是主观的、抒情的感悟，这对于追求严谨考据的我来说，无疑是难以接受的。

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从目录结构来看，这本书的逻辑安排似乎是按照作者的创作心路历程来组织的，而不是按照时间线或主题模块来划分的，这使得非专业读者在检索特定信息时会感到极其困难。我原本是为了研究清代中后期碑学转向帖学的过程中，那些试图在两者间寻求调和的“过渡性”书家群体。我需要的是清晰的脉络图和不同阶段的代表作的对比研究。这本书却将重点放在了一种近乎冥想的境界描述上，它谈论了如何通过“放空自我”来达到“与古人神合”的状态。虽然这种精神层面的追求在艺术领域是必要的，但本书的篇幅分配严重失衡。对于需要了解具体技术细节——例如，如何处理横画收尾的“回锋”技巧在不同流派中的细微差异——的读者而言，这本书提供的帮助微乎其微。它像是一位高僧在讲述顿悟的体验，而不是一位老师在教授具体的修行法门，实用性大大折扣。

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这本书的书脊带着一种老旧的、却又不过分陈腐的木头香气，初翻时，指尖拂过那微微有些粗砺的纸张，便觉一股穿越时空的力量扑面而来。我是一个对书法史抱有极大热忱的业余爱好者，尤其钟情于碑学与帖学之间的微妙张力。我原本期待能在这本书中找到关于清代碑学复兴运动的深度剖析，特别是对那些不常被主流论述提及的次要流派如何渗透到地方书风中的细致考证。然而，这本书似乎更聚焦于某种更为宏观的、近乎哲学的探讨，它将笔墨的运用提升到了一种宇宙观的高度，试图从书法的线条中窥见“道”的运行规律。这种宏大叙事固然有其魅力，但对于一个渴望具体技法解析和流派源流追溯的读者来说，不免感到有些空泛和意犹未尽。我期待的那些关于不同时期隶书结体异同的图版对比，或是对碑刻风化对字体影响的微观分析，在这本书里几乎找不到踪影，它更像是一部美学散文集，而非严谨的学术专著。

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