新编工笔人物画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:西南师大

作者:金瑞

出品人:

页数:54

译者:

出版时间:2004-1

价格:42.00元

装帧:

isbn号码:9787562130796

丛书系列:

图书标签:

• 工笔画
• 人物画
• 绘画技法
• 绘画教学
• 艺术
• 中国画
• 绘画
• 美术
• 技法
• 教程

瀚海拾贝：中国古代山水画技法探微 内容简介： 本书旨在深入剖析中国古代山水画从萌芽、发展到成熟的整个演变历程，重点聚焦于历代名家的创作理念、核心技法以及不同流派的风格特征。它不是一本简单的技法手册，而是一部融合了艺术史、美学思想与实践指导的综合性著作。我们力求为读者构建一个清晰的知识脉络，理解山水画“以形写神”的独特哲学内涵。 第一部分：渊源与肇始——魏晋南北朝的“可游可居” 本章将回溯山水画的早期形态，探讨其如何从人物画的背景中独立出来。重点分析东晋顾恺之、南朝宗炳、刘义庆等人对于山水“意境”的初步构建。彼时的山水画，尚未形成成熟的笔墨规范，但已孕育了“卧游山水”的文人情怀。我们将详细梳理早期山水画中对自然元素的观察与符号化表现，例如对“点皴”雏形的探讨，以及青绿山水滥觞期的色彩运用。 第二部分：盛唐气象与北方雄浑——李思训父子与荆浩、关仝 盛唐时期，山水画迎来了第一次高峰。本部分首先阐述唐代李思训、李昭道父子所代表的“金碧山水”风格，分析其如何继承和发展了隋代的青绿设色传统，强调其富丽堂皇背后的宫廷审美趣味。 随后，焦点转向五代十国时期的北方画派——荆浩与关仝。这是中国山水画技法体系确立的关键时期。我们将深入剖析“斧劈皴”、“披麻皴”等重要皴法的起源与结构，研究他们如何通过雄伟的山体结构来表达“可行、可望、可游、可居”中“可望”的宏大叙事。特别是对荆浩《匡庐图》中“以大景为骨”的构图原则，将进行细致的图解分析。 第三部分：文人画的崛起与“以墨为主”——董源、巨然与江南烟雨 本书的第三部分是全书的理论核心之一，即对“文人画”体系的建立进行深入研究。南唐二籍——董源和巨然，被誉为“江南山水之祖”。我们将重点剖析他们如何摆脱北方画派的硬朗之气，开创出以润含大块、浑厚华滋为特征的江南风格。 披麻皴的深化： 探讨董源如何将北方成熟的披麻皴，转化为更具湿润感、更富于内在生命力的表现手法，以适应江南丘陵的温和地貌。 墨法与晕染： 详细讲解“墨分五色”在董巨体系中的具体体现，分析其如何通过墨色的层层叠加（积墨法）来营造厚度和空间感，实现“气韵生动”的审美目标。 第四部分：宋元转折——范宽、郭熙的“势”与“理” 宋代是山水画技法成熟的黄金时期。本章将聚焦于“北宋三家”的贡献。 范宽的“近景不乱，远景不混”： 深入分析范宽标志性的“雨点皴”的运用，及其对山石肌理的极致表现。我们探讨其作品中强烈的垂直感和纪念碑性，如何体现宋人对天地秩序的敬畏。 郭熙的“三远法”： 详细解读郭熙在《林泉高致》中提出的高远、深远、平远理论，并结合其画作实例，演示如何运用空间语言来引导观者的视线，实现画面的动态平衡。这一部分也将触及宋人山水画中渗透的理学思想对艺术创作的影响。 第五部分：元四家的笔墨革命与意境的张扬 元代，文人画彻底成为主流。黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙四家，将笔墨从单纯的写实工具提升为抒发个人情志的媒介。 黄公望的“简淡”与“皴法”的自由化： 分析“牛毛皴”的特点，以及黄公望在《富春山居图》中对水墨晕染和空间处理的创新。 倪瓒的“折带皴”与“旷远”： 探讨倪瓒如何以极简的笔墨（“一河两岸”）表达其孤高、淡泊的审美取向，分析其对留白空间的精妙控制。 王蒙的“层层加笔”： 介绍王蒙如何通过繁密的笔线和复杂的皴法，构建出苍茫郁勃、层次丰富的“蒙痕”风格，展示了元末文人内心的复杂情绪。 第六部分：明清：复古、创新与地域流派的演变 明清时期，山水画进入了一个多元化、兼收并蓄的阶段。本章将梳理两条主要发展脉络： 1. 浙派与吴门画派的笔墨传承： 分析戴进、吴伟的雄强之气与沈周、文徵明的温润典雅，重点对比他们对元代笔墨的继承与改造。 2. 董其昌与“南北宗论”的理论影响： 深入解析董其昌的“以书入画”理论，以及他对中国山水画史的重新梳理，如何确立了“文人笔墨的正统性”。 3. 清代“四王”的集大成： 研究王时敏、王鉴、王 memak、王原祁如何通过“集古”的方式，将历代名家技法融会贯通，构建出程式化的经典范式。 第七部分：实用技法解析——皴、擦、点、染的实践指南 本章是技术层面的回归，通过大量的图例和步骤示范，详细拆解中国山水画的四大基本元素： 皴法结构： 讲解披麻、斧劈、雨点、荷叶、折带等主要皴法的提、按、顿、挫，以及它们对应不同山石的质感表现。 墨法层次： 区分焦墨、浓墨、淡墨、破墨、积墨在塑造体积感和空气感中的具体运用。 点叶与苔点： 示范不同季节、不同地域树木的画法，如“介字点”、“个字点”的运用与变化，以及苔点的神韵所在。 设色技法： 探讨青绿山水中的石青、石绿的晕染技巧，以及文人浅绛山水中的赭石与花青的配合，旨在帮助学习者掌握如何用色彩烘托墨韵。 结语：当代视角下的传统山水 最后，本书将以简短的篇幅，探讨在现代艺术思潮冲击下，传统山水画如何保持其生命力，以及当代画家如何在新材料和新观念的融合中，对“笔墨当随时代”做出回应。本书旨在为有志于深入研究中国山水画艺术的爱好者、专业学生及研究人员提供一份详尽而扎实的参考资料。

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这本画册的装帧设计简直是一次视觉盛宴，纸张的质感厚实而细腻，色彩的呈现非常饱满，即便是印刷品，也能感受到画作原有的那种光影层次。尤其值得称赞的是，它对传统工笔画技法的解构和呈现方式非常清晰，从线条的勾勒到色彩的晕染，每一步骤都有详尽的图解和文字说明，对于我们这些自学入门的爱好者来说，简直是及时雨。我特别喜欢其中关于“分染”部分的讲解，那种由浅入深的色彩过渡处理，在其他资料里鲜少看到如此细致的分析。书中的范例选择也很有眼光，既有古代经典名作的临摹参考，也有现代画家的创新实践，视野非常开阔。不过，如果能增加一些关于材料和工具选择的深度探讨，比如不同类型墨汁和颜料在实际应用中的细微差别，那就更完美了。整体而言，这是一本内容扎实、制作精良的入门及进阶教材，看得出编者在内容组织上花费了大量心血，让人爱不释手。

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说实话，我一开始抱着试试看的态度买回这本书，毕竟市面上同类书籍太多了，很容易审美疲劳。然而，这本书给我的惊喜在于它对现代审美与传统技法的融合探索。它并没有将工笔画完全束之高阁，而是巧妙地引入了一些现代设计和光影的概念，使得传统的线条和敷色焕发出了新的生命力。尤其是关于人物动态的捕捉，书中提供了一些摄影参考的分析图，教导我们如何在保持工笔细腻度的同时，展现出更富张力的肢体语言，这对于创作原创人物画作的帮助极大。我特别欣赏其中几个现代题材的范例，它们证明了工笔人物画完全可以走出画廊，进入当代生活的叙事。唯一的遗憾是，对于软件辅助上色和数字修复的探讨略显不足，在这个时代，能提供一些传统技法与现代工具结合的路径指导，会更符合当下创作者的需求。

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翻开这本书，我立刻被那种扑面而来的古典气息所吸引，它不仅仅是一本技法书，更像是一部浓缩的中国古典美学史。作者的叙述语言极为考究，用词典雅，读起来有一种娓娓道来的韵味，不像有些教程那样干巴巴地罗列步骤。书中对人物神态的刻画分析尤为精妙，比如如何通过眉眼处理来传达人物的内心世界，那种对“神韵”的捕捉和表达，是工笔画的灵魂所在，这本书对此进行了深入浅出的剖析。我曾经在临摹一位唐代仕女像时陷入瓶颈，就是因为对人物性格的理解不够深入，而这本书提供了一个绝佳的切入点。当然，如果能再多引入一些不同朝代、不同地域人物的典型特征对比分析，比如宋代宫廷与唐代开放风格的人物差异，会让这本书的学术价值更上一层楼。但即便如此，它对于提升绘画者的“境界”和文化素养的帮助是毋庸置疑的，值得反复研读。

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作为一名资深美术爱好者，我对工具书的要求是很高的，不仅要求内容专业，还要求结构逻辑清晰，易于检索。这本书在这方面做得非常出色，它采用了模块化的结构，将复杂的工笔流程拆解成了若干个可独立学习的小单元，比如“发丝的丝缕描法”、“衣纹的褶皱处理”等，每个模块都有明确的编号和索引，查找起来极其方便。我最常用它来对照检查自己的用笔习惯，书中的放大细节图清晰到每一根毫毛的走向都能看清，这对于精益求精的画者来说是无价之宝。我个人认为，如果能附带一套配套的练习册或者线稿源文件，让读者能够即时将所学应用到实践中，那么这本书的实用性将达到一个顶峰。目前看来，它更偏向于“理论指导”和“范例赏析”，实践操作的深度还有提升空间。

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这本书给我的最大感受是“耐心”和“匠心”。它没有追求速成，而是脚踏实地地讲解每一种笔法的运用和背后的原理。比如，在讲解“平涂”和“罩染”技法时，作者反复强调了水分控制的重要性，并用非常形象的比喻来解释墨色在宣纸上洇开的规律，这对于初学者建立正确的材料感知至关重要。我过去常犯的错误就是急于求成，导致画面脏乱，读了这本书后，我开始放慢速度，注重每一次落笔的沉稳度，效果立竿见影。这种对基础的极端重视，体现了编者对传统艺术的敬畏之心。如果非要说有什么可以改进的地方，或许是希望能加入更多关于画作保存和装裱的常识性介绍，毕竟，工笔画的材料特殊，了解如何更好地保护成果，也是创作者必修的一课。总而言之，这是一本值得反复揣摩、越读越有新发现的精品。

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