1995-2002书画拍卖集成·陆俨少 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南美术出版社

作者:欣弘编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:80.0

装帧:平装

isbn号码:9787535620262

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翰墨丹青忆往昔：近现代中国书画艺术研究（1930-1980） 书籍概述： 本书聚焦于中国近现代书画艺术发展史中一个至关重要的阶段——1930年代至1980年代。这是一个社会剧烈变革、文化思潮涌动，同时也是传统艺术在现代语境下进行深刻自我革新与探索的关键时期。本书旨在系统梳理和深入剖析这一历史跨度内，中国书画领域所发生的重大转变、代表性艺术家的创作历程及其艺术思想的演变，同时兼顾地域流派、重要展览与艺术机构在推动艺术发展中所扮演的角色。 第一部分：时代的转折与艺术的嬗变（1930-1949） 本部分将详细探讨抗战爆发前后及解放战争时期，中国书画艺术所面临的复杂环境。 一、 传统学术的坚守与革新 1. 海派的余晖与新生的力量： 考察“海上四任”（任伯年、吴昌硕之后）对都市艺术趣味的影响，以及以张大千、徐悲鸿为代表的，从传统中汲取力量并尝试国际视野的艺术家。重点分析张大千敦煌临摹与“泼墨泼彩”风格的形成基础，以及他如何在中西交流的思潮中确立自身的艺术坐标。 2. “新金陵画派”的崛起： 深入研究以金陵为中心，对宋元文人画传统进行现代化阐释的群体。陈之佛、傅抱石等人在民族危亡之际，如何将对故土山河的深情融入笔墨，发展出具有强烈时代精神和鲜明地域特色的山水、人物画风格。傅抱石的“抱石皴”在这一时期的成熟与影响，是本章的重点分析对象。 3. 北方的稳健与学院派的奠基： 考察以北平为中心的艺术活动。徐悲鸿在中央大学艺术系的教育理念及其对写实素描与中国画结合的探索。齐白石晚年的艺术巅峰状态，其“红花墨叶”的成熟，以及他作为民间艺术典范在学界和民间获得的崇高地位。 二、 艺术教育与理论的构建 本章将梳理这一时期艺术院校的课程设置变化，特别是素描在中国画教学中的地位提升，以及艺术评论家如潘天寿、滕固等人对中国画“体、用、名”的理论探讨，为后续的艺术发展奠定理论基础。 第二部分：建国初期的整合与探索（1949-1966） 新中国的成立为艺术发展带来了前所未有的组织与方向性。本部分关注艺术的“为人民服务”这一核心命题下，书画艺术如何进行社会化的转型。 一、 宏大叙事与主题创作的兴起 1. 山水画的“时代精神”注入： 探讨画家们如何将写生与创作相结合，将传统的“卧游”山水转变为对祖国大好河山的赞美。李可染的“万山红遍”系列如何体现对时代精神的把握；黄宾虹晚年南下后的艺术探索，以及他晚年对笔墨语言的提炼与升华。 2. 人物画的革命性突破： 重点分析以蒋兆和为代表的，将传统水墨技法应用于现代人物造型和肖像创作的实践。分析其如何成功地将西方透视和解剖学融入水墨语言，形成具有强烈时代感的“新水墨人物画”。 二、 “四王”与“四僧”的再评价 本章考察在新的历史条件下，传统画论中地位有所波动的前代大师，如“四王”画派的继承者们（如王雪涛的花鸟画的集大成），以及“四僧”风格在现代语境下的不同解读。分析艺术史家如何试图在继承传统和创新之间找到平衡点。 三、 地域性展览与文化交流 分析建国初期全国美展的影响力，以及中国画在对外文化交流中承担的角色。探讨上海、北京、广州等地画派在保持自身特色的同时，如何与中央的艺术指导精神相协调。 第三部分：沉寂中的坚守与酝酿（1966-1976） 本部分将以审慎的态度，探讨这一特殊时期艺术家的生存状态、精神寄托与艺术实践的隐秘性。 一、 笔墨的私人空间 分析在创作受到严格限制的背景下，部分艺术家的绘画活动转向了私密的、非公开展览的领域。这种“退守”如何促使他们将精力更集中于笔墨语言自身的推敲与锤炼，为“文革”后的复苏积累了更为精纯的技法储备。 二、 理论的暂时停滞与民间力量的维系 探讨艺术理论研究的停滞现象，以及中国画教育的暂停对学术传承带来的影响。同时，关注民间艺术和地方戏曲美术对传统审美品位的间接维系作用。 第四部分：改革开放的序曲与新水墨的萌动（1977-1980） 本书的最后部分将聚焦于文革结束后，中国书画艺术如何迅速回暖并开始酝酿下一波的变革。 一、 艺术的回归与解放 1. “伤痕美术”与水墨的结合尝试： 考察在艺术思潮解放的初期，部分画家如何试图用更具冲击力的笔触和更直接的情感表达来处理历史创伤，及其对传统山水、人物画形式的初步冲击。 2. “江苏画派”的再次发力： 讨论在这一时期，以宋文治、魏紫熙为代表的南方画家，如何回归对传统笔墨韵味的梳理，在恢复传统审美趣味方面起到的稳定作用。 二、 传统复古思潮与对“学院派”的反思 分析在艺术品市场开始复苏的早期，社会对传统技艺和“真迹”的追捧，以及对前三十年过于强调政治主题创作的一种反向修正。这为下一阶段更自由的艺术探索埋下了伏笔。 结语： 本书通过对1930年至1980年这半个世纪中国书画艺术的梳理，旨在呈现一个充满张力、自我超越与艰难传承的历史断面。它不仅是关于艺术风格的演变史，更是一部关于文化如何在动荡中寻求立足点、并在变革中不断重塑自身精神家园的史诗。理解了这一时期的探索与积累，方能更深刻地理解当代中国书画的多元面貌。

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这本厚重的画册，光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的历史分量。我一直对上世纪末的艺术品市场抱有浓厚的兴趣，尤其是在那个收藏热潮初起的年代，艺术家的作品是如何在拍卖场上起伏流转的。虽然我手中的这本是关于特定时期的书画市场记录，但它所折射出的那个时代艺术圈的风貌，却是无比生动的。我特别留意了那些作品成交背后的故事，那些行家们精准的眼光和敏锐的嗅觉，如何在瞬息万变的拍卖环境中捕捉到真正有价值的潜力股。书中的排版设计也颇具匠心，将作品图像与当时的成交数据并置，使得读者不仅能欣赏到艺术家的笔墨功力，更能直观感受到市场对其价值的初步认可。那种将艺术的审美价值与商业的冷峻现实并置的叙事方式，让人在翻阅时不得不深思，艺术品在被赋予精神光辉的同时，其市场属性是如何被不断重塑和定义的。这种多维度的审视，远比单纯的画作赏析来得更加引人入胜，它让我体会到一种跨越时空的对话感，仿佛置身于那个充满机遇与博弈的时代浪潮之中。

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拿到这本精装书时，我最先被吸引的是它那跨越七年的时间维度所带来的广阔视野。艺术品的价值评估是一个漫长且复杂的过程，而这七年恰好是一个重要的过渡期，从旧的传统鉴定体系到新的市场化运作模式正在逐步形成。我试着去理解，在那个相对信息不那么流通的年代，拍卖行的专家们是如何建立起对某位艺术家风格演变和市场接受度的判断体系的。书中的图录展示了那个时期中国画坛的重要趋势，那些墨分五色的山水和灵动的人物，无不带有鲜明的时代烙印。我更关注的焦点在于，不同年份的同一位艺术家的作品，其价格曲线是如何变化的？这种变化是基于纯粹的艺术成就提升，还是受到了外部宏观经济环境的影响？阅读过程中，我仿佛化身为一个长期的市场观察者，试图从这些冰冷的数据和精美的图影中，抽丝剥茧地还原出那个时代艺术价值的形成逻辑。这不仅仅是一本资料汇编，更像是一部关于“被认可”过程的社会学研究报告。

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这本书的装帧和印刷质量，完全体现了那个年代高端艺术图书应有的水准。我常常在想，在那个数字影像尚未完全主导的时代，印刷的质感对于书籍的价值有着多么决定性的影响。每一页的纸张触感，都仿佛能将我们拉回那个实体收藏的黄金年代。当我翻阅那些精心复制的画作时，能感受到油墨在纸张上留下的那种微妙的颗粒感，这与现代高清数码印刷带来的光滑感是截然不同的体验，多了一种温暖的人文气息。抛开内容本身的市场数据不谈，单从艺术品文献的载体角度来看，这套书本身就是那个时代工艺水平的一个缩影。它提醒着我们，在信息爆炸的今天，这种需要投入大量人力物力进行实体制作的出版物，所承载的重量和留存的价值，是任何电子文档都无法替代的。这是一种对物质媒介的尊重与珍视。

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我向来欣赏那些能将浩瀚的史料整理得井井有条的出版物，这本关于特定历史区间的拍卖集成在这方面做得极为出色。作为一个对艺术史脉络有着基本了解的爱好者，我深知，要全面勾勒出一位大师在特定时期内的市场影响力，需要极其细致的档案工作和严谨的编纂态度。这本书的编排逻辑非常清晰，它没有简单地堆砌图片和价格，而是似乎在尝试构建一个线性的时间轴，展示艺术家创作状态的成熟期与市场反馈的黄金期是如何相互催化的。我花了大量时间去比对不同批次作品的细节——比如某一年的山石皴法是否更加老辣，或是某一年的设色是否更趋于内敛——并将这些艺术上的细微变化，与当时的拍卖记录进行交叉验证。这种深度的挖掘过程，让我体会到出版者对学术严谨性的坚持，也满足了我作为深度读者对“为什么”的好奇心，而非仅仅满足于“是什么”。

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阅读过程中，我最感兴趣的其实是“非线性”的阅读体验。虽然这是一本按时间序列整理的资料集，但我更喜欢随机抽取某一年份的记录进行深入研究，然后尝试构建一个关于“市场心理学”的微观模型。比如，我会关注某个特定年份，在某个重要拍卖会上，某几张风格相近的作品是否会因为竞争加剧而出现价格断层。这种对群体行为模式的捕捉，比单纯研究某一张画的艺术价值要来得更具挑战性和趣味性。这让我意识到，艺术品的市场价格，绝非仅仅是艺术家个人才华的简单投射，它更是一场由藏家群体、市场情绪、宏观经济周期共同编织而成的复杂博弈场。这本厚重的集成，提供了一个绝佳的、结构化的样本库，供我们这些后来的研究者去分析和解读，那种特定历史时期内，艺术品价值的“共识”是如何被集体塑造和巩固的。

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